Las mujeres del anillo (8): Las 8 walkyrias

ADVERTENCIA: El día que escribí esta entrada había tomado algunas copas de más -y si no como si lo hubiera hecho-, me armé un pequeño lío, por más que contaba walkyrias me salían 10 una y otra vez, pero en realidad son 8 + 1. Menos mal que ahí estaba Ximo, para aclararme las ideas, ahora mismo lo corrijo.

Ocho walkyrias pero en realidad son nueve, entre éstas, dos se destacan por su individualidad: Waltraute y Brünnhilde, y el resto van en bloque, apareciendo al inicio del tercer acto de la Primera Jornada:

• Cuatro sopranos:

Gerhilde

Helmwige

Ortlinde

Brünnhilde

• Cinco mezzos o contraltos: 
  

Siegrune

Waltraute

Grimgerde

Rossweisse

Schwertleite

Las walkyrias son guerreras nacidas de Wotan, algunos dicen que también de Erda pero los hay que piensan que son medio hermanas y que la única walkyria nacida de la pareja Wotan-Erda es Brünnhilde, este hecho marcaría la singularidad de ésta dentro de la Tetralogía, a mí me convence más esta última idea porque en el monólogo del segundo acto Wotan deja claro que sólo Brünnhilde es descendiente de Erda, lo comprobaremos más adelante. El que las hermanas de Brünnhilde sean ocho y no nueve parece un fallo en la cuenta de maac porque en principio pensaba que  Waltraute no aparecía en Die Walküre. Leyendo el libreto de La Walkyria nos encontramos con las siguientes palabras del dios -segunda escena del segundo acto-: 

"Descendí al seno del mundo, con el encanto del amor forcé a la Wala, perturbé el orgullo de su sabiduría, para que ahora me hablara. Nuevas recibí de ella; pero de mí atesoró ella una prenda: la mujer más sabia del mundo me alumbró, Brünnhilde, a ti. Con ocho hermanas te crié."

Sometidas a Wotan, su misión es incitar a los hombres a la guerra para localizar a los mejores héroes. Una vez localizados, se les aparecen para anunciarles su muerte. Muertos, recogen sus cuerpos para llevarlos al Walhalla con objeto de formar un ejército para luchar y evitar el fin de los dioses tal y como había predicho Erda.

Las intervenciones de las hermanas de Brünnhilde en Die Walküre van en bloque, su número más famoso es el de La Cabalgata de las Walkyrias, en la escena primera del tercer acto, no me he calentado mucho los cascos, he pasado por Youtube y he encontrado la de Boulez en Bayreuth que me ha parecido que está bastante bien porque se ve a las muchachas en plena faena, y es que debo confesar una cosa, es un fragmento que muchas veces me lo salto, gran parte de culpa la tiene Coppola y su película Apocalypse Now -de la que dejo un fragmento, masoca que es uno-, ignoro si la celebérrima frase de Woody Allen viene antes o después de esta película, si viniera después sería el colmo. El caso es que la Cabalgata se ha descontextualizado, lo mismo se ofrece como pieza de concierto que se escucha en un anuncio o como melodía de móvil. Pero también algo de culpa de que yo le tenga algo de manía la tiene el texto que cantan, por lo menos en su traducción al castellano. Una vez finalizada la cabalgata todo vuelve a la normalidad y la cosa mejora mucho, si aguantáis en el primer video lo podéis comprobar. Me hubiera gustado escuchar este fragmento -y otros de muchas óperas, como por ejemplo la habanera de Carmen o la Pira de Il trovatore- con los oídos vírgenes, lamentablemente es imposible. 

Kiri. Una deuda pendiente.

Hoy voy a saldar la deuda pendiente que tengo con Assai y traigo al blog a una cantante de procedencia exótica, se trata de Kiri Te Kanawa, una soprano neozelandesa de origenes europeos y maoríes que nació un 6 de marzo de 1944 en una pequeña ciudad llamada Gisborne (Nueva Zelanda), ciudad que, según wikipedia, está considerada la antípoda natural de Albacete.

Kiri Te Kanawa estudió en Nueva Zelanda desde 1959 hasta 1965, y allí obtuvo grandes éxitos, llegando a ser disco de oro cantando un aria de la opereta Casanova (Strauss), a los 21 años recibió una beca para marchar a estudiar a Londres, matriculándose en el London Opera Center en 1966. Parece ser que en aquella época sorprendió a los profesores por su carencia de técnica y su maravilloso timbre.

Comenzó su carrera como mezzo, pasándose después a la cuerda de soprano, de esta primera etapa vamos a escuchar un fragmento de una Carmen -aunque es un papel que se mueve entre ambas tesituras- que cantó en inglés Auckland en 1969. Te Kanawa drinking manzanilla:

En Londres debutó en escena en 1968 como la Segunda Dama de Die Zauberflöte, al año siguiente interpretó el rol de Elena en La donna del lago (Rossini), después en Idomeneo (Mozart) interpretó Idamante, fue a raiz de esta interpretación cuando recibió la oferta para cantar en el Covent Garden, allí debutó como Xenia en Boris Godunov (Mussorgsky) y como Muchacha Flor en Parsifal (Wagner), también como Voz del Cielo en Don Carlo (Verdi), era el año 1970. Pero Colin Davis ya la había escuhado en 1969 cantando la Condesa de Le nozze di Figaro (Mozart) y se había quedado con la copla, con este rol triunfó en el Covent Garden en 1971. Su primera grabación discográfica de una ópera completa tuvo lugar en 1972 con dirección de Colin Davis, interpretando a Donna Elvira (Don Giovanni).

La escucharemos cantando "Porgi amor" en el Festival de Glyndebourne de 1973 y seguidamente la escuchamos interpretando en 1976 el aria "Dove sono" en la película de Jean-Pierre Ponnelle bajo la dirección musical de Karl Böhm, sus compañeros de reparto eran magníficos: Freni, Prey, Fischer-Dieskau, Ewing:

De Donna Elvira veremos y escucharemos, "Ah, chi mi dice mai", su magnífica entrada en la película de Losey (1979, Raimondi y van Dam son Don Giovanni y Leporello respectivamente:

En 1973 cantó en el Festival de Glyndebourne -precisamente hemos escuchado más arriba su Porgi amor-. En 1974 se produjo su debut en el Met -sustituyendo a última hora a una indispuesta Stratas- interpretando Desdemona del Otello verdiano. Seguramente es Desdemona su personaje verdiano más logrado. Una madura Te Kanawa participó en uno de los últimos grandes testimonios operísticos que nos dejó el gran Solti, el Otello del Covent Garden junto a Domingo:

Después llegaron un montón de teatros del circuito internacional más prestigioso: París (1975), Milán y Sidney (1978), Salzburgo (1979), Viena (1980), al Liceu llegó muy tarde (1991) y a través de un recital.

Una muestra de su vertiente straussiana: "Kein Andres, das mir so im Herzen", la escena final de Capriccio:

Su voz, según las crónicas, proyectaba muy bien, es la de una soprano lírica pura de extraordinario sentido musical, y está marcada sobre todo por la belleza de un timbre uniforme, cálido, brillante y cremoso, la guinda que coronaba el pastel era su magnífica presencia escénica. Ha sido Te Kanawa una cantante eminentemente mozartiana: Donna Elvira (Don Giovanni), Pamina (Die Zauberflöte), Fiordiligi (Così fan tutte) y también straussiana: Arabella, de la ópera homónima, la Mariscala de Der Rosenkavalier y la Condesa de Capriccio, aunque en este punto siempre ha mostrado problemas con el alemán, Patrick J. Smith decía en la revista Opera con ocasión de una Arabella que cantó en el Met en 1983: "emplea la vocalidad antes que la enunciación del texto, por lo que muchas de las palabras que son vitales en el mismo se pierden en la música". También con gran éxito, y desigual fortuna, ha interpretado a mujeres puccinianas como Mimì (La Bohème), Tosca o Manon Lescaut, y verdianas: Desdemona (Otello), Amelia Boccanegra (Simon Boccanegra) o Violetta (La Traviata) . Otros roles que interpretó fueron Rosalinde (El Murciélago), Tatiana (Eugene Onegin), Micaela y Carmen (Carmen). Tampoco descuidó el repertorio de concierto (Cuatro últimos lieder de R. Strauss, Chants d'Aubergne de Canteloube, Nuits d'été de Berlioz, Arias de concierto de Mozart, la novena de Beethoven y Mahler, El Mesías de Haendel, el Réquiem alemán de Brahms) o el musical americano.

Se despidió de los escenarios con Vanessa de Samuel Barber (2004), pero su carrera ha continuado, ofreciendo recitales y conciertos.

Selección discográfica:

MOZART:

Donna Elvira - Don Giovanni. Colin Davis (1973)
Fiordiligi - Cosi fan tutte. Lombard (1977)
Pamina - Die Zauberflöte. Lombard (1978)
La condesa - Le nozze di Figaro. Solti (1981)

R. STRAUSS:

Arabella - Arabella. Tate (1986)
Marschallin - Der Ronenkavalier. Haitink (1990)
Vier Letzte Lieder - Solti (1991)
Condesa - Capriccio - Schirmer

OTROS COMPOSITORES:
Micaela- Bizet: Carmen: Solti (1975)
Maria - Bernstein: West side story. Bernstein (1985)
Margherite - Gounod: Faust. Colin Davis (1986)

Y para terminar una canción tradicional maori: Pokarekare Ana y una muestra de la Kiri ligera, "Let's face the music and dance" de Irving Berlin con un repaso por algunas de sus actuaciones escénicas:

Alice Raveau. Una contralto francesa.

Revisando algunos mp3 que en su día me descargué de www.cantabile-subito.de - debe hacer ya unos cuantos años-, tropecé con una voz que me llamó la atención, así que abrí el reproductor para ver quién era: Alice Raveau. NPI, me dije, y me puse a investigar sobre esta contralto francesa.

Alice Raveau nació en París un 8 de agosto de 1884. Tras estudiar en el Coservatorio Nacional de París debutó en 1908 en la Ópera Cómica con Orphée et Eurydice. Prácticamente no salió de Francia: París, Marsella, Toulousse, Bordeaux, Orange. También visitó Monte Carlo, Bélgica, Holanda y los países escandinavos. Los personajes que interpretó fueron fundamentalmente cuatro: Orphée (Orphée et Eurydice - Gluck), Charlotte (Werther - Massenet), Carmen (Bizet) y Dalila (Samson et Dalila - Saint-Saëns). A partir de 1929 comenzó a centrarse sobre todo en recitales de "mélodies": Debussy, Chausson, Duparc, Tomasi, Faure... Pudiendo considerarse una de las grandes intérpretes de "mélodies" de su época, al menos es lo que se dice en www.cantabile-subito.de. Murió el 13 de mayo de 1945.

Tanto el aria de Orphée, que hemos escuchado más arriba, como la de Samson et Dalila, que escucharemos a continuación, están grabadas en el comienzo de la etapa tardía de su carrera, 1935 y 1928 respectivamente, lo que nos puede llevar a pensar que su voz aún pudo sonar más fresca. Sobre todo en Orphée, que grabó con 51 años, la dicción y articulación son inmaculadas, su interpretación, contenida y musical, a pesar de los años transcurridos, sigue vigente. La expresión, que no se deja de lado, nace en el mismo canto. Me apunto el nombre y buscaré más cosas, a ver si hay suerte porque no tiene mucho grabado: Fragmentos de un Orphée et Eurydice, algunas arias de Gluck, Saint-Saëns, Massenet y Bizet, y lieder de Schumann.

Damrau. Se me hace la boca agua.

Se me hace la boca agua al pensar en el nuevo disco que Diana Damrau ha preparado con Virgin Classics y que no sé cuándo aparecerá ni el contenido que tendrá, aunque se puede intuir por el título:"Mozart: Opera & Concert Arias", la acompañan Le Cercle de L'Harmonie y Jérémie Rhorer.

Escuchamos seguidamente una de las arias de concierto de Mozart que, con su fabuloso acompañamiento del oboe, más me gustan, se trata de "Vorrei spiegarvi oh dio!" K.418, fue compuesta en 1783 para Il curioso indiscreto de Pasquale Anfossi y me parece que ya ha aparecido por el blog alguna vez.




Jéremie Rhorer es un joven compositor, clavecinista y director francés que estudió con Emil Tchakarov y colaboró con Mark Minkowski y William Christie.

Rhorer, en el año 2005, fundó, junto con el violinista Julien Chauvin, su propia orquesta de instrumentos originales, Le Cercle de L'Harmonie, no era la primera vez, con veintiún años ya fundó una orquesta de cámara, Les Musiciens de la Prée. En 2003 -fecha que no es segura- dirigió La flauta mágica en el Teatro Real y en febrero del próximo podrán escuchar a Rhorer y su orquesta interpretando L'infedelta delusa de Haydn en el Teatro Arriaga de Bilbao. Ha obtenido sonados éxitos interpretando Mozart en el Festival International de Ópera Barroca de Beaune y en el Théâtre des Champs-Élysées, precisamente a raíz de estos éxitos firmó un contrato en exclusiva con EMI.

Desde entonces han efectuado tres grabaciones, aunque sólo se publicó a principios de este año el recital de arias de ópera de Mozart, Salieri y Righini con Diana Damrau. Las otras grabaciones son el recital de arias de Mozart con Damrau del que hablamos en esta entrada y otro recital de arias de ópera con Philippe Jaroussky, cuyo contenido también desconozco.

En el repertorio de esta orquesta además de música de Mozart y Salieri, figuran obras de Monteverdi, Haendel, Cherubini, Haydn y Gluck.

Del Orphée et Eurydice de Gluck escuchamos seguidamente la Danza de las Furias y la escena segunda del segundo acto en los Campos Elíseos con el aria de Eurydice: "Cet asile aimable et tranquille"(Maria Riccarda Wesseling) y de Orphée: "Quel nouveau ciel pare ces lieux!" (Stefano Ferrari). Se trata de la segunda versión (1774), conocida como la versión de París, para tenor (haute-contre).

Fleming y Strauss

Otra novedad de septiembre -como se empieza a notar que cada vez las Navidades están más cerca- es la aparición de un nuevo disco en Decca con la Orquesta Filarmónica de Munich, bajo la dirección de su titular desde 2004, Christian Thielemann, y la soprano estrella de la casa, Renée Fleming.

Es el segundo recital dedicado a Richard Strauss que graba la soprano para Decca, el anterior, "Strauss Heroines", en el que interpretaba fragmentos de El caballero de la rosa, Arabella y Capriccio, apareció en 1999, acompañaban a Fleming: Barbara Bonney, Susan Graham, Christoph Eschenbach a la batuta y la Orquesta Filarmónica de Viena. Pero en 1995 ya grabó para RCA con el mismo Eschenbach y la Orquesta Sinfónica de Houston un recital titulado "Strauss: Four Last Songs" que contenía los Cuatro Últimos Lieder, otros lieder orquestales y la Suite de El caballero de la rosa. El caso es que versiones de los Vier Letzte Lieder por Fleming hay para dar y vender, en CD, en DVD, comerciales y piratas ¿Qué puede mostrar la soprano en 2008 que no hubiera mostrado trece años atrás? A priori, y sin haber escuchado el disco, me parece que más bien poco, la voz ya algo ajada y el amaneramiento elevado a la máxima potencia: una copia de sí misma. Si ayer alabábamos el disco de Kožená por haberse separado un poco -tampoco vamos a exagerar- del repertorio más tradicional, hoy Fleming nos ofrece más de lo mismo, y estoy convencido de que el resultado será más que bueno, por algo es una de las grandes líricas straussianas de nuestra época y está acompañada de una orquesta y director especializados en este tipo de repertorio. Alguien dirá que sirve para contrastar como ha evolucionado y madurado su voz con el paso de los años, pero para eso ya tenemos muchísimas grabaciones piratas.

Aquí: Página de Decca publicitando el disco.

Inexplicablemente Decca ha sacado una edición especial: "Renée Fleming. R. Strauss Four Last Songs" en Amazon la denominan "Deluxe Version" y contiene dos CD con el subtítulo "Signature roles at the Met Opera" para el disco adicional, en él se incluyen: el aria de la carta de<Eugene Onegin, la canción a la luna de Rusalka, la canción del Sauce del Otello verdiano, el monólogo ante el espejo del segundo acto de Thaïs y la última escena de Capriccio. No le veo el aliciente, el consumidor que lo adquiera será un comprador compulsivo, un coleccionista o un incondicional de Fleming. Salvo en el caso del coleccionista, los otros seguro que ya tienen la grabación de esos fragmentos en su poder. Mucho más interesante hubiera sido que las grabaciones pertenecieran a actuaciones en directo de la soprano en el Met, pero me temo que Decca habrá tirado del fondo de armario.

A mí todo esto me empieza a sonar a despedida, si pienso que la soprano tiene ya 51 años, un repertorio forjado y ya grabado, y que hay guapas jovencitas que vienen pisando fuerte, aunque no sé si Decca tiene ya prevista alguna sustituta. ¿De verdad que Fleming no tiene hoy otra cosa que mostrar? ¿Será una imposición de la discográfrica para aprovechar el tirón Thielemann? ¿Tiene tirón el director berlinés?


El pasado lunes tuvo lugar la Gala de apertura del Met, la soprano lució trajes realizados expresamente para la ocasión por tres prestigiosos diseñadores: Christian Lacroix realizó dos vestidos para cada una de las escenas del segundo acto de La Traviata, Karl Lagerfeld (Chanel) diseñó el de Manon y John Galiano se encargó de la escena final de Capriccio. En la misma gala se presentó una nueva colonia de Coty Inc. con el nombre La Voce Renée Fleming -qué horror, esto parece Corazón de Otoño-. Entre sus próximos compromisos encontramos: en octubre Capriccio en Viena, en noviembre Lucrezia Borgia en Washington -menudo morbo, seguro que ha sido idea de Domingo-, en diciembre Thais en el Met, en enero de 2009 El caballero de la rosa en Baden Baden y en marzo, volverá al Met con Rusalka.

En Mostly Opera podéis ampliar información sobre los vestidos y el perfume.


Seguidamente una muestra de versiones que se pueden encontrar en youtube de "Im Abendrot" (En la puesta de sol), es el lied que se suele interpretar en cuarto y último lugar, seguramente porque su título suena a despedida y/o porque se concibió en separado del resto, pero es el único cuyo texto no pertenece a Hermann Hesse sino a Joseph von Eichendorff y se compuso antes que los otros tres.:

PROMS 2001 con Christoph Eschenbach:

LUCERNA 2004 con Claudio Abbado:

ROMA 2006 con Antonio Pappano

Magdalena Kožená - Songs My Mother Taught Me

"Songs My Mother Taught Me" es el título del nuevo disco de Magdalena Kožená para Deutsche Grammophon.

El disco reúne canciones de compositores checos: Dvorák, Eben, Janácek, Martinu, Novák, Rösler, Schulhoff y una canción tradicional, el título no es sólo un gancho comercial, según Kožená es verdad que algunas de estas canciones se las cantaba su madre aunque no era una cantante profesional, también declara que se encuentra muy a gusto cantando en su propia lengua: "las tengo en la sangre, cuando las canto no tengo la impresión de que estoy trabajando" .La mezzo está acompañada de Dorothea Röschmann -soprano que la acompaña en los Dúos Moravos de Dvorák-, Michael Freimuth al laúd y a la guitarra y Malcolm Martineau, su acompañante habitual, al piano.

Por lo menos no es lo de siempre: arias de Mozart, arias de Haendel, arias barrocas... Un recital que, por su estética y esto es una apreciación muy muy personal, sin ningún sentido peyorativo, veo en la línea de von Otter, desde que apareció Kožená siempre he emparejado a ambas mezzos, de hecho creo que no hubiera existido ésta tal y como la conocemos sin la existencia previa de aquélla.

Todavía no he escuchado el disco pero tiene una pinta estupenda, os dejo unos anticipos que he encontrado, la de Janacek es sencillísima y absolutamente cautivadora:

Dvorak: Songs My Mother Taught Me, Op. 55 No. 4

Janacek: Lavecka

Las mujeres del Anillo (7): Gutrune, la gibichunga.

Pensaba que con el post sobre Brünnhilde, que había dejado para el final, terminaría la serie sobre las mujeres de El Anillo, pero repasando las entradas que llevo publicadas he visto que todavía no hemos hablado de Gutrune, quizás porque es un personaje que no es muy atractivo por la pasividad con la que actúa.

Gutrune, como Gunther, su hermano, el primogénito simplón, son de sangre real, hijos de Gibich y Grimhilde y medio hermanos por parte de madre del astuto Hagen, descendiente de Alberich. Tanto Gunther como Gutrune están solteros y, aunque lo desean con todas sus fuerzas, son difíciles de casar. Sus respectiva personalidad, carente de luces, no es muy atractiva. Gutrune es tímida, simple e irreflexiva, está dispuesta a desposar a Siegfried a casi cualquier precio, se deja llevar por los consejos de Hagen, no se plantea el problema de que se trata de un amor forzado por una pócima, si lo hará al final, cuando comprende que la esposa legítima del fallecido Siegfried era Brünnhilde, pero ya es demasiado tarde, entonces se aleja "llena de repugnancia, de Siegfried y se inclina abrumada, sobre el cadáver de Gunther; así permanecerá, inmóvil, hasta el final".

Aunque está presente en gran parte de la acción, no tiene muchas ocasiones para el lucimiento. Su principal intervención tiene lugar en la escena tercera del acto tercero del Ocaso, después de que Siegfried haya sido asesinado por Hagen. Durante el desarrollo de la escena será testigo de la codicia de Hagen y del asesinato de Gunther. El personaje suele ser interpretado, aunque hay excepciones, por una soprano lírica o lírico-spinto y cuando se ofrece la Tetralogía completa puede ser la misma que interpeta Freia en El Oro del Rin. Intérpretes destacadas de Gutrune han sido: Maria Müller, Hilde Konetzni, Regina Resnik, Marta Mödl, Sena Jurinac, Gré Brouwenstijn, Elisabeth Grümmer, Gundula Janowitz, Leonie Rysanek, Ingrid Bjoner y Cheryl Studer. También la ha cantado Eva Maria Westbroek, la Sieglinde del último Festival de Bayreuth.

Vamos a escuchar a tres Gutrunes de Bayreuth, lo haremos por orden cronológico y de la soprano de tesitura más grave a la más aguda:

En el Festival de Bayreuth de 1952, bajo la dirección de Keilberth, encontramos una Gutrune más dramática de lo habitual, Martha Mödl (lo cantó también en 1951 con Kna y Karajan, en 1954 lo alternó con Varnay otra vez con Keilberth), la acompañan Josef Greindl como Hagen, la Brünnhilde de la grandísima Astrid Varnay y Hermann Uhde como Gunther, escuchamos hasta el comienzo de la escena de la inmolación. Es lógico que en esa producción del Anillo no coincidieran Freia y Gutrune.

En 1955, también con Joseph Keilberth el personaje de la gibichunga fue interpretado Gré Brouwenstijn -repitió al año siguiente- mientras que Mödl se hacía cargo de Brünnhilde, Hans Hotter -todo un Wotan- era Gunther y Ludwig Weber, Hagen.

En El Anillo en el Bayreuth del año 1957, dirigido por Kna, Elisabeth Grümmer, de purísimo timbre y limpios ataques, fue tanto Freia como Gutrune, los cantantes que le acompañaban en 1957 son los mismos que los que acompañaron a Mödl en 1952: Josef Greindl (Hagen), Astrid Varnay (Brünnhilde) y Hermann Uhde (Gunther), en 1958 Grümmer repetiría por segunda y última vez su Gutrune en el Festival:

Flash back sobre un Lacrimosa

¡Qué alegría me he llevado esta noche! Recuerdo perfectamente aquel día de 1993 en que Geni y yo vimos la película Azul del polaco Krzysztof Kieslowski, forma parte de una trilogía sobre los colores de la bandera francesa puestos en relación con las palabras libertad, igualdad y fraternidad (en wikipedia podéis encontrar más información sobre la película). Salimos del cine impactados, tanto por la historia como por las imágenes y la música, una de esas películas que dejaron huella en ambos. A Geni le encantó la música, recuerdo que le dije que sí, que me había gustado pero que dudaba de que fuera de la película esa música tan espectacular pudiera resultar atractiva, al menos para mí, y si lo hacía estaba convencido de que sería por muy poco tiempo, así que no me preocupé por investigar más allá de la simple retención del nombre del compositor Zbigniew Presiner -pronto lo olvidé, un nombre demasiado complicado-. Era una música con un envoltorio de modernidad pero que ya estaba oída hacía mucho tiempo.

Hace un rato me disponía a escuchar un disco de Sumi Jo que se titula "Prayers" (2001), he repasado la lista de compositores: Ravel, Mozart, Caccini, Strauss, Rossini, Fauré, Schubert, Gounod, Donizetti, Bernstein y un tal Preisner que no me sonaba de nada, el fragmento se titulaba "Lacrimosa". Estaba claro. Kaddisch, Ave Maria, Laudate Dominum, Pie Jesu, Amazing Grace... no me interesaban tanto como esa pieza de un compositor que a saber de qué época sería, lo mismo era barroco... Pues no, no era barroco. Era contemporáneo y he tenido una impresión parecida a cuando escuché la banda sonora de Azul, me gusta pero no me interesa. Con esto no quiero decir que haya relacionado inmediatamente esa música con la película, ha sido buscando y rebuscando por google noticias sobre el compositor cuando he tropezado con la película de Kieslowski y la verdad es que me he llevado una sorpresa y una alegría mezclada con nostalgia al recordar aquellas sensaciones en la sala y en el café a la salida del cine. Me ha apetecido compartirlo con los lectores del blog.

En definitiva, una música con demasiadas pretensiones de modernidad pero totalmente insustancial y caduca que, sin las imágenes de Kieslowski, me aburre soberanamente a la segunda escucha.

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Fantasmas en Versalles

Desde principios del siglo XX existe una leyenda de que en los alrededores de dos palacios de Versalles  - el Grand Trianon, magnífico palacio de mármol rosa del Languedoc, construido por Luis XIV en Versalles y el Petit Trianon, mandado construir en tiempos de Luis XV y obsequio de Luis XVI a su esposa -  se aparecen los fantasmas de Maria Antonieta y su corte. El origen de está leyenda está en una visita a Versalles en 1901, durante un viaje a París que hicieron una pareja de maestras británicas. De pronto, se vieron trasladadas al Versalles de la Revolulión Francesa, el de finales del siglo XVIII. Carol A. E. Moberley y Emily F. Jourdain, que así se llamaban, escribieron un libro relatando el suceso que se publicó en 1911. No me extiendo más al respecto porque si no va a parecer que estamos en Cuarto Milenio, aquí os dejo un enlace por si queréis ampliar información.

The Ghosts of Versailles fue el primer estreno de una ópera que tuvo lugar en el Metropolitan de Nueva York desde Antony and Cleopatra (1966) de Samuel Barber. Fue un encargo que efectuó el Met en 1980 para celebrar su centenario en 1983, pero por retrasos en la composición no pudo estrenarse hasta el 19 de diciembre de 1991, el reparto incluía a Teresa Stratas (Maria Antoinette), Haken Hagegard (Beaumarchais), Gino Quilico (Figaro), Graham Clark (Bégearss), y Marilyn Horne (Samira), dirigidos por James Levine y fue un éxito, se repuso en 1995 -de paso se celebraron los 25 años de Horne en la compañía-, ese mismo año tuvo lugar en Chicago la primera representación fuera del Metropolitan, teatro que tiene previsto reponerla una vez más durante la temporada 2009-2010, al parecer el papel de Maria Antonieta correrá a cargo de Angela Gheorghiu. En Europa se estrenó en 1999 en Hannover y me parece que no se ha vuelto a representar. Tanto la versión de Chicago como la de Hannover son versiones reducidas de la obra. El libreto está escrito por el también neoyorkino William M. Hoffman. Está inspirada en La mère coupable de Beaumarchais, la tercera obra de la trilogía sobre Figaro. Corigliano, el compositor, la bautizó como una "Gran Opera Bufa" por la combinación de grandes coros y números espectaculares, elementos propios de la Grand Opera y el humor de la Opera Buffa. En realidad es una parodia sobre las convenciones de la ópera y su aceptación por el público. No es una ópera cortita, dura tres horas sin contar los intermedios.

John Corigliano nació en Nueva York en 1938 y es uno de los compositores más accesibles para el público que ha dado la segunda mitad del siglo XX, sin duda porque es muy ecléctico y emplea gran variedad de estilos incluso en una misma obra. Ha compuesto sinfonías, obras para orquesta de cuerdas o de vientos, tres conciertos para instrumentos de viento: clarinete (escrito para la Filarmónica de Nueva York y dirigido por Leonard Bernstein), flauta (compuesto por encargo de James Galway) y oboe; conciertos para violín, piano..., música de cámara y para instrumentos solistas. Y también, y por eso ha venido a Cantan ellas, ha compuesto la ópera sobre la que trata esta entrada: The Ghosts of Versailles (Los fantasmas de Versalles, 1991).

Corigliano procede de una familia italo-americana dedicada a la música, su madre era pianista y su padre fue concertino de la Filarmónica de Nueva York durante más de veinte años, trabajó con directores como Bruno Walter o Pierre Monteux.

En los años sesenta trabajó en la radio y en la televisión como productor y compositor, también fue profesor de composición en Nueva York y asistente de Leonard Bernstein. En 1963 ganó el premio de música de cámara del Festival de Spoleto con una Sonata para Violín y Piano.

Su fama creció a raíz de que Daniel Barenboim se erigiera en defensor de su Concierto para piano y estrenara con la Orquesta Sinfónica de Chicago su primera sinfonía, que está dedicada a las víctimas del SIDA.

En 1970 apareció su opera rock Naked Carmen, nunca ha sido estrenada en escena. Ha compuesto también música para películas como Altered States (Viaje al fondo de la mente, 1980) de Ken Russell, Revolution (1985) de Hugh Hudson y The Red Violin (El violín rojo, 1998) de François Girard, con esta última película obtuvo el Oscar de 1999 a la mejor banda sonora.

LOS FANTASMAS DE VERSALLES

La acción tiene lugar en un Versalles del Más Allá en el que se encuentranlos fantasmas decapitados de la corte de Luis XVI, entre ellos la protagonista, Maria Antonieta. El fantasma de Beaumarchais está enamorado de ésta, aunque su amor no es correspondido. Para aliviar la melancolía que invade a la reina por haber sido decapitada, el escritor decide representar una ópera, A Figaro for Antonia, en la que intervendrán los personajes de El Barbero de Sevilla y Las bodas de Figaro. En esta ópera dentro de la ópera -como en Ariadne auf Naxos- el Conde Almaviva -que se ha divorciado de la condesa porque ésta ha tenido un hijo con Cherubino- está en París como Embajador de España, junto a su fiel sirviente Figaro, intenta rescatar a Maria Antonieta de los revolucionarios. Cuando parece que todo va a salir mal el mismo Beaumarchais participa en la ópera y, con ayuda de Susanna, la mujer de Figaro, intenta rescatar a la Reina. Ésta comprende la profundidad del amor del escritor y rechaza su salvación, acepta su destino, quiere que la historia siga su curso. La Reina es ejecutada, se reunirá con el escritor en el Paraíso.

¿Y todo este rollete introductorio para qué? La respuesta es sencilla, para presentar un vídeo en el que la Horne se desmelena y el público se lo pasa en grande. Marilyn Horne va apareciendo por el blog una y otra vez pero todavía no le he dedicado una entrada como Dios manda, la mezzosoprano americana es historia viva del canto del siglo XX, sus principales cualidades: una voz de increíble extensión y flexibilidad, no muy homogénea al descender al grave -sobre todo en la segunda mitad de su carrera- pero de efectos impactantes por esos sonidos cavernosos y redondos, y una técnica de canto prodigiosa e irrepetible, sus especialidades fueron -¿o quizás debería decir son?- el barroco (Haendel) y el bel canto (Rossini), pero ha cantado de todo, incluso lieder de Mahler y roles de soprano. Su principal defecto, si es que me tengo que ver forzado para indicar alguno, es precisamente la falta de naturalidad tímbrica, esto, como siempre que se habla de canto, es muy subjetivo.

Os dejo a la Horne como Samira durante su intervención en la embajada turca, Samira es una bailarina egipcia que ha contratado el embajador, Suleyman Pasha, para entretener a sus invitados. En la embajada va a venderse el collar de Maria Antonieta al embajador inglés. Mientras Samira realiza su actuación, Figaro, que se ha disfrazado de bailarina, recupera el collar de la reina para el Conde antes de que se perfeccione la venta. Los guiños tanto mozartianos como rossinianos están más que claros.

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Como quitar una mancha de sangre

La procedencia de los visitantes del blog es insospechada, no todos son amantes del arte del canto. Cada día el blog tiene entre 100 y 150 visitantes y, entre todos, abren unas 150 o 200 páginas. Examinando en StatCounter los resultados de una herramienta llamada Keyword Analysis -indica qué palabras clave han utilizado las visitas que han accedido al blog a través de buscadores. Como es natural, el más utilizado es google-, he observado que hay personas especialmente preocupadas por quitar manchas de sangre que, al parecer, no se van por más que se frota. No quiero ser mal pensado, así que espero que sea porque trabajan en un hospital, en una pescadería, carnicería o en un lugar en el que se desempeña cualquier otra profesión digna. Parece que google, que no es perfecto, les remite a un artículo que apareció en este blog hace unos meses y que trataba sobre la Lady Macbeth de Verret, y es que el personaje de Lady Macbeth también tenía sus problemas con las sangrientas manchas.

Como deseo lo mejor para los visitantes de mi blog voy a dar unos consejos a ver si así solucionamos los problemas al hacer la colada. Como no sabemos en qué lugar se encuentran las manchas vamos a distinguir varias posibilidades:

LIMPIAR MANCHAS DE SANGRE

* papel pintado: si se trata de un papel lavable, se usara una esponja humedecida en agua fría con detergente y amoniaco. Los cercos desaparecerán frotándolos con agua oxigenada o con lejía diluida en agua. Los papeles no lavables se limpian con una mezcla de almidón disuelto en agua, que se deposita sobre la mancha hasta que se seque. Luego, se pasara un cepillo. Los cercos se eliminan de la misma forma que en los papeles lavables.

* Suelos: la mancha, si se elimina rápidamente, se retira con cualquier detergente.
En caso de que se haya secado, se deberá añadir amoniaco. Y si la sangre ha
penetrado en la piedra, habrá que utilizar agua con lejía para limpiarla.

* Tejidos lavables: las manchas de sangre se deberán limpiar, lo antes posible, con detergente y agua fría (ya que la caliente fija la mancha). Se puede añadir un poco de amoniaco al detergente para su acción. Si quedan restos o cercos, se añadirá una aspirina al agua del aclarado (también es posible utilizar lejías para ropa blanca o de color con el mismo efecto).

* Tejidos no lavables, alfombras y moquetas: los champús y las espumas para la limpieza en seco de tapicerías eliminan las manchas recientes de sangre. Pero si estas se han secado y quedan cercos, se pueden quitar frotando la zona con una esponja ligeramente humedecida en agua con detergente y amoniaco, y aclarando con la esponja empapada en agua en la que se haya disuelto una aspirina efervescente y una cuchara de vinagre.

Visitante anónimo, si ya has encontrado la manera de que desaparezca la sangre, antes de ponerte manos a la obra, puedes escuchar tranquilamente el debut de Grace Bumbry como Lady Macbeth en Salzburgo 1964, el primer rol que afrontó como soprano:

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Una de las razones por las que uno se da cuenta de que ha llegado la hora de acostarse.

Hay que acostarse cuando al leer el título de una entrada en un blog lees "El sonido de Cleveland" en vez de "El sonido del Clavelaúd".

Venga... ¡Buenas noches!

16 de septiembre de 2008 - Treinta más uno

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