Cantante del mes de noviembre: Lisa Della Casa.

Termina el mes de noviembre y siento no haber subido, a la barra lateral del blog, todas las cosas de Della Casa que había previsto, no me ha dado tiempo. Ahora es el momento de que pase a formar parte de una entrada y dejar lugar a otra cantante que nos visitará durante el mes de diciembre.

Lisa della Casa nació en Burgsdorf (Suiza) un 2 de febrero de 1919, de padre italo-suizo -aunque de profesión era médico dirigió teatro y también cantó y actuó como barítono- y madre bávara, debutó a la edad de veintidós años en el Teatro Municipal de Solothurn-Biel, ciudad situada en el norte de Suiza, cerca de la frontera francesa, en un papel con el que en absoluto se le asocia: Cio-Cio-Sam de Madama Butterfly.

Dos años después, en 1943, es contratada por el Stadtstheater de Zúrich, allí permaneció hasta 1950 cantando roles como los de la Reina de la Noche (La Flauta Mágica)-aunque se asocia a la cantante con Mozart no es precisamente interpretando este papel-, Dorabella (Così fan tutte), Zdenka y Sophie(Arabella) -en 1946 cantó Sophie junto a Maria Cebotari en el rol protagonista-. Según declaraba la propia Della Casa, en Zúrich cantaba todo aquello que se le pedía, era muy joven y entonces ella quería cantar por encima de todo.

Al parecer Cebotari quedó deslumbrada por su voz y talento, así que decidió recomendarla cuando se enteró de que en el Fetival de Salzburgo estaban buscando una Zdenka, y en 1947 la interpretaba allí junto a Maria Reining como Arabella y Hans Hotter como Mandrika; en el primer ensayo ya recibió un gran aplauso de parte de los miembros de la Filarmónica de Viena -como en las películas-, dicen que Richard Strauss, que estaba presente, declaró: "esta muchacha llegará a ser algún día Arabella" -otros dicen que estas declaraciones las realizó el compositor en Zurich-, un mes después firmaba un contrato con la Ópera de Viena iniciando una relación que duraría veinticinco años, allí interpretó Gilda (Rigoletto) y Nedda, Mimì, Frau Fluth (Die Lustigen Weiber von Windsor), pero poco a poco fue especializándose cada vez más en el repertorio straussiano.

En 1949 la escucharon por primera vez en La Scala interpretando Sophie (El caballero de la rosa) y también Marcelline (Fidelio). Victor de Sabata pretendía que firmara un contrato con el teatro italiano pero Della Casa prefirió seguir en Viena. Cantó también la Condesa de Capriccio, por solicitud de Böhm, en el Festival de Salzburgo de 1950.

En 1950 debutó el rol de Arabella en Zurich.

En 1951 llegaría su debut ten el Festival de Glyndebourne como Condesa Almaviva. Ese mismo año, en Munich, cantaba su papel emblemático, Arabella. Visitó el Festival de Bayreuth interpretando Eva (Los Maestros Cantores) bajo la dirección de Kna.

En 1953 en el Festival de Salzburgo, por petición de Clemens Kraus, aunque en un primer momento lo rechazó por considerar que todavía podía mejorar su Sophie, cantó por primera vez Oktavian; ese año también visitó la ROH con la compañía de la ópera de Munich y su papel emblemático, Arabella - con Arabella se despediría también del Covent Garden 15 años después-. Tanbién es 1953 el año de su debut en el Met cantando la Condesa de Las bodas de Figaro.

En Salzburgo cantó en 1954 Ariadne (Ariadne auf Naxos) y Donna Elvira (Don Giovanni) en 1954 y 1956.

En 1955 debutaba por primera vez el papel de la Mariscala (El caballero de la rosa) -completaba el trío ya que anteriormente había cantado Octavian y Sophie- con ocasión de la reapertura de la restaurada Ópera de Viena.

En 1957, otra vez en Salzburgo, además de ofrecer un recital, interpretó Chrysotemis (Elektra) y la Condesa Almaviva (Las bodas de Figaro). En 1958 Arabella y en 1959 Pamina (Die Zauberflöte). El 26 de julio de 1960 inauguraba el Salzburg Festspielhaus cantando la Mariscala con Sena Jurinac (Octavian) y Hilde Gueden (Sophie), dirigía Karajan.

En 1961 interpretaba el rol de Salome en Munich. A partir de entonces comenzó a variar su repertorio afrontando roles más anchos como el de Desdemona (Otello) y Tosca. Algo no saldría bien porque terminó volviendo a afrontar papeles más líricos.

En 1964, cuando se produjo el tardío debut de Elisabeth Schwarzkopf en el Metropolitan de N.Y. como la Mariscala, interpretó a Octavian. A partir de entonces comenzó su declive vocal, prodigándose poco.

En 1974, tras cantar Arabella en Salzburgo, anunció su retirada definitiva de los escenarios.

Muchos son los que culpan, no sé si justa o injustamente, a Elisabeth Schwarzkopf y su marido, Walter Legge, de la escasa carrera discográfica de la soprano suiza. De lo que no cabe la menor duda es que ambas sopranos coincidieron en gran parte del repertorio que interpetaban -Mozart y R. Strauss-, eran intérpretes muy similares y, a su vez, muy distintas, predominando en Della Casa la belleza y homogeneidad -en la zona media y aguda, no en la grave- de un timbre lírico que se suele definir como argénteo y cremoso, mientras que Elisabeth Schwarzkopf suplía su ocasionalmente velado y no muy homogéneo timbre con una técnica vocal de primer orden. A juzgar por lo que dicen los que tuvieron la inmensa suerte de escucharla en directo, el tamaño de la voz de Della Casa era mucho más grande de la imagen que nos hacemos al escuchar sus grabaciones comerciales. Según Alan Blyth con "un timbre sonoro al que se unía un fraseo perfecto y una articulación del texto clara, jamás exagerada, encarnaba la intérprete ideal de Strauss".

Ya hemos dicho que no realizó muchas grabaciones comerciales, contratada por Decca interpretó para el disco la Condesa Almaviva (Le nozze di Figaro) con Erich Kleiber, Arabella con Georg Solti, los Cuatro últimos lieder de R. Strauss con Karl Böhm (1953). En todas ellas dejó interpretaciones referenciales. Para una discografía completa de la cantantes podéis visitar el siguiente ENLACE.

Adiós al creador de uno de los iconos operísticos del siglo XX

El arquitecto danés Jorn Utzon (9 de abril de 1918-29 de noviembre de 2008), creador de la Ópera de Sydney, murió ayer a los 90 años a consecuencia de un fallo cardíaco. En 1957 ganó el concurso internacional para construir la Ópera de Sydney. Con un presupuesto disparado y continuos retrasos en su construcción, Utzon, enfrentado con las autoridades locales, abandonó Sydney en 1966, jurando que nunca regresaría, viendo cómo la construcción del interior de su obra maestra era encargada a otros arquitectos sin respetar sus planes originales. La obra fue inaugurada en 1973. A pesar de esto, según El País, décadas después regresó a la ciudad para una reforma que incluía mejoras en la acústica y cambios en el interior. En 1967 constuyó una casa en Mallorca para las temporadas de descanso, fijó allí su residencia a partir de 1983. Como curiosidad decir que Utzon declaró en su día que la inspiración para realizar el exterior del edificio había sido el simple hecho de pelar una naranja.

Vamos rendirle un pequeño homenaje de la mano de la soprano Joan Sutherland, nacida en Sidney el 7 de noviembre de 1926, otro de los grandes frutos ofrecidos por la ciudad al mundo de la ópera, que además tuvo una relación muy estrecha con el complejo operístico de su ciudad.

Joan Sutherland. "Ò beau pays de la Touraine!" (Les Huguenots, Meyerbeer)

El nombramiento de Mortier no ha sentado muy bien a algunos cantantes

Según www.abc.es

Plácido Domingo:

«Mortier es un hombre de teatro de siempre. Le conocí en Hamburgo, después en París, después en Salzburgo y nuevamente en París... es un gran hombre de teatro y tiene ideas brillantes, pero para tener éxito en Madrid tendrá que cambiar muchas de sus ideas en algún momento... el Teatro Real ha tenido hasta ahora una vida muy feliz. Y yo he colaborado con los dos últimos directores. La verdad es que el teatro esta en un momento muy bueno... un director de teatro debe pensar en el público, en la prensa, y sólo después en sí mismo. Tú no puedes declarar que no te gusta Puccini y no hacer Puccini. El público de Madrid no lo toleraría».

Marcelo Álvarez:

«Tras el cambio en la dirección artística, yo me voy a otro teatro». Álvarez tenía dos proyectos en cartera con el actual equipo artístico, liderado por Antonio Moral: «Andrea Chenier», en 2010, y «Manon Lescaut», en 2012. «Ese periodo (2012) se lo he cedido ya a otro teatro... No estoy a favor ni en contra... él tiene una manera de trabajar que no va con la mía. Además, el repertorio del programa no tiene nada que ver conmigo... las propuestas del director belga pueden ser muy revolucionarias para un público tradicionalista como el de Madrid. .. el periodo de López Cobos y Moral ha estado muy bien organizado. Ellos me vinieron a buscar para cantar allí... tengo una forma de interpretar pasional, a la italiana, y que me gusta hacerlo con comodidad.. no iré al Real porque tengo miedo de encontrarme con cosas que no sé si voy a poder hacer a nivel de regía ... Me da pena que cambie el Real en un momento de gloria para los cantantes, por otro tipo de estructura. No lo entiendo.».

La ENO recuerda a Vaughan Williams en el cincuentenario de su muerte

La English National Opera ha querido conmemorar el cincuentenario de la muerte del compositor británico Ralph Vaughan Williams (1872-1958) con su ópera 'Riders to the Sea', una meditación sobre el mar y la muerte basada en la obra de teatro homónima del famoso dramaturgo irlandés J.M. Synge. A ver si podemos hacernos con una copia del evento.
La muerte, el pasado lunes, de Richard Hickox, que debería haberse encargado de la dirección musical, convirtió la velada del estreno de esta nueva producción en un doble homenaje.

Más información AQUÍ.

Os dejo a Bryn Terfel interpretando una de las canciones sobre las Islas Británicas de Vaughan Williams, "Loch Lomond", en los pasados Proms:



Y a Karita Matila cantando Luonnotar, una pieza de Sibelius que abre la ópera de Vaughan Williams:



Copio un fragmento que he encontrado en una página que habla de las leyendas de Finlandia:

Luonnotar, virgen e hija del aire, se lanzó al mar y allí quedó henchida por el viento durante siete siglos y nadando sin cesar por todos los mares, hasta que pidió a Ukko. dios supremo, que la ayudase a parir tras aquel interminable embarazo del aire. Un pájaro, una magnífica águila del cielo, vino a posarse sobre sus piernas y en ellas puso su nido y seis huevos de oro y otro más de hierro, empollándolos durante tres días, hasta que Luonnotar sintió el calor abrasador de los siete huevos y vendió sus piernas en el agua, para refrescarlas; entonces los huevos cayeron al mar y de ellos brotó la Tierra, con su cielo, su Luna y su Sol, pero la virgen seguiría en el agua, durante otros diez años más, hasta que Luonnotar decidió crear vida en esa Tierra y dar forma a los continentes y a las islas; pero todavía esperó otros treinta años más, hasta que por fin parió al ya viejo y gigantesco Väinaämöinen, quien cayó al mar y en él siguió, como su madre, nadando, hasta que después de ocho años, tocó la tierra firme y pudo contemplar ensimismado aquella primera isla, aquel mundo maravilloso que su madre había creado y que ahora le rodeaba con todo su esplendor. Solo estaba Väinämöinen, hasta que el dios Sampsa vino a enseñarle como cultivar el suelo con sus semillas, aunque a Väinämöinen no le pareció demasiado perfecto lo que creció en su isla. Así que cuatro vírgenes salidas del mar cortaron la hierba y quemáronla hasta que de la verde vegetación sólo quedó ceniza. Y una encina comenzó a crecer, imbatible, apoderándose de la tierra y del aire. Así que Väinämöinen pidió a su madre que le ayudara a tumbar aquel árbol, y apareció un diminuto ser que luego creció y creció también, como la encina. Con una hoja de hierba formó un hacha y con ella derribó de tres golpes la encina. Había probado cual era la fuerza y el poder de la magia; había dejado también espacio para que la vegetación recibiera la luz del sol y todas las plantas medrasen.Väinämöinen se hizo él mismo un hacha y tumbó todos los árboles que habían crecido, todos menos el abedul, sobre el cual se posaron los pájaros del cielo.

A propósito de Iphigénie en Tauride: Élégie de Massenet

Massenet - Élégie
Texto de Louis Gallet (1835-1898)


Ô, doux printemps d'autre fois, vertes saisons,
Vous avez fui pour toujours!
Je ne vois plus le ciel bleu;
Je n'entends plus les chants joyeux des oiseaux!
En emportant mon bonheur, mon bonheur...
Ô bien-amé, tu t'en es allé!
Et c'est en vain que revient le printemps! [le printemps revient!]
Oui, sans retour,
avec toi, le gai soleil,
Les jours riants sont partis!
Comme en mon coeur tout est sombre et glacé!
Tout est flétri
pour toujours!

¡Oh, dulces primaveras de otros tiempos, verdes estaciones, habéis huido para siempre! Ya no veo el cielo azul, ya no escucho el canto alegre de los pájaros. ¡Arrebatándome la dicha, amada mía, te has marchado! Y ya es en vano que regrese la primavera. Sí, sin retorno, contigo, el alegre sol, los risueños días han partido. ¡Qué sombrío y helado está todo mi corazón! ¡Todo se ha marchitado para siempre!

La relación entre Iphigénie en Tauride y Élégie de Massenet está tomada un poco por los pelos, pero la tienen. Jules Massenet (1842-1912) compuso Élégie en 1886 para un ciclo de piano titulado Pièces de Genre, Op. 10 Nº 5. En 1872, incorporó la pieza a un conjunto de música instrumental para la tragedia Les Erinnyes (Las Erinias) escrita por Leconte de Lisle (1818-1894), esta obra teatral trata del asesinato de Agamenon por su esposa y la posterior venganza de Orestes, su hijo, hasta que éste es finalmente perseguido por las Erinias. La melodía, confiada al violonchelo, se convirtió en una pieza de concierto titulada Mélodie-Élegie, a su vez sufrió adaptaciones para otros instrumentos -incluso para guitarra por el catalán Jaime Bosch en 1891- y conjuntos instrumentales. También se adaptó para voz con el texto "O doux printemps d'autrefois" de Louis Gallet (1835-1898) y por eso está hoy aquí.

Vamos a escuchar varias versiones: Feodor Chaliapin, cantando en ruso; Marian Anderson acompañada de viola y piano, la canta en inglés así que lo dejamos en una anécdota; Alfredo Kraus, acompañado exclusivamente del piano en la última etapa de su carrera, parece que no consigue dar con el carácter nostálgico de la pieza; Richard Tauber, un genio que la lleva a su terreno, cualquiera diría que es una melodía de opereta; Rosa Ponselle, sin palabras; Raina Kabaivanska, muy sentida pero con excesivo vibrato; Mariola Cantarero, que demuestra que se requiere algo más que una bonita voz si no se quiere destrozar la canción; Giuseppe Di Stefano, acompañado por piano y violín en 1944 uniendo un estado vocal prodigioso y la expresividad marca de la casa, imbatible; el barítono francés Martial Singher, con piano y violonchelo, si no es mi preferida poco le falta; y también podéis escuchar una versión para orquesta y violín.

Luisa Miller - Palau de Les Arts

Hoy terminan las funciones de Luisa Miller en Les Arts, así que la sección fija que había abierta en el blog desaparece para pasar a ser una entrada más en el mismo.

VERDI - LUISA MILLER
Producción del Teatro Massimo de Palermo.
Dirección de escena: Lamberto Puggelli.

Orlin Anastassov (Walter), Marcelo Álvarez (Rodolfo), Andrezej Dobber/George Gagnidze (Miller), Alexia Voulgaridou (Luisa), Mª José Montiel (Federica), R. Siwek (Wurm), F. Pedaci (Laura).


Cr. de la Generalitat Valenciana, O. de la Comunitat Valenciana

Lorin Maazel (10, 13, 20, 27 de noviembre)
Kynan Johns (20, 23 de noviembre)



Todas las entradas sobre Luisa Miller en El blog de maac:

- Descarga de "INTRIGA Y AMOR" (Kabale und Liebe, 1784) de Schiller, obra en la que se basa el libreto de Luisa Miller.

- LIBRETO BILINGÜE en Kareol

- DESCARGA LA PARTITURA

Una guía de audición al estilo de maac:

ACTO 1:
- Esc. 1ª
- Esc. 2ª
- Esc. 3ª - Final

ACTO 2:
- Esc. 1ª
- Esc. 2ª
- Esc. 3ª - Final

ACTO 3 - Única Esc.

- Génesis y difusión de Luisa Miller

- Crónica de la Agencia EFE

- Reseña en Las Provincias

- Fotografías de la producción

Barenboim debutará mañana en el Met

Daniel Barenboim, a los 66 años, debutará mañana en el Met. La obra elegida para la ocasión, que coincide con la celebración del 125 aniversario del Met, no es otra que "Tristán e Isolda".

Contará con la participación de Katarina Dalayman (Isolda), Peter Seiffert (Tristan), Michelle DeYoung (Brangäne), René Pape (Marke) y Gerd Grochowski (Kurwenal), la puesta en escena es la realizada en 1999 por el aleman Dieter Dorn.

En total realizará seis representaciones hasta el 20 de diciembre. También ofrecerá un recital de obras para piano de Liszt en el mismo teatro.



El Preludio de Tristan e Isolda en las célebres representaciones en La Scala hace aproximadamente un año:

Una maac-chorrada

No sé si alguna vez se os ha pasado por la cabeza pensar en cómo hubieran sido los bestsellers musicales de siglos pasados, por ejemplo de finales del siglo XVI, suponiendo que entonces hubiera podido venderse la música enlatada. Es un pasatiempo inútil, sobre todo porque la mayoría de la música de la época no ha trascendido por la falta de anotación. El juego consiste en imaginar, con lo que hoy conocemos de la época, qué canciones hubieran ocupado los primeros puestos en las listas de ventas, si éstas hubieran existido. Una de mis favoritas para el ranking -aunque tampoco conozco muchas- la oiréis en un momento, se trata de "Pues que no puedo olvidarte" de Ginés de Morata. Hubiera sido una firme candidata para ganar el Festival de Eurovisión de su año:

Pues que no puedo olvidarte
¡Tómete el diablo,
llévete el diablo,
el diablo que haya en ti parte!

Elvira, pese al malgrado,
quiéreme, siquiera un día
que, ¡boto a diez! vida mía,
que bibo desesperado.
Si en pago de mi cuydado
en ti crece el descuydarte,
¡tómete el diablo,
llévete el diablo,
el diablo que haya en ti parte!

Je n'ouvrirai plus les mains cette nuit!

Tengo el tiempo justo para una pequeña entrada. Un fragmento de Pélleas et Mélisande: "Voici ce qu'il écrit". En él Geneviève lee a Arkel la carta que Pélleas ha recibido de su hermano Golaud. Aquél tendrá que elegir entre el amigo moribundo y el hermano.

Hoy toca fritura, la escuchamos por la mezzosoprano francesa Germaine Cernay (1900-1943). Realizó la mayor parte de su corta carrera en Francia, sobre todo en la Opéra-Comique (Salle Favart). Espero que su interpretación os guste.

Voici ce qu'il écrit
à son frère Pelléas:

(Modéré)

«Un soir, je l'ai trouvée
tout en pleurs
au bord d'une fontaine,
dans la forêt où je m'étais perdu.
Je ne sais ni son âge,
ni qui elle est,
ni d'où elle vient
et je n'ose pas l'interroger,
car elle doit avoir eu
une grande épouvante,
et quand on lui demande
ce qui lui est arrivée,
elle pleure tout à coup
comme un enfant,
et sanglote

(D'une voix étouffée)

si profondément qu'on a peur.
Il y a maintenant six mois
que je l'ai épousée
et je n'en sais pas
plus que le jour
de notre rencontre.
En attendant, mon cher
Pelléas,
toi que j'aime plus
qu'un frère,
bien que nous ne soyons
pas nés de même père,
en attendant,
prépare mon retour...

(Avec une émotion contenue)

Je sais que ma mère
me pardonnera volontiers.
Mais j'ai peur d'Arkel,
malgré toute sa bonté.
S'il consent néanmoins
à l'accueillir,
comme il accueillerait
sa propre fille,
le troisième jour qui
suivra cette lettre,
allume une lampe
au sommet de la tour
qui regarde la mer.
Je l'apercevrai du pont
de notre navire;
sinon, j'irai plus loin
et ne reviendrai plus...»
Qu'en dites-vous?

Germain Cernait - Voici ce qu'il écrit.mp3

Esto es lo que le escribió a su hermano Pelléas: (Con moderación) «Una tarde la encontré, bañada en lágrimas, al borde de una fuente, en el bosque en el que yo me había perdido. No sé su edad ni quién es, ni de dónde viene, y no me atrevo a interrogarla, porque debe haber pasado mucho miedo, y cuando se le pregunta qué le ha sucedido, repentinamente comienza a llorar como un niño, y balbucea entre sollozos (Con voz contenida) con una voz tan ahogada que da miedo. Ahora ya hace seis meses que nos casamos, y no sé más de ella que el día de nuestro primer encuentro. Mientras tanto, querido Pelléas, a quien amo más que a un hermano, aunque no hayamos nacido del mismo padre, mientras tanto, prepara mi regreso... (Con una emoción contenida) Sé que mi madre me perdonará de buen grado. Pero tengo miedo de Arkel, a pesar de toda su bondad. Sin embargo, si él acepta recibirla, como recibiría a su propia hija, el tercer día después de haber recibido esta carta enciende una lámpara en lo alto de la torre que mira hacia el mar. Yo la divisaré desde el puente de nuestro barco; si no, me iré lejos y no regresaré más...» ¿Qué dices a esto?

Alberto Zedda al Palau de les Arts

No como director musical, sino para la gestión de la Academia de Alto Perfeccionamiento del Palau de les Arts, cuya entrada en funcionamiento está prevista para el próximo mes de enero; junto a Alberto Zedda, estarán Emilio Sagi y Ana Luisa Chova.

Más información en www.abc.es

Como audición propongo "Pappataci" un terceto de L'Italiana in Algeri, me viene muy bien porque así Assai y Golaud escucharán a Lawrence Brownlee, tenor del que les hablaba el otro día, acompañan a Brownlee (Lindoro) Lorenzo Regazzo (Mustafà) y Bruno de Simone (Taddeo), evidentemente dirige Alberto Zedda.

Y centrándome exclusivamente en Lawrence Brownlee, lo escuchamos en "Credeasi misera" de I Puritani, para que algun@ se vaya preparando:



Hace tiempo le dediqué una entrada en el blog, está AQUÍ

Apollo e Dafne (La terra e liberata). Cantata a due con stromenti.

A Dafne los brazos ya le crecían
y en luengos ramos vueltos se mostraban;
en verdes hojas vi que se tornaban
los cabellos que el ojo oscurecían;
de áspera corteza se cubrían
los tiernos miembros aún bullendo estaban;
los blancos pies en tierra se hincaban
y en torcidas raíces se volvían
Aquél que fue la causa de tal daño,
a fuerza de llorar, crecer hacía
este árbol, que con lagrimas regaba.
¡Oh miserable estado, oh mal tamaño,
que con llorarla crezca cada día
la causa y la razón por que lloraba!

(Garcilaso de la Vega. Soneto XIII.)

Apolo y Dafne es un grupo escultórico, de dos metros y cuarenta y tres centímetros, realizado en mármol del napolitano Gian Lorenzo Bernini que se encuentra en la Galleria Borghese de Roma y cuyo tema está sacado del poema épico Las Metamorfosis de Ovidio.
En una de las narraciones de Las Metamorfosis el poeta nos cuenta que Apolo había alardeado de saber utilizar como nadie el arco y las flechas, evidentemente esta presunción no había sentado muy bien a Cupido, así que lo castiga haciendo que aquél se enamore de la ninfa Dafne y que ésta rehuya todo contacto amoroso, consagrando su vida al servicio de Diana y la caza. Ante el irrefrenable acoso de Apolo la ninfa pide ayuda a su padre, Peneo, dios de los ríos, quien para evitar su unión convierte a Dafne en un árbol, concretamente un laurel, que a partir de entonces pasa a convertirse en el árbol sagrado de Apolo. El grupo de Bernini representa la transformación de la ninfa en la planta, vemos como sus manos se van transformando en hojas, su cabello en tronco y sus pies en raices, ella está aterrorizada, no sabemos si por la misma mutación o porque Apolo le ha puesto la mano en la cintura y teme ser poseída -huida de Apolo y metaforfosis se dan la mano-; por el contrario, el dios parece impasible o, como mucho, sorprendido o desilusionado. Bernini capta muy bien el movimiento en ese momento de la transformación de la ninfa en laurel, todo es dinamismo. Por la época en que se realizó se le puede dar una lectura de moral católica -la resistencia al placer, el castigo del deseo, el triunfo de la castidad- que es lo que menos me gusta, es lo mismo que me pasa con Parsifal, y es que la temática de la historia de Daphne es muy wagneriano, en ella se basó también Richard Strauss para componer su ópera Daphne, aunque con una lectura que para mí es más pagana, cualquier día visitará el blog.

Probablemente, cuando Haendel, entre 1709 y 1710, visitó Nápoles, la ciudad natal de Bernini, compuso una cantata sobre el mismo tema que el grupo del escultor napolitano -así lo dice Hans-Christian Schmidt en el librito que acompaña la grabación de Harnoncourt para Teldec; sin embargo, los hay que dicen que su composición se inició en Venecia y finalizó en Hannover-: Apollo e Dafne, HWV 122 (La terra è liberata). Cantata a due con stromenti. Mucha de la música de la misma fue reutilizada por Haendel con posterioridad.

La cantata fue escrita para las voces de soprano y bajo, y constaba de ocho arias (5 para Apolo y 3 para Dafne) y dos dúos más una obertura que se ha perdido. Su duración aproximada es de cuarenta minutos.

Escuchamos el aria de Dafne "Felicissima quest'alma" con su solo de oboe y las cuerdas en pizzicato, en la voz de Roberta Alexander, está acompañada por Nikolaus Harnoncourt y su Concentus musicus Wien:

Felicissima quest'alma
Ch'ama sol la libertà.
Non v'è pace, non v'è calma
Per chi sciolto il cor non ha.

Feliz este alma que sólo ama la libertad.
No hay paz ni calma para quien no tiene el corazón liberado.

Así lo relata Ovidio en Las Metamorfosis: "(...) Ella, perdidas las fuerzas, palidece y, vencida por la fatiga de tan vertiginosa fuga, contemplando las aguas del Peneo, dijo: "Auxíliame, padre mío, si los ríos tenéis poder divino; transfórmame y haz que yo pierda la figura por la que he agradado excesivamente". Apenas terminada la súplica, una pesada torpeza se apodera de sus miembros, sus delicados senos se ciñen con una tierna corteza, sus cabellos se alargan y se transforman en follaje y sus brazos en ramas; los pies, antes tan rápidos, se adhieren al suelo con raíces hondas y su rostro es rematado por la copa; solamente permanece en ella el brillo. Apolo también así la ama y apoyada su diestra en el tronco, todavía siente que su corazón palpita bajo la corteza nueva y, estrechando con sus manos las ramas que reemplazan a sus miembros, da besos a la madera; sin embargo, la madera rehúsa sus besos. Y el dios le dijo: "Ya que no puedes ser mi esposa, serás en verdad mi árbol; siempre mi cabellera, mis cítaras y mi carcaj se adornarán contigo. ¡Oh, laurel!, tú acompañarás a los capitanes del Lacio cuando los alegres cantos celebren el triunfo y el Capitolio vea los largos cortejos. Como fidelísima guardiana, tú misma te encontrás ante las puertas del Augusto y protegerás la corona de encina situada en el centro; así como mi cabeza, cuyos cabellos jamás han sido cortados, permanece joven, dela misma manera la tuya conservará siempre su follaje inalterable". Peán había acabado de hablar; el laurel se inclinó con sus ramas nuevas y pareció que inclinaba la copa como una cabeza".

Y por fin vi Luisa Miller

Hoy ha sido un día redondo, me he reencontrado con Golaud, al que conocí brevemente hace unos seis años en una Sonnambula que ofrecía el Taller de Ópera de Valencia y he estado con los demás amigos habituales en mis visitas al Palau de les Arts. Como siempre, me ha sabido a poco ya que la mayor parte del tiempo, como por otra parte es natural, la paso en la representación. No tenía muchas esperanzas puestas en Luisa Miller, ni escénicas ni vocales, musicalmente suponía que el coro y, sobre todo, la orquesta iba a sonar tan bien como nos tiene acostumbrados, respecto a ésta hagamos una excepción para el concierto de Flórez. Pero vayamos por partes.

Entre los cantantes había dos grupos: El primero estaba integrado por Marcelo Álvarez y María José Montiel y el segundo por todos los demás. Debo decir que Álvarez me ha sorprendido gratamente, sabía que era una gran tenor, lo que no sabía es que tiene una voz mucho más hermosa en vivo que en lata, lo cual ya es bastante. Ante su exuberancia tímbrica y sus detalles en el fraseo cualquier otro defecto que se le quiera encontrar parecería una nimiedad. No comprendo cómo es que este tenor, con los años que lleva cantando bien, no le han hecho más caso las discográficas, será que no sale bien en las fotos o no es tan simpático como otros.

Aunque el papel de la duquesa no está muy desarrollado María José Montiel no ha pasado desapercibida y ha aprovechado las pocas ocasiones que ha tenido para lucirse y el público la ha recompensado con una gran ovación al final.

Orlin Anastassov ha estado en la misma línea que en su Felipe II del año pasado, es un intérprete correcto de timbre típicamente eslavo, no muy grato, parecido al de Leiferkus pero en bajo.

George Ganidze, de timbre más mediterráneo, ha hecho una interpretación bastante rutinaria de Miller, ha pasado por el personaje como elefante por cacharrería, lo cual es una pena porque el de Miller es un papel muy agradecido para el barítono ya que en sus intervenciones están algunos de los mejores momentos de la ópera.

El coro ha estado bien pero este año viene rindiendo a un nivel inferior del que nos tenía acostumbrados, no suena tan empastado y ha habido momentos en los que ha estado gritón, en la línea impuesta por la batuta, como veremos. Hubiera agradecido un poquito menos de potencia y algo más de clase.

La orquesta, como todo el mundo ya sabe y reconoce dentro y fuera de Valencia, suena estupendamente; sin embargo, Kynan Johns ha abusado del volumen y eso no beneficia a los cantantes, tampoco a algunos aficionados de oídos sensibles, los tímpanos se han resentido.

La puesta en escena de Lamberto Puggelli es muy clásica, un gran panel con proyecciones de cuadros de Rembrandt y Vermeer sobre el que se van abriendo ventanitas que muestran el interior de las habitaciones de la casa de Miller o del palacio del conde Walter, los interiores imitan tridimensionalmente cuadros de los pintores citados; unos mimos intervienen, a modo de dobles, a la vez que los cantantes. Que esté ambientada en Holanda en vez de en el Tirol es algo que da lo mismo, lo que no me ha gustado es el hecho de que, a pesar de que se haya intentado, ubicando a Walter en una especie de salón gótico, no se distinga muy bien la procedencia social de los personajes. Es posible que por la ropa se pueda distinguir pero eso es algo que para el espectador medio actual es imposible. Al principio me pareció muy aburrida y estática pero a lo largo de la representación ha dado mucho juego. Quizás todo ha sido fruto de la propia evolución de la ópera, con un tercer acto muy superior a los dos anteriores. Comentaba en broma al salir que no me hubiera importado que en vez de ofrecer los tres actos hubieran ofrecido el tercero repetido tres veces.

Conclusión: Que me lo he pasado muy bien en Luisa Miller gracias a Verdi y a Marcelo Álvarez. Y ahora me voy a dormir, que es muy tarde. Lo que no sé es cómo he sido capaz de escribir esta entrada, no pensaba hacerlo, de verdad. Me he puesto a escribir y rápidamente ha salido lo que habéis leído. Y con este pareado y un bizcocho, hasta mañana a las ocho.

El aria que nunca cantó Luisa Miller.

En Wikipedia podemos leer que "Tamerlán (del persa Timür-i lang), Tamorlán, Timur Lang, Timur Lenk o simplemente Timur el Cojo (más correctamente, Temür, su nombre turco de acuerdo con la grafía moderna) fue un conquistador, líder militar y político turco-mongol, el último de los grandes conquistadores nómadas del Asia Central. Se le da por nacido en Kesh, Transoxiana, Asia Central, el 10 de abril de 1336 (25 Ša'bān, 736) aunque fecha y lugar son casi con certeza inventados y su nacimiento debería ubicarse entre finales de la década de 1320 y comienzos de la de 1330. Muerto en Otrar, en camino a conquistar China, el atardecer del 17 de febrero de 1405 (17 Ša'bān, 807).

Este noble musulmán de origen turco conquistó enormes extensiones de Eurasia en poco más de dos décadas. Entre 1382 y 1405 sus grandes ejércitos atravesaron desde Delhi a Moscú, desde la cordillera T'ian Shan del Asia Central hasta los Montes Tauros de Anatolia, conquistando y reconquistando, arrasando algunas ciudades y perdonando a otras. Su fama se extendió por Europa, donde durante siglos fue una figura novelesca y de terror, mientras que para aquellos involucrados más directamente en su trayectoria su memoria, siete siglos después, permanece aún fresca, ya sea como destructor de ciudades del Medio Oriente o como el último gran representante del poder nómada".

Bajazet es un "pasticcio" de Antonio Vivaldi sobre un libreto de Agostino Piovene (sobre este mismo libreto había escrito Nicola Francesco Haym el de la ópera Tamerlano de Haendel). Se estrenó en Verona en los carnavales de 1735. El aria "Sposa son disprezzata" fue tomada de "Sposa non mi conosci"de la ópera Merope, compuesta por Geminiano Giacomelli en 1734. El lamento lo canta Irene, princesa de Trebisonda, la inicialmente prometida de Tamerlano, al comprobar que éste está a punto de casarse con Asteria, la hija del sultán Bajazet, que a su vez es la prometida del príncipe Andrónico, aliado de Tamerlano.

"Sposa son disprezzata" la hizo popular Alessandro Parisotti a finales del siglo XIX al incluirla en una colección de canciones; algunas de estas canciones han sido después utilizadas tanto en recitales, para calentar la voz, como con finalidades pedagógicas, la colección bue bautizada con el nombre de Arie antiche: ad una voce per canto e pianoforte(1890). Estas canciones se caracterizan, en palabras de Parissoti por "su pureza y simplicidad formal, una gran emoción y un sabor de suavísima serenidad que las recorre de principio a fin."

Luisa Miller no canta este aria en la ópera homónima pero no cabe duda de que, por su significado, si Verdi hubiera querido, habría podido introducirla, no en la versión de Parisotti -creo que aún no existía en 1849, año del estreno en Nápoles de Luisa Miller, y si existía no estaba publicada- sino en la de Giacomelli-Vivaldi.

Vivaldi. Bajazet
Aria de Irene: "Sposa son disprezzata"

Sposa son disprezzata,
fida, son oltraggiata,
cieli, che feci mai?
E pur egl'è il mio cor,
il mio sposo, il mio amor,
la mia speranza.

L'amo ma egl'è infedel
spero ma egl'è crudel,
morir mi lascierai?
O Dio, manca il valor,
e la costanza.

Ewa Podles y sus sonidos entubados:



Cecilia Bartoli, emoción, absoluto control de fiato y virtuosismo:



Montserrat Caballé, belleza vocal, fiato y pianísimos:



Una madura Leyla Gencer en 1985, llena de claroscuros, la que tuvo retuvo:



Sumi Jo, una versión de ligera que en absoluto desmerece la pieza:



Vivica Genaux, con orquesta en la grabación integral de la ópera realizada por Fabio Biondi para Virgin:

Oda para el día de Santa Cecilia

Santa Cecilia, una mártir cristiana del siglo III de cuya existencia real se duda puesto que no tenemos noticias suyas hasta por lo menos un siglo después, fue nombrada patrona de la música por el Papa Gregorio XIII en 1594. Su festividad se celebra el día 22 de noviembre, fecha en la que se supone falleció tras sufrir un prolongado martirio.

La Oda para el Día de Santa Cecilia (Ode for St. Cecilia's Day), compuesta en sólo 9 días por Haendel para las celebraciones del día de Santa Cecilia de 1739, está basada en un poema de John Dryden.

Escuchamos la bellísima aria para soprano (Felicity Lott) "But oh! what art can teach" con acompañamiento de órgano y orquesta; y el final de la Oda, "As from the pow'r of sacred lays", con las intervenciones de la soprano secundada por el coro y orquesta al completo, y la orgía sonora que se desarrolla tras la aparición de la trompeta con un final fugado. La interpretación corre a cargo de Trevor Pinnock y The English Concert:

But oh! what art can teach, what human voice can reach the sacred Organ's praise!

Notes inspiring holy love, notes that wing their heav'nly ways to join the choirs above.

Pero, ¡oh! ¿qué arte puede enseñar, qué voz humana puede alcanzar la perfección del órgano sagrado?

Notas que inspiran amor santo, notas que toman su rumbo celestial para unirse a los coros divinos

As from the pow'r of sacred lays the spheres began to move; and sung the great Creator's praise to all the bless'd above:

So when the last and dreadful hour, this crumbling pageant shall devour; the Trumpet shall be heard an high, the dead shall live, the living die, and Music shall uptune the sky.

Como por el poder de los cantos sagrados, las esferas comenzaron a moverse; y fueron cantadas alabanzas al Creador por todos los bienaventurados del cielo:

Entonces, cuando la última y terrible hora, devore los decadentes fastos, desde lo alto se oirá la trompeta, los muertos vivirán, los vivos morirán y la Música destemplará el firmamento.

Si queréis descargar la Oda completa podéis hacerlo AQUÍ.

Jeongwon Lee / Jeong Wog Lee será Calaf

El otro día con unos amigos estuve charlando sobre una de las alternativas a Marco Berti en la Turandot que se ofrecerá en el Palau de les Arts esta primavera, un tal Jeong Wong Lee, al menos bajo ese nombre aparece en la página de Les Arts. La primera duda que teníamos era fácil de solucionar, no se trata de Yonghoon Lee, que fue el Don Carlos del año pasado. Tiene que ser el coreano Jeongwon Lee -así es como aparece en Youtube-. La impresión que me ha dado es que tiene un timbre lírico-spinto broncíneo bastante atractivo a la par que extraño, muy mate, demasiado quizás; habrá que escucharlo en directo, técnicamente no me ha gustado nada, escuchad más abajo el Celeste Aida o el desastroso Brindisi de La Traviata, ahora... al igual que el Sigfried que escuchábamos el otro día, testosterona para dar y tomar. Os dejo unos vídeos:

"Non piangere Liu":



"Nessun dorma":



Tosca: "E lucevan le stelle"



Macbeth: "Oh figli miei.. Ah la paterna mano"



La traviata: Un horrible "Brindisi" con Andrea Rost.



Aida: "Celeste Aida"



"O sole mio"

À Chloris

Cuando ya tenía escrito casi el 99% de la entrada, viajando por Google, me he dado cuenta de que Joaquim ya había dedicado una entrada a este tema; sorprendido, no sabía si continuar o dejarlo para no ser reiterativo, he decidido continuar porque el trabajo ya estaba casi completamente terminado y porque esta es la entrada que me apetecía hacer hoy. Si queréis visitar la entrada en In Fernem Land podéis hacerlo pinchando aquí.

"'A Chloris", sobre un texto del s. XVI escrito por Théophile de Viau, fue compuesta en 1916, por el que fuera amante de Marcel Proust, Reynaldo Hahn (Caracas, 1874-París 1947), recuerda más que mucho al Bach del segundo movimiento de la Suite para Orchesta núm. 3, de hecho se considera que Hahn lo que está realmente haciendo es un homenaje a Bach, aunque todo el mundo habla del aria de la Suite Orquestal 3 para mí es inevitable pensar también en las Variaciones Goldberg. Sobre el piano se alza la voz de la cantante. El resultado es de enorme belleza. El pianista Graham Johnson ha considerado "A Chloris" como la cumbre del arte de Reynaldo Hahn como autor de pastiches ("pasticheur") y el máximo exponente de viaje en el tiempo dentro de la Mélodie francesa. La escuchamos cantada por Susan Graham.

Si es verdad, Chloris, que me amas,
Y he oído, que bien me quieres,
No creo que ni los propios reyes
Posean una felicidad semejante a la mía.
¡Que la muerte sería inoportuna
Si viniera a cambiar mi fortuna
Por la felicidad de los cielos!
Todo cuanto dicen de la ambrosía
no impresiona a mi fantasía
ante la recompensa de tu mirada.

S'il est vrai, Chloris, que tu m'aimes,
Mais j'entends, que tu m'aimes bien,
Je ne crois pas que les rois mêmes
Aient un bonheur pareil au mien.
Que la mort serait importune
De venir changer ma fortune
A la félicité des cieux!
Tout ce qu'on dit de l'ambroisie
Ne touche point ma fantaisie
Au prix des grâces de tes yeux.

Esta mélodie la podéis encontrar en el siguiente disco de Susan Graham y Roger Vignoles: La Belle Époque (The Songs of Reynaldo Hahn). 1998

Reynaldo Hahn fue, respecto a la música, de todo un poco: compositor, pianista, cantante, profesor de canto, director de orquesta y crítico musical (por ejemplo en Le Figaro). Nacido en una familia numerosa -once hermanos- y adinerada, su padre era tan aficionado a la ópera que construyó el Teatro de la Ópera de Caracas en 1853. Aunque había nacido en Caracas su familia marchó a París cuando el futuro compositor apenas tenía tres años, allí estudió en el Conservatorio de Música, uno de sus profesores fue Jules Massenet, que lo aceptó por sus dotes musicales y con carácter excepcional cuando Hahn tenía 12 años -según relató el mismo Hahn, sea o no cierto, a los cinco años ya tocaba el piano y a los ocho componía-.

No se esforzó mucho en sus estudios musicales; sin embargo, la posición social de su familia, su inteligencia, su afición a la lectura y el ambiente intelectual en el que desenvolvió permitieron que se desarrollara su personalidad artística. En realidad fue un autodidacta, sus estudios musicales no le habían permitido terminar el bachillerato, este hecho no le impidió dedicarse también a la escritura. Desde niño fue un gran cantante, se prodigó en los salones de París, en ellos era capaz tanto de acompañar a otros cantantes como de ofrecer recitales en los que a la vez tocaba el piano y cantaba, pero nunca estuvo interesado en desarrollar una carrera profesional.

Gluck - Iphigénie en Tauride - Acto 3

El tercer acto de Iphigénie en Tauride tiene lugar en las habitaciones de Ifigenia. Abierto el telón tenemos ante nuestros ojos a Ifigenia y el resto de sacerdotisas del templo de Diana-Artemisa. Me gusta la primera frase de Ifigenia porque es muy dinámica, no es un punto de partida sino de llegada, Ifigenia ha estado dialogando con sus paisanas, éstas le han debido sugerir que adopte una actitud activa, que avise a Electra: "Cedo a vuestros deseos: ¡Ilustremos a Electra, mi hermana, de las desgracias que nos oprimen!". Salvará a uno de los dos griegos condenados a muerte, y el elegido va ser aquél por el que siente una especial atracción, el que le recuerda, en los gestos y por sus rasgos, a su hermano Orestes. Seguidamente canta el aria "D'une image trop cherie", es dulcemente amarga en ella recuerda a su hermano Orestes creyendo que volverlo a ver es una quimera.

En la segunda escena las sacerdotisas traen ante Ifigenia a los dos prisioneros, ésta ordena que la dejen sola con ellos. Rápidamente pasamos a la tercera escena pues la segunda apenas tiene dos frases.



En la tercera escena encontramos el recitativo y trío "Ô joie inattendue!... Je porrais du tyran tromper la barbarie" (Ifigenia, Orestes y Pílades). Orestes y Pílades expresan la alegría que sienten al reencontrarse, pues ambos habían sido separados en el acto II. Ifigenia se conmueve a la vista de los griegos y se solidariza con ellos: "Et la Grèce est notre patrie!". Ella daría todo por salvarlos pero Toas (Toante) quiere sangre, como mucho podría salvar a uno de los dos, ambos quieren que se salve el otro, dice ser de Argos, como ellos, y propone salvar uno de ellos con la condición de que lleve allí un escrito. Ifigenia, como quien no quiere la cosa, señala a Orestes y le dice que él es el que partirá hacia Argos. Orestes se lamenta mientras que Ifigenia desaparece.

Cuarta escena. Recitativo y dúo "O moment trop hereux!... Et tu prétends encore que tu m'aimes" . Orestes y Pílades están solos. Ninguno de los dos quiere partir si eso supone que el otro debe morir. Aquél resulta más convincente puesto que sólo la muerte lo liberará de sus delitos y de la persecución de las Euménides, en ese preciso instante vuelven a aparecer ante Orestes en una visión y éste cae ante los brazos de Pílades. Parece que éste va claudicando, entona el aria "Ah! mon ami, j'implore ta pitié!", el último recurso para que Orestes acepte la elección de Ifigenia.

Quinta escena. Recitativo "Malgre toi, je saurai t'arracher au trépas!" (Orestes, Ifigenia y Pílades). En medio de la discusión entre los amigos aparece Ifigenia, ordena a las sacerdotisas del templo que se lleven a Pílades, pero Orestes no está de acuerdo, salta y dice que es él mismo el que debe morir. Ifigenia siente que su elección ha sido dictada por los dioses, un poder sobrenatural le impide condenar a Orestes. Éste manifiesta que si no se salva Pílades se inmolará ante los ojos de Ifigenia y a ésta no le queda más remedio que aceptar. Se supone que Orestes es conducido a otra estancia.

Sexta escena Recitativo "Puisque le ciel à vos jours s'intéresse". Ifigenia entrega el escrito a Pílades para que lo lleve a Grecia y lo entregue en las manos e Electra. Pílades siente curiosidad y pregunta a la sacerdotisa qué es lo que le une a aquélla, ésta se niega a dar explicaciones.

Séptima escena. Pílades queda solo y en el aria "Divinité des grandes âmes", un aria de bravura con un carácter casi guerrero, loa la amistad y manifiesta su intención de salvar a Orestes de la muerte.

Escuchamos desde la escena 3 a la 7 de un tirón:



DESCARGA AQUÍ LA ÓPERA COMPLETA: GLUCK - IPHIGÈNIE EN TAURIDE (ROH, Convent Garden, septiembre 2007)- Susan Graham (Iphigénie), Simon Keenlyside (Oreste), Paul Groves (Pylade), Clive Bayley (Thoas), Gail Pearson (Primera sacerdotisa, Una mujer griega), Claire Wild (segunda sacerdotisa), Cecile van der Sant (Diane), Jacques Imbrailo (Un escita), Krzystof Szumanski (Un ministro).
Coros de la Royal Opera House, Covent Garden, The Orchestra of The Age of Enlightenment - Director: IVOR BOLTON

Dos candidatos para sustituir a Maazel

Adiós, Jesús.

Leo en el periódico Levante-EMV que ya hay dos candidatos para sustituir a Lorin Maazel al frente de la Orquesta de la Comunitat Valenciana y que se desvanece casi definitivamente la opción López Cobos.

Se trata del finés Esa-Pekka Salonen (1958), que finaliza su contrato con la Filarmónica de Los Ángeles en 2009 y el italiano Riccardo Chailly (1953) que tiene contrato con la Gewandhausorchester Leipzig hasta 2015, no así con la Ópera de Leipzig, ya que renunció por problemas con la contratación del personal. Me parecen dos buenas opciones, sobre todo la segunda porque Salonen lo asocio más con lo puramente sinfónico que con lo operístico.

Recordemos que, según declaraciones de Helga Schmidt hace unos días, Chailly vendrá a dirigir un concierto sinfónico dedicado a Rossini durante la presente temporada. A la orquesta le vendrá muy bien porque el Rossini que nos ofrecieron ayer en el concierto de Juan Diego Flórez fue pésimo, sobre todo en la percusión y vientos , no sé si por la mala acústica de la sala sinfónica del Palau de les Arts, a la que pude comprobar que se han realizado algunos cambios o por la anodina dirección de Christopher Franklin, no ya en el acompañamiento a Flórez, -el tenor perunano estuvo muy reservón al principio de la primera parte, recurriremos al tópico: es que la voz aún no había calentado, y espectacular en la segunda-, sino en las mismas oberturas; la cuerda, por el contrario, sonó maravillosamente; el conjunto muy emborronado en los graves. Bueno.. que me voy por la ramas, os recomiendo la estupenda crónica del concierto de Flórez que ha hecho Titus en su blog. Si viene Chailly, tras darme un par de bofetadas para comprobar que no estoy soñando, tendré que ponerme las pilas con Rossini -¡qué remedio!- un compositor del que suelo estar distante, sobre todo el serio. Pero estoy convencido de que nada es eterno, pero es que, además, yo tengo mucha capacidad para el sacrificio.

Dicen que las comparaciones son odiosas así que mejor no hacerlas, también a veces son tan previsibles los resultados que no vale la pena perder el tiempo en ellas, para ilustrar la entrada escuchamos a Riccardo Chailly dirigiendo a Pavarotti en "O muto asil di pianto" de Guillermo Tell:



Sigue diciendo el periódico que parece ser que la causa por la que Maazel no renovó contrato con Les Arts es el $$$$$$$$ y que no se va a retirar paulatinamente centrándose en el Castleton Festival sino que firmará contrato con la Filarmónica de Qatar. Me parece que esta causa de abandono es algo que se nos había pasado por la cabeza a más de uno.

*****
Stéphane, Daniel, Gustavo, adiós.

Mientras tanto el Teatro Real de Madrid ha perdido uno de los candidatos al puesto de director artísico, Stephane Lissner ha anunciado su renovación con La Scala hasta el año 2013, lo que supone -según El País- que ni Harding ni Dudamel ocuparán el puesto que deja López Cobos. Se va estrechando el círculo en torno a Mortier.

Una ópera de Ricardo Llorca en las Naciones Unidas

Leo en el períodico que el compositor alicantino y profesor de la Juilliard School, Ricardo Llorca, presentó ayer -antes de ayer, porque esta entrada aparecerá en el blog el 19 de noviembre a las 00:01- en la sede de las Naciones Unidas (Dag Hammarskjold Theater) y en versión concierto, su ópera: "Las horas vacías", seguramente la podremos escuchar en Valencia el próximo verano pero no sé dónde ¿Palau de les Arts -lo dudo-, Sagunt a escena -mmm, pudiera ser-? A partir de esta información me pongo a investigar por la red.

Ricardo Llorca estudió en el Conservatorio de Madrid, al terminar su carrera siguió sus estudios en The Julliard School de Nueva York, actualmente compositor en residencia de la New York Opera Society. Huye de la adscripción a alguna escuela en concreto, he visto que definen su música como revisionismo histórico, él lo explica así en su página web: "Los compositores jóvenes nos hemos visto en la disyuntiva de, o continuar por el camino de la experimentación, o bien volver a los esquemas clásicos. Algunos compositores nos hemos encontrado incapaces de seguir adelante bajo los mismos auspicios estéticos que han dominado la música durante las últimas décadas. La mirada hacia atrás es quizás la única salida posible. Revisar el pasado y volver a trabajar sobre las estructuras y sobre los conceptos clásicos (horizontales y verticales) de la música, retomando el concepto de expresividad según los modelos tradicionales."

"Las horas vacías" trata sobre la soledad de una mujer adicta a internet -la problemática de las relaciones humanas en el mundo actual-, está inspirada en la música renacentista española y fue estrenada 7 de septiembre de 2007 en la catedral de Berlín. Se estructura en 13 números y un Libérame introductorio. Está escrita para una soprano solista, coro, orquesta de cuerdas y piano, también interviene una actriz que sustituye a la cantante en las partes habladas.

Por su carácter de monólogo, temática y estructura parece que tiene puntos de conexión con óperas como La Voz Humana de Poulenc, Una Voce en Off de Montsalvatge o El Teléfono de Menotti.

Más información AQUÍ, AQUÍ Y AQUÍ.

Vamos a escuchar tres arias grabadas durante su estreno en la catedral de Berlín, están interpretadas por la soprano Laila Salome Fisher , el Coro de Benidorm y la Orchestra of the Julius Stern Institute of Berlin dirigida por Matias de Oliveira:

Bel Ami


Vocalise:


Chacona:




Más audios del compositor en www.ricardollorca.com