miércoles, 31 de diciembre de 2008

Perde in un sol di la primavera



Todo tiene un principio y un final. Hoy, que decimos adiós al 2008, se nos antoja más claro que nunca. El tiempo pasa volando. Siguiendo con los duetti de Haendel reutilizados en la composición de El Mesías, y aprovechando que terminamos un año y comenzamos otro, hoy traigo Quel fior che all'alba ride, HWV 192, al igual que la cantata que vimos ayer data de 1741 y está compuesta en Londres, la versión que oiréis está interpretada por Patricia Petibon, Anna Maria Panzarella y Le Concert d'Astrée dirigidos por Emmanuelle Haïm.




Quel fior che all'alba ride
il sole poi l'uccide,
e tomba ha nella sera.

È un fior la vita, la vita ancora:

l'occaso ha nell'aurora,
e perde in un sol dì la primavera.

Ahora vamos a escuchar como quedó en El Mesías,
se trata de "He shall purify" y "His yoke is easy", el coro que cierra la Primera Parte. Se trata de la misma versión de ayer, la de Minkowski. Como comprobaréis las versiones no se corresponden por su orden a las partes de la cantata, lo he puesto así para respetar el orden en el que aparecen en el oratorio:



Chorus
(Malachi 3:3)
And He shall purify the sons of Levi,
that they may offer unto the Lord
an offering in righteousness.



Chorus
(Matthew 11:30)
His yoke is easy, His burthen is light.






martes, 30 de diciembre de 2008

Cieco Amor, crudel Beltà

Hoy traigo al blog un pequeño y precioso duetto italiano compuesto por Haendel durante su estancia en Londres en los primeros años cuarenta del siglo XVIII. Está interpretada por las sopranos Laura Claycomb y Anna Maria Panzarella, que están acompañadas por Le Concert d'Astrée y Emmanuelle Haïm.



No, di voi non vo’ fidarmi,
cieco Amor, crudel Beltà.
Troppo siete menzognere,
lusinghiere Deità.

Altra volta incatenarmi
già poteste il fido cor.
So per prova i vostri inganni,
due tiranni siete ogn’or.


A algunos este duetto les sonará pero no sabrán muy bien por qué, otros seguro que lo saben de sobra, y es que sirvió de base para uno de los números del oratorio "El Mesías", concretamente "For unto us a child is born" y "All we like sheep", compuesto para ser estrenado en Semana Santa pero que la tradición ha hecho que se interprete más en Navidad. Lo escuchamos en la grabación comercial de Minkowski, que es la que tengo más a mano.



Chorus
(Isaiah 9:6)
For unto us a child is born, unto us a son
is given: and the government shall be upon
His shoulder: and His name shall be called
Wonderful, Counsellor, The mighty God,
The everlasting Father,
The Prince of Peace.



Chorus
(Isaiah 53:6)
All we like sheep have gone astray;
we have turned every one to his own
way; and the Lord hath laid on Him
the iniquity of us all.


Ópera en la red

Leo en la página de la agencia Ansa que se inaugura un canal por Internet dedicado a la música clásica y a la ópera, http://operachannel.twww.tv/, el 1 de enero a las 11:15, hora local, se retransmitirá en directo el concierto de Año Nuevo desde el teatro La Fenice de Venecia con Georges Prêtre en el podio y con solistas como Mariella Devia y Massimiliano Pisapia.
El canal forma parte de la plataforma televisiva (www.streamit.it. Me imagino que las emisiones en directo serán de pago. Ahora mismo acabo de visitar la página y estaban ofreciendo una Aida del San Carlo de Nápoles con Cedolins, Zajick y Fraccaro bajo la dirección de Oren. Se podía, además, elegir otras cosas, como un Réquiem de Mozart desde Sarajevo con Gasdia, Carreras, Komlosi y Raimondi.

lunes, 29 de diciembre de 2008

"La Filla del Rei Barbut" en DVD

Matilde Salvador, compositora que falleció hace poco más de un año, fue la primera mujer que estrenó una ópera, Vinatea (1974), en el Liceu.

La filla del Rei Barbut, su primera ópera, es muy anterior, se estrenó oficialmente en el Teatro Principal de Castellón en 1943 -aunque hubo un estreno privado en 1939- y está cantada en valenciano. No sólo hubo que luchar contra la censura por el empleo de un idioma que no era el castellano, también se tuvo que recurrir al empleo de marionetas porque no había recursos económicos con que confeccionar el vestuario y realizar el decorado. El libreto es de Manuel Segarra Ribés y está basado en la leyenda 'Tomba-Tossals' de Josep Pasqual Tirado.

Acaba de aparecer el DVD de la representación de la ópera que se hizo en el Teatro Principal de Castellón en diciembre del año pasado.
Es la segunda ocasión que se representaba desde su estreno, la anterior fue en 1982. La realización no me ha gustado nada y la información que contiene es más bien escasa -nula quiero decir-, podían haber añadido algún reportaje sobre la compositora o sobre la misma obra. No parece que tengan tampoco mucho interés en comercializarlo fuera de Valencia porque los subtítulos están sólo en castellano y en valenciano. Lo que si hay es una nota del director musical, Josep Vicent, advirtiendo de que lo importante del DVD es la ilusión con la que se ha hecho el trabajo y que algunos momentos de menos perfección técnica se compensan por la energía de los jóvenes intérpretes, refiriéndose Josep Vicent al conjunto instrumental, formado por estudiantes, la O.S. del Conservatorio Superior de Música Salvador Seguí de Castellón. Con las palabras del director está dicho todo. La música de Matilde Salvador es muy colorista, se caracteriza por el empleo de melodías populares que no llegan a desarrollarse plenamente, sino que aparecen y desaparecen a lo largo de toda la ópera y de un canto próximo a la declamación, todo muy mediterráneo.

La puesta en escena, a cargo de Xarxa Teatre, es muy infantil, a mí me ha gustado porque mis dos hijas han estado viéndola conmigo y se lo han pasado en grande, de hecho para probar si les estaba gustando -yo ya intuía que sí al verlas tan atentas a la pantalla- les he preguntado si cambiábamos a una película de dibujos animados y me han dicho que nones, que querían ver la ópera. El papá más feliz que unas castañuelas, por supuesto. Es que no cabía en mí de gozo. Los cantantes cumplen con suficiencia.

A pesar de los pequeños detalles apuntados más arriba, la adquisición del DVD vale la pena. Desde luego que no es una obra que vaya a cambiar vuestras vidas pero tiene una música muy disfrutable y un precio muy atractivo. Tenemos que apoyar este tipo de iniciativas si queremos que se abra el repertorio, haya cabida para todo tipo de propuestas y un público en constante renovación.

Os dejo la escena "dels cucs de seda".


Matilde Salvador - "La Filla del Rei Barbut"

Dirección musical: Josep Vicent
Orquestra Simfònica del Conservatori Superior Salvador Seguí de Castelló
Orfeó de la Universitat Jaume I de Castelló - Director, José Doménech
Dirección de escena Xarxa Teatre
Infanta Merilde, Isabel Monar
Rei Barbut, Marc Pujol
Tombatossals, José Antonio López
Josepa Maria, Maria José Martos


Para ampliar información:

- Artículo sobre Matilde Salvador en el periódico Mediterráneo de Castellón.
- Artículo en Las palabras del agua de Diego F. Magdaleno
- Comentarios sobre el estreno en El blog de Titus.




domingo, 28 de diciembre de 2008

Cant e tenor, cantaven tal balada

Joan Roís de Corella
(Gandia o València, 1435 - València, 1497)


La balada de la garsa i l'esmerla

(Joan Roís de Corella - Raimon)
Ab los peus verds, los ulls e celles negres,
penatge blanc, he vista una garsa,
sola, sens par, de les altres esparsa,
que del mirar mos ulls resten alegres;
i, al seu costat, estava una esmerla,
ab un tal gest, les plomes i lo llustre,
que no és al món poeta tan il·lustre,
que pogués dir les llaors de tal perla;
i, ab dolça veu, per art ben acordada,
cant e tenor, cantaven tal balada:

"Del mal que pas no puc guarir,
si no em mirau
ab los ulls tals, que puga dir
que ja no us plau
que io per vós haja a morir.

Si muir per vós, llavors creureu
l'amor que us port,
e no es pot fer que no ploreu
la trista mort
d'aquell que ara no voleu;
que el mal que pas no em pot jaquir,
si no girau
los vostres ulls, que em vullen dir
que ja no us plau
que io per vós haja a morir".

(1981)




Con los pies verdes, los ojos y cejas negros,
penacho blanco, he visto una garza,
sola, sin par, de las otras alejada,
que al mirar mis ojos quedan alegres;
y, a su lado, había un mirlo,
con un tal gesto, las plumas y el lustre
que no hay en el mundo poeta tan ilustre,
que supiera decir alabanzas de tal perla;
y, con dulce voz, por arte bien afinada,
canto y tenor, cantaban tal balada:

"Del mal que sufro no puedo curar,
si no me miráis
con tales ojos, que pueda decir
que ya no os place
que yo por vos haya de morir.

Si muero por vos, entonces creeréis
en el amor que os profeso,
y no puede ser que no lloréis
la triste muerte
de aquél que ahora no queréis;
que el mal que sufro no me dejará,
si no volvéis
vuestros ojos, que me quieran decir
que ya no os place
que yo por vos haya de morir."




sábado, 27 de diciembre de 2008

Conjuntos vocales - La rondine: "Bevo al tuo fresco sorriso"


Già che il caso ci unisce inneggiamo all'amore!
Inneggiamo alla vita che ci donò l'amor!


Hoy viene al blog el maac más meloso y romanticón.



RUGGERO
(guardando a Magda)
Bevo al tuo fresco sorriso,
bevo al tuo sguardo profondo,
alla tua bocca che disse il mio nome!
___________

¡Brindo por tu sonrisa fresca,
brindo por tu mirada profunda y por tu boca,
que pronuncia mi nombre!

Concertante del segundo acto de La rondine de Puccini
para cuarteto vocal (2 sopranos y 2 tenores) y coro.


Los intérpretes:
Alagna, Matteuzzi, Gheorghiu y Mula,
London Voices, London S. O., dirige Antonio Pappano,
grabación comercial EMI 1997.

Ya puestos escuchamos hasta el final del acto.



viernes, 26 de diciembre de 2008

Geraldine Farrar - ¿Mujer fatal?



No es Geraldine Farrar una soprano que me haya seducido de una manera especial y desde luego no figura entre mis cantantes favoritas, tampoco es que la odie ni que no le reconozca méritos, no es eso, seguro que si fuera una cantante contemporánea Netrebko no iba a ser su rival. No sé si será por la época y el tipo de grabación pero conforme traspasa la zona media hacia arriba los sonidos se van volviendo fijos y menos agradables -siempre tengo la duda si se trata de defectos de grabación o es que era el estilo de canto de principios de siglo ya que me pasa con más de una soprano-, tampoco le aprecio rasgos interpretativos que la conviertan en una cantante singular, os preguntaréis entonces qué hace aquí.


Farrar fue, durante la segunda década del siglo XX una de las estrellas del Met, en las crónicas de la época se habla de su riqueza tímbrica, gran presencia escénica y dotes dramáticas, su vida fue muy novelesca y sería digna de ser llevada al cine, ya lo veréis, y eso que he omitido la parte de su matrimonio, subsiguiente divorcio y posterior suicidio del ex-marido. La escucharemos en "Te Souvient-il du lumineux Voyage" de Thaïs (Massenet):



Farrar nació en Melrose (Massachusetts) un 28 de febrero de 1882, estudió canto en Boston, Nueva York, desde 1899 en París y en Berlín con Lilli Lehmann -a partir de 1903- tras ser recomendada por Lillian Nordica.

En Berlín debutó en 1901 (diecinueve años) como Marguerite en el Faust de Gounod y después en otros papeles también del repertorio francés: Mignon de Thomas, Manon de Massenet y Juliette de Gounod, en esta ciudad la belleza de la soprano parece que causó estragos atribuyéndose relaciones amorosas con conocidos personajes como el príncipe heredero Guillermo; años más tarde, en Nueva York, mantendría una relación amorosa con Toscanini -dicen que Farrar fue la causa de que el director dejara N.Y. y volviera a Italia-y otra supuesta relación con el tenor Enrico Caruso. Por lo menos era muy amiga del gran tenor napolitano, se dice que a una de las grabaciones que realizaron juntos, la del dúo del primer acto de Madama Butterfly, Caruso llegó tarde y con unas copas de más, la soprano, no sé si a causa del enfado o porque estaba de cachondeo sustituyó la frase que tenía que cantar:"Si, per la vita" por "He had a high ball', lo mejor de todo es que no es un simple rumor, es cierto y hay testimonio de ello:



Hay varias anécdotas sobre las salidas de tono de la soprano, una de ellas cuenta que le dijo a Toscanini: "Recuerde una cosa, los espectadores pagan por verme a mí la cara, no por ver su espalda." Uno de los fragmentos en los que canta Farrar que más me gustan es el aria de Mignon "Connais-tu le pays":



En el inicio de su carrera además de cantar en Berlín también lo hizo en la ópera de Montecarlo, allí estreno Amica de Mascagni en 1905 y L'Ancêtre de Saint-Saëns en 1906, y después de declinar la invitación de Richard Strauss para estrenar Salomé en Berlín marchó a Nueva York, debutando en el Metropolitan en 1906 interpretando la protagonista de Romeo et Juliette, tenía veintidós años. En 1907 protagonizó el estreno en el Met de Madama Butterfly junto al Pinkerton de Enrico Caruso y ante la presencia del propio compositor de la ópera. En 1910 estrenó Königskinder de Humperdinck. En 1914 estrena en Estados Unidos Le Donne Curiose de Wolf Ferrari, en ese mismo año cantó por primera ver Carmen en el Met --de este papel ofreció 57 representaciones en el teatro neoyorkino-- y estrenó entambién allí Julien de Charpentier. En 1917 fue la primera Thaïs del Met. En 1918 protagonizó en el Met el estreno absoluto Suor Angelica. Hasta 1922, año en que se produjo su retirada escénica interpetando Zaza de Leoncavallo, formó parte de la compañía del Met, en este teatro cantó 29 roles y ofreció cerca de 500 representaciones, también interpretó Tosca, personaje que incorporó a su repertorio en 1909. Otros personajes que interpretó en el Met fueron los de Margueritte (Faust), Mimì (La Bohème), Louise (Charpentier), Cherubino (Las bodas de Fígaro), Elisabeth (Tannhäuser), Nedda (Pagliacci), Gilda (Rigoletto), Zerlina (Don Giovanni)... Siguió cantando en recitales hasta 1931. Es recordada sobre todo por su interpretación de dos personajes, las protagonistas de Carmen y Madama Butterfly, la escuchamos como Cio-Cio-San:











No sólo se dedicó al canto, fue también actriz de cine mudo entre 1915 y 1920 -en el magacín Photoplay, con ocasión de su incursión en el cine, escribirían frases como "una Mona Lisa sin su sonrisa" o "un Stradivarius sin sus cuerdas"-, entre las películas en las que intervino podemos citar Carmen, Maria Rosa, Temptation, The Woman God Forgot, y Joan the Woman de Cecil B. DeMille.

Cantante, actriz y compositora porque también compuso canciones para voz y piano en los años treinta. Murió con 85 años el 11 de marzo de 1967 en Ridgefield (Connecticut).

Seguidamente podemos ver a la soprano en un fragmento de la película Joan the Woman (1917):



Si queréis descargar la película Carmen podéis hacerlo AQUÍ.

Audición: Complete Victor Recordings (1907-1909)
http://rapidshare.com/files/18753921/farrar1.zip
http://rapidshare.com/files/18748719/farrar2.zip


jueves, 25 de diciembre de 2008

¡Ah! Se me olvidaba...




¡...y una Feliz Digestión!


Berlioz - La infancia de Cristo

"Música de un arcaísmo aparente que recuerda los viejos ‘Noëls’ franceses”
(Saint-Saens)



“En aquel tiempo nació Jesucristo, pero ningún signo reveló quién era el que lo había enviado. Pero los reyes temblaron en sus tronos, a tiempo que la esperanza florecía en los corazones de los afligidos. Escuchad cómo la palabra de Dios advirtió a los padres de Cristo sobre el peligro”
(Narrador - Prólogo de L'enfance du Christ de Berlioz)

La Navidad puede ser la excusa perfecta para, unas veces, descubrir, y otras, reencontrarse con música que por su carácter litúrgico o religioso tiene relación con estas fechas, y de este modo escapar de los típicos villancicos -léase Noche de Paz y Dulce Navidad, por ejemplo- y olvidar toda la parafernalia de cartón piedra que rodea a esta época del año.



El oratorio de Berlioz L'enfance du Christ, opus 24, puede ser una de estas obras que nos pueden ayudar a lograr una comunión con el verdadero significado de esta celebración cristiana, independientemente de lo arraigada que esté la fe en cada uno de nosotros. En mi caso fe es = a 0 patatero. Pero cuidadín, que uno está bautizado y ha asistido a misa hasta los catorce años domingo a domingo. Siempre hay algo que queda, quizás lo mejor, lo más puro del mensaje, además de cierto regusto por el boato y la estética teatral, ritual y artística que ha mamado desde que vino al mundo. También cabe hacer una lectura puramente dramática de la obra, sería entonces un oratorio que narra determinados hechos y que tiene enorme belleza melódica e instrumental, ofreciendo el carácter más intimista del compositor, en algunos momentos con un marcado carácter arcaico, como el número que cierra la obra: "O, mon âme" para tenor y coro.



L'enfance du Christ fue compuesto por Berlioz entre 1850 y 1854, consta de tres partes, de ahí que también recibiera el nombre de Trilogía Sacra:

Primera parte: El sueño de Herodes
Segunda parte: La huída a Egipto
Tercera parte: La llegada a Saïs

"El 10 de diciembre de 1854 (un día antes de cumplir los 51 años de edad), el propio compositor dirigió en París -Iglesia de Saint-Eustache- el estreno de La infancia de Cristo. Si bien la obra tuvo una muy buena recepción, fue percibida por público y crítica bajo luces diferentes. Mientras que algunos dijeron que La infancia de Cristo representaba un reencuentro de Berlioz con la fe, otros comentaron que en realidad se trataba de una visión bastante laica de la historia bíblica, en la que importaban menos los arquetipos religiosos que la figura de una pareja atribulada tratando a toda costa de salvar la vida de su hijo. El caso es que fue un éxito musical y financiero, y una organización caritativa le pidió a Berlioz una función extra de La infancia de Cristo para fines benéficos." (Notas al programa ofrecido en la UNAM en diciembre de 2006).


- Un excelente artículo de Javier del Prado Biezma: Aquí. Por si alguien quiere profundizar.

- La versión: Berlioz - L'enfance du Christ - Beuron, Cargill, Dazeley, M. Rose, P. Rose, Tenebrae Choir, London Symphony Orchestra - Dir.: Colin Davis

- Las descargas están en este archivo de texto.

- El libreto: http://www.geocities.com/ubeda2004/berlioz/infancia.htm

miércoles, 24 de diciembre de 2008

L'arbore di Diana - Teatro Martín i Soler




L'arbore di Diana (1787) fue la primera ópera vienesa de Da Ponte no basada en una obra literaria ajena y la más representada en el Burgtheather de Viena entre 1783 y 1792, y ojo porque durante esos años se estrenaron óperas como Le nozze di Figaro, Don Giovanni y Così fan tute, evidentemente el genio de los compositores y el valor de sus obras no se mide en cifras y el tiempo ha colocado a cada uno, y a cada obra, en su sitio. Pero algo tendrá que tener la ópera de Martin y Soler para que al año siguiente de ser estrenada ya se ofreciera en versión singspiel y, en pocos años, recorriera Europa de cabo a rabo.

Fue un encargo para festejar un matrimonio, el de la Archiduquesa María Teresa de Austria con el Príncipe Anton Clemens de Sajonia. Cuenta Da Ponte que Mozart, Salieri y Martín y Soler -Martini, le llamaba el libretista- "vinieron a la vez a pedirme un drama. Pensé si no sería posible contentarlos a todos, y hacer tres óperas de golpe", mientras que Salieri quería una simple traducción, Mozart y Martín y Soler "dejaban la elección totalmente en mis manos. Escogí para aquél Don Giovanni (...) y L'arbore di Diana para Martini, a quien quería dar un argumento amable, adaptable a sus dulcísimas melodías, que llegan al alma, pero que poquísimos saben imitar (...) El primer día... escribí las dos primeras escenas de Don Giovanni, otras dos más de L'arbore di Diana, y más de la mitad del primer acto de Tarare, título que cambié en Assur (...) L'arbore di Diana fue la primera en representarse. Tuvo una acogida felicísima, igual al menos a Una cosa rara (...) Este drama, en mi opinión, es el mejor de cuantos he compuesto, tanto por la invención como por la poesía." Esta última frase no sé muy bien a qué ópera se refiere, si a L'arbore di Diana o a Una cosa rara.

Pues bien, doscientos veintiún años después del estreno la ópera ha vuelto a la ciudad que vio nacer al compositor -se ofreció una vesión a principios de los años ochenta- y en un teatro que lleva su nombre, figuran entre sus intérpretes varias cantantes valencianas, y no todas son secundarias -¡por fin!-.

La protagonista, Diana, es encarnada por la soprano Ofelia Sala, si no recuerdo mal es la tercera vez que visita el Palau de Les Arts, aunque es la primera que lo hace interpretando una ópera, os dejo una grabación del recitativo "Perfidi! In questa guisa i dritti miei..." y el aria "Sento che dea son io", una auténtica aria di bravura. Ofelia es una gran cantante, muy musical, de las que cantan con buen gusto y con un timbre no muy grande pero muy hermoso, seguramente la diabólica aria de Diana no entra dentro de su especialidad, es más para una soprano tipo Damrau, especializada en pirotecnica vocal, pero la valenciana sale airosa. La calidad de la grabación no es muy buena, no le hace justicia a la soprano, en directo sonó todo mucho mejor, pero, si queréis conocer el aria, es lo que hay. Os recomiendo que subáis el volumen.



Rec.:
Pefidi! In questa guisa i dritti miei
vilipender s'ardisce? In questa guisa
temerario mortale osa insultarmi
nel mio stesso soggiorno? Ah! Non son io
quella che al suon della temuta voce
sulla tartarea foce
trovò le furie al mio servigio preste,
che reggo le tempeste,
che do l'ordine a i venti,
e su triplice soglio, a me concesso,
vanto un poter commun con Giove istesso?

¡Pérfidos! ¿De esta manera mis derechos
se osa vilipendiar? ¿De esta manera
un temerario mortal osa insultarme
en mi propia morada? ¡Ah! ¿No soy yo
aquélla que, al son de la temida voz
en la boca del Tártaro,
encontró las furias prestas a su servicio,
la que rijo las tempestades,
la que doy órdenes a los vientos,
la que en un triple trono, concedido a mí,
tengo poder en común con el mismo Júpiter?

Aria:
Sento che dea son io,
sento che ho regno e soglio,
e dall'usato orgoglio
mi sento rinfiammar.
E se promette calma
il placido sembiante,
ho i fulmini nell'alma
fo terra e ciel tremar.

Siento que soy diosa,
siento que tengo un reino y un trono,
y mi antiguo orgullo
me vuelve a inflamar.
Y si promete calma
mi plácido semblante,
tengo relámpagos en mi alma,
hago temblar cielo y tierra.

Y ahora el recitativo acompañado "Cessa, mio core" y el elegante Rondó de Diana: "Teco porta, o mia speranza", digno de toda una diosa. Lo mismo digo respecto a la calidad de la grabación y subid el volumen.


Maac os desea Felicidad...

... ahora y siempre.

martes, 23 de diciembre de 2008

Música y naranjas.


Hoy no había previsto entrada. Pasé por el blog de... bueno, no voy a decir el nombre que luego se me queja de las veces que sale... pasé por un blog y me he puesto a ver un emotivo post navideño con música de Bach de fondo, a la segunda pasada me he levantado y he ido directamente a la cocina, tenía hambre, he cogido lo primero que he visto, una naranja, la he apoyado sobre el banco, he agarrado un cuchillo y cuando lo he colocado sobre la piel para comenzar a pelarla he recordado a mi abuelo. La música de Bach sonaba a lo lejos.
A mi abuelo le encantaban las naranjas.
Mi abuelo todos los días almorzaba jamón, lomo o longaniza, un tomate partido por la mitad sobre el que echaba una pizca de sal y una naranja u otra fruta, pero si había naranjas no existía otra opción posible.
Mi abuelo siempre tuvo el pelo blanco.
No sé la música que le gustaba a mi abuelo, él siempre escuchaba las noticias en la radio y veía "el parte" al final de los telediarios, la obsesión por el tiempo la seguía manteniendo después de haber llevado una vida dedicada a la agricultura.
Mi abuelo fue soldado republicano y todos los domingos iba a misa.
A mi abuelo le encantaba salir a pasear y charlar con el primero que se le cruzara en su camino.
Mi abuelo un día se atascó al intentar decir algo, a mediodía, mientras comíamos; comenzó a pronunciar una sílaba extraña, algo así como cac cac cac cac cac hasta que consiguió desatascarse, nunca más pronunció una frase de más de tres o cuatro palabras. Un día, al volver de un largo viaje, le pregunté: "Yayo, ¿quién soy?", me miró a los ojos, "¿quien soy?... ¿quien soy?... yayo... ¿me conoces?", ante mi insistencia, sin dejar de mirarme a los ojos, con ternura, me dijo: "de casa".
Mi abuelo nos llevaba al circo, con el paso de los años éramos nosotros los que lo llevábamos a él.
Tenía capacidad para sorprenderse de las cosas más sencillas. Mi abuelo, cuando veía un camión aparcado, se acercaba y miraba la TARA y el PMA -creo que ahora se denomina MMA, masa máxima admitida-, y decía "¡Madre mía! XXXX kilos", nunca le parecía que era poco. Cuando veía un caballo, un toro, un cerdo o una oveja siempre me decía cuánto debía pesar... "¡esa borrega pesará por lo menos 70 kilos!" Cuando veía un gran árbol siempre calculaba cuántas personas se necesitarían para abarcar su tronco y cuando lo había calculado, una vez más, se admiraba del grosor del tronco.
Mi abuelo nos metía en su cama y nos contaba cuentos.
Un día, volviendo de un largo viaje en tren, llamé por teléfono a casa y nadie me contestaba, colgué y le dije a Geni: "Se ha muerto mi abuelo". Y efectivamente, se había muerto. No lloré, no sentí tristeza, al fin y al cabo era lo que él estaba deseando desde hacía mucho tiempo.
Yo lo acribillaba a preguntas: Yayo... ¿y qué pasó cuando acabó la guerra?... ¿y por qué la perdieron? ... ¿y es verdad que mataban a los curas?... ¿y tú, en la guerra, qué hacías?... ¿es verdad que en el río había maquis?... ¿conociste a mi otro abuelo?... ¿es verdad que se murió poco antes de la guerra? ¿y de qué se murió?
Y siempre que le hacía esta última pregunta me decía: "tu otro abuelo se murió de un aire..."
De un aire... y yo me quedaba tan satisfecho al haber averiguado la causa de la muerte de mi otro abuelo... se había muerto de un aire...
Y cuando estábamos en la playa de vacaciones se subía el camal del pantalón más arriba de las rodillas y con su sombrero y su garrote iba paseando, descalzo, por la orilla, para arriba y para abajo, para arriba y para abajo.
La música que escuchaba -de la que me he copiado hasta la versión- y una naranja... peligrosa combinación.


lunes, 22 de diciembre de 2008

Christa Ludwig - Duermevela


Hace mucho tiempo que no nos visita Christa Ludwig, voy a intentar recuperar la costumbre que tenía hace unos meses de seleccionar un lied cantado por ella y comentarlo. "Immer leiser wird mein Schlummer" Op. 105/2 (Ligero se hace mi sueño) es un lied compuesto por Johannes Brahms (1833-1897) en 1886 sobre un texto de Hermann Lingg (1820 - 1905) que también sería utilizado por otros compositores como Orff, Pfitzner, y Strauss.


Una vez más Ludwig es intérprete adecuadísima cuando se trata de expresar un estado melancólico, de angustia y desesperación que en este caso es fruto de un sueño: el ser amado vuelve pero nadie escucha su llamada, la puerta no se abre.
En la segunda estrofa abandonamos lo onírico y nos adentramos, no en la misma realidad, en un futuro, al parecer, predecible. Nótese como, en la segunda estrofa, se oscurece la voz de Ludwig en "Wenn ich bleich und kalt" (cuando yo esté pálido y frío) para iluminarse seguidamente en las referencias primaverales de "Eh die Maienlüfte wehn, Eh die Drossel singt im Wald" (Antes que sople la brisa de mayo, antes que la paloma cante en el bosque), de ningún modo quiero decir que esto sea un hallazgo de la cantante sino que es fruto del buen hacer de Brahms, lo que pasa es que Ludwig lo ejecuta maravillosamente.
Al final parece que hay un pequeñísimo resquicio abierto a la esperanza: "Willst du mich noch einmal sehn" (Si me quieres ver por última vez), pero es un resquicio cargado de pesimismo.

Immer leiser wird mein Schlummer,
Nur wie Schleier liegt mein Kummer
Zitternd über mir.
Oft im Traume hör ich dich
Rufen drauß vor meiner Tür,
Niemand wacht und öffnet dir,
Ich erwach und weine bitterlich.

Ja, ich werde sterben müssen,
Eine Andre wirst du küssen,
Wenn ich bleich und kalt.
Eh die Maienlüfte wehn,
Eh die Drossel singt im Wald:
Willst du mich noch einmal sehn,
Komm, o komme bald!




Ligero se hace mi sueño,
como un velo que calmara mi angustia,
palpitando, sobre mí.
A veces, soñando,
te oigo llamar a mi puerta,
nadie está despierto y va a abrirte;
me despierto y lloro amargamente.

Sí, yo moriré
y tú besarás a otro
cuando yo esté pálido y frío.
Antes que sople la brisa de mayo,
antes que la paloma cante en el bosque:
¡si me quieres ver por última vez,
ven, oh, ven pronto!




domingo, 21 de diciembre de 2008

L'Arbore di Diana en el Palau de Les Arts

VICENTE MARTÍN I SOLER

"L'Arbore di Diana"
Dramma giocoso en dos actos.
Libreto de Lorenzo Da Ponte.
Estrenada en Viena el 1 de octubre de 1787


Ofelia Sala (Diana), Silvia Vázquez (Britomarte),
Sandra Fernández
(Cizia), Cristina Faus (Cloe), Christian Senn (Doristo), Marina Comparato (Amore),
Joel Prieto (Silvio), Dmitri Korchak (Endimione).
O. de la Comunitat Valenciana
Dir.: Rubén Dubrovsky

Nueva Producción del Palau de les Arts
Dir. de escena: Daniel Slater

23*, 26*, 30 diciembre · 20.00 h
21, 28 diciembre · 19.00 h
* Función didáctica

- Enlace a un artículo de Leonardo J. Waisman.
Se trata de la introducción a su edición crítica de la obra publicada en 2001.

- Opinión sobre el estreno en El blog de Titus

sábado, 20 de diciembre de 2008

Dos cosas sobre Les Troyens


Primera cosa. Comenzamos el segundo año del blog con unos alegres y esperanzadores coros, los del inicio de Les Troyens.

Espero que 2009 no sólo sea el año de la Tetralogía wagneriana en Les Arts, sino también de la citada ópera de Berlioz. Verla representada supondrá que uno de mis sueños operísticos se verá cumplido, y al lado de casa. Pondremos las velas que haga falta, utilizaremos los reclinatorios que tanto salen a pasear por éste y otros blogs, rezaremos para que los presupuestos den de si lo máximo posible y si al año que viene sólo debe haber una nueva producción de ópera en el Palau de Les Arts, que sea ésta. No es una ópera fácil de representar por su duración -sobrepasa las cuatro horas y media si se ofrece íntegra-, por sus exigencias escénicas y porque requiere un equipo de cantantes, unos coros y una orquesta de primer nivel.

La versión de la que he extraído el fragmento es la que se grabó con Colin Davis en directo en Londres el año 2000, que es con la que estoy en estos momentos, el tiempo es mucho más ágil que en la grabación que realizó en 1969 -si la memoria no me falla porque he estado buscando la caja en las estanterías y se me ha "traspapelado"-, en estudio quizás hay más transparencia y distinción de planos pero menos ímpetu e inmediatez . Han transcurrido diez años de asedio de Troya y los griegos han abandonado el campo de batalla dejando un enorme caballo de madera, los troyanos, como creen que los griegos han dejado de ser una amenaza, abandonan sus puestos en las murallas y celebran poder disfrutar de nuevo de la naturaleza en libertad, su intención es introducir el caballo en los muros de la ciudad, piensan que fue construido por los griegos como homenaje a Palas Atenea, mientras tanto Casandra se queda atrás observando los acontecimientos con tristeza, es la única que sabe que aquello no acabará bien. No me digáis que no es alucinante esta manera de comenzar una ópera:



Segunda cosa. Después de esos fantásticos coros Casandra no tiene más remedio que fastidiarla, es lo malo que tienen los videntes, en cualquier momento se les puede tachar de agoreros. Pero es que además, Casandra, al evitar toda relación carnal con Apolo, que le había concedido el don de la profecía, fue condenada a que nadie creyera en sus predicciones. Personaje muy atractivo -la personificación de la incomprensión- para el que Berlioz compone una música trágica y conmovedora que muestra el sentimiento de impotencia del personaje. Ni el rey, ni el pueblo atienden a sus advertencias y Corebus, su prometido, cree que ha perdido la razón. Sobre ella Berlioz escribió: "Ah, mi noble Casandra, mi heroica virgen, tengo que resignarme a no escucharte jamás". Tales fueron los problemas con los que se encontró el compositor para ver escenificada la ópera completa -no se representó como la concibió Berlioz hasta que lo hizo Kubelik a finales de los años incuenta-. Escucharemos la entrada de la profetisa en la citada versión londinense, el papel de Casandra fue interpretado por Petra Lang: "Les grecs on disparu... Malheureux roi!"



El mismo año que aparecía la primera grabación de Colin Davis se ofrecía la ópera en la RAI de Roma, Casandra fue interpetada por Marilyn Horne bajo la dirección de Georges Prêtre:



El 22 de octubre de 1973 iba a estrenarse Les Troyens en el Met, en el reparto figuraban Christa Ludwig como Dido, Shirley Verret como Casandra, Jon Vickers como Eneas bajo dirección de Rafael Kubelik, pero, ante la indisposición de Ludwig, Verret tuvo que enfrentarse a los dos roles e hizo historia, aunque la proeza ya la había realizado con anterioridad Regine Crespin en el Colón de Buenos Aires en 1964, escuchamos ambas Casandras:





Escuchamos ahora a Deborah Voigt en el Met 2003 bajo dirección de Levine:



Anna Caterina Antonacci en Ginebra 2007 con John Nelson:




Primer aniversario del blog.


Hoy se cumple el primer aniversario del blog. Nunca pensé que pudiera aguantar un año -no he tenido que aguantar nada-, y todavía menos que durante este tiempo fuera capaz de escribir cerca de cuatrocientas entradas.

Me gustaría dar las gracias a todos los que lo seguís, sería un error intentar hacer un agradecimiento exhaustivo, porque no me gustaría dejarme a ninguno y porque no os conozco a todos pues no todos dejáis comentarios, aún así me gustaría dedicar unas palabras a Joaquim.


A Joaquim lo conocí en un foro de ópera. Cuando él llegó yo era de los veteranos y a los pocos meses, como vio lo que en él se cocía, mostró su intención de abandonarlo si no se era más tolerante con las opiniones, y sobre todo con las sensibilidades, de los demás. Yo nunca me había dirigido a él por mensajes privados, pero no me perdía nada de lo que escribía en aquel foro al que tanto quise, en el que tantos momentos agradables pasé -y alguno francamente horrible- y al que tanto eché de menos durante algún tiempo; Joaquim siempre tiene cosas interesantes que decir -el que visita con asiduidad su blog lo sabe- y desde el primer momento me cayó estupendamente, "este hombre tiene que ser un gran tipo", me decía yo mismo. Cuando supe de sus intenciones de abandonar aquel foro le pedí que, por favor, no se fuera, que lo necesitábamos porque el pensamiento plasmado en los mesajes del foro se estaba convirtiendo en unidireccional, o al menos eso era lo que a mí me parecía. No sé lo que pensaría, supongo que dudaría de las intenciones de ese tal maac, es lógico que sea así si un desconocido te asalta de buenas a primeras. Al poco tiempo descubrí su blog, hasta entonces nunca había prestado atención a esto que llaman la blogosfera. Cada día, sobre las doce de la noche, hora aproximada en la que Joaquim lo actualizaba, me pasaba por allí para ver qué es lo que contaba. Unos días hablaba de cine, otras de musicales, de conciertos a los que asistía, de cantantes, de su estado de ánimo... No siempre coincidía con mis gustos o mis inquietudes pero la manera de exponer el asunto que fuera siempre resultaba atractiva, al final la visita se convirtió en una costumbre, era como el vaso de leche antes de acostarse, me enganché totalmente.

Por circunstancias que no vienen al caso, o sí vienen, pero que paso de contar, decidí abrir este blog -"será una liberación" me decía Joaquim en el primer y premonitorio comentario que tuvo este blog ¡Cuánta razón tenía!-. Fue "pensat i fet", en cuestión de segundos decidí el título y la temática, el primer título era "Así cantan ellas", después lo abrevié, y versaría fundamentalmente sobre las voces femeninas y la lírica, pero "habrá excepciones", con esto ya tuve en cuenta que de vez en cuando podría desviarme del objeto principal propuesto. Los primeros días no avisé a nadie de la existencia del blog, había nacido por una necesidad natural de expresarme y pretendía lanzar palabras a la red sin un destinatario concreto. Esta situación duró muy poco, tenía la sensación de que escribía sobre un muro, esperando la mano de nieve que igual nunca iba a llegar, al final decidí abrir la caja y que fuera lo que Dios quisiera, fue el 27 de diciembre de 2007. Recuerdo con simpatía las reacciones de muchos de vosotros cuando conocisteis la noticia. Tenía un referente a seguir: In Fernem Land, el estupendo blog de Joaquim. Reconozco que In Fernem Land ha sido mi modelo, yo he intentado que Cantan ellas tenga su propia personalidad, no sé si lo habré conseguido.

Decía arriba que no quería citar a todos por miedo a dejarme a alguno, pero... ¡qué c*ñ*! lo voy a hacer:

También quiero que esta entrada sea un homenaje a Assai, mi primera amistad blogera , una inteligente y bellísima persona, que se ha convertido en un ser de carne y hueso, y a Manolo también, claro que sí, sólo por haberme dado la posibilidad de conocerlos ha valido la pena.

A Golaud, que es, por encima de todo, un gran amigo, me lo ha demostrado en más de una ocasión, y tiene una sensibilidad especial para entender la música y sus intérpretes, de él aprendo un montón, sabe como veinte veces más de lo que, con su humildad, muestra, pero eso, comparado con su calidad como persona, no es nada.

No puedo olvidar tampoco a Alfredo, tropezar con él y su blog, con su particular sensibilidad, fue todo un descubrimiento.

A la entrañable Lola, estar a su lado es inundarse de paz.

A Colbran, amigo de Joaquim, que no sé si lee el blog pero gracias a aquél lo he conocido, una persona entrañable y sencilla a la que siempre es un placer escuchar, sabe como pocos, un encanto; y al resto de amigos que he conocido gracias a Joaquim: el trío de villazonistas -aunque a dos de ellas ya las conocía virtualmente a través del citado foro de ópera, "més lluny heu d'anar més lluny", recordaba Teresa hace aproximadamente un año-, Amfortas, Pilar, Dandini; a Barbebleue, que siempre ha sabido mantener el equilibrio perfecto sin dejar de dar su opinión, a Hariclea, a Raquel y a los amigos que siempre han estado conmigo,aunque algunos de ellos no visiten muy frecuentemente el blog: Álvaro, Carmina, Andrés, Marian, Patricia, Pablo, Esteban, son las personas que tengo más cerca y las palabras se me quedan cortas para expresar lo que siento por ellos. Afortunadamente nos vemos con cierta frecuencia.

Por último recordar a las últimas incorporaciones: Maria Teresa, Nibelungo, Tuca, Benigno y a las personas que han pasado por aquí y han dejado su granito de arena, por pequeño que fuera. También a los que visitan el blog con cierta asiduidad aunque no escriban, como Juanvi.
Saber que alguien podía estar pendiente de lo que contaba ha sido un gran aliciente para seguir adelante.

Después del verano me planteé dejar el blog, el tiempo, que todo lo cura, había obrado en consecuencia, además, no me sentía capacitado para seguir, tengo una familia a la que le robo tiempo, requiere mucho esfuerzo y más conocimientos de los que tengo. Entonces, Assai, movió un resorte y apareció Joaquim para darme un cachete. Reaccioné. Me propuse que disminuiría el ritmo, daba igual si tardaba una semana en realizar cada nueva entrada, había que seguir. Pero nada de eso, las entradas se fueron sucediendo al mismo ritmo y de manera espontánea hasta hoy.

He olvidado cosas odiosas pero, como Benedetti, pienso que el olvido, "ese gran simulacro repleto de fantasmas", está lleno de memoria. Este tema, que a veces aparecía en clave, enigmáticamente o entre líneas -seguro que muchos ni siquiera sabéis de su existencia- ha sido un motivo conductor del blog durante todo el año, y hoy no podía ser una excepción... ese final de Fidelio que sabía algún día aparecería, y vaya si lo hizo... No creáis que ha aparecido por gusto, ha surgido siempre como una necesidad. Pero, hoy todo es distinto, hablo desde el recuerdo.

Y por último, me felicito a mí mismo por haber tenido la suerte de encontrar este huequecito desde el que muestro lo que me gusta. Con todos vosotros ha ido transcurriendo este año y espero que sean muchos más, estar a la altura y no defraudaros.

Ahora ha llegado el momento de escoger un fragmento ilustrativo de la entrada, confieso que me ha costado bastante hacerlo, al final no he sido muy original pero el momento elegido se adapta muy bien a lo que pretendo. Inauguraba el blog con una serie de entradas sobre Elisabeth Schwarzkopf, la primera soprano que identifiqué vocalmente y que, aunque evidentemente pertenecía a una generación distinta a la mía, la seguí desde mis inicios, aunque sólo fuera en las estanterías de los grandes almacenes de mi ciudad. Recuerdo que iba adquiriendo las óperas en función de las sopranos que las cantaban, las primeras fueron fundamentalmente tres: Schwarzkopf, Caballé y De los Ángeles, con el tiempo llegarían muchas más. Lo cierto es que siguiendo esta técnica no inicié una mala colección: todos los Mozart con Schwarzkopf (Don Giovanni y Le nozze de Giulini, Così de Karajan), algunos Verdis de Caballé (La Traviata con Bergonzi, Don Carlo de Giulini), también algún Donizetti (Lucrezia Borgia) y Bellini (Norma), los Puccinis de Victoria (Madama Butterfly con Di Stefano, La Bohème de Beecham), también el Faust de Gounod junto a Gedda... De los Ángeles y sobre todo Schwarzkopf además consiguieron que, desde el principio, me aficionara al lied. Como cada vez que veía un disco de alguna de las tres citadas lo compraba, fuera lo que fuera, comencé a escuchar a Wolf, a Schubert, a R. Strauss, a Schumann... Corto el rollo porque me parece que hoy me he pasado tres pueblos, me ha salido una entrada kilométrica.
Es oportuno que para celebrar el primer aniversario vuelva Schwarzkopf y lo hará con Gerald Moore al piano, interpretando un lied de Schubert, con texto de von Schober, que lo dice todo:



An die Musik




Du holde Kunst, in wieviel grauen Stunden,
Wo mich des Lebens wilder Kreis umstrickt,
Hast du mein Herz zu warmer Lieb' entzunden,
Hast mich in eine bess're Welt entrückt!

Oft hat ein Seufzer, deiner Harf' entflossen,
Ein süsser, heiliger, Akkord von dir
Den Himmel bess'rer Zeiten mir erschlossen,
Du holde Kunst, ich danke dir dafür!

***

¡Oh, arte benévolo, en cuántas horas sombrías,
cuando me atenaza el círculo feroz de la vida,
has inflamado mi corazón con un cálido amor,
me has conducido hacia un mundo mejor!

Con frecuencia se ha escapado un suspiro de tu arpa,
un dulce y sagrado acorde tuyo
me ha abierto el cielo de tiempos mejores.
¡Oh, arte benévolo, te doy las gracias por ello!

viernes, 19 de diciembre de 2008

L'Arbore di Diana ya está aquí


Pues sí, el domingo estrenarán la ópera de Martín i Soler. Me hubiera gustado elaborar una guía de audición pero me ha sido imposible hacerme con alguna grabación, es una ópera que, salvo la obertura y un par de arias, no se ha grabado. Os dejo un enlace a una noticia y un vídeo. Con no sé cuánto tiempo de retraso por fin veremos funcionar la sala del Teatro Martín i Soler --anexa al edificio principal del Palau de Les Arts-- como recinto dedicado a la ópera "de cámara", que para eso fue concebido.

En la enlace a la noticia se da explicación a algo que nunca he entendido: ¿Cómo es que en menos de un año en Valencia, por un lado y en coproducción entre el Teatro Real y Liceu, por otro, se estrenan dos nuevas producciones de una ópera que no está asentada en el repertorio? Con explicación y todo, sigo pensando lo mismo: Podrían haberse dedicado los esfuerzos en dos producciones distintas del mismo autor. Lo que se va a hacer me parece que es tirar el $$$.

Dos cosas positivas:
- La presencia en los principales papeles de cantantes valencianos de reputada solvencia, comenzando, por supuesto, por Ofelia Sala.
- La dirección de escena de Daniel Slater, si está al nivel de Esponsales en el Monasterio, una de las mejores puestas -procedente de Glyndebourne- que hemos visto en la Sala Principal del Palau de Les Arts, será extraordinaria.

http://www.elmundo.es/elmundo/2008/12/18/valencia/1229630089.html



El argumento lo podéis encontrar AQUÍ.

Iphigénie en Tauride en Les Arts

Como viene siendo habitual, la información sobre Iphigénie en Tauride colocada en la barra lateral desaparece de ésta y pasa a formar parte de una entrada:

IPHIGÉNIE EN TAURIDE


Fotografía de la producción en el Met 2007



Ópera en 4 actos de CHRISTOPH WILLIBALD GLUCK
Libreto de François Guillard
Estrenada el 18 de mayo de 1779 en París.

3,9,13,15,18 DICIEMBRE

Producción del Metropolitan de N.Y.
Dir. escena: Stephen Wadsworth

Violeta Urmana (Iphigénie)
Plácido Domingo (Oreste)
Ismael Jordi (Pylade)
Riccardo Zanella (Thoas)
Amparo Navarro (Diana)

Cr. de la Generalitat Valenciana
Orquesta de la Comunitat Valenciana
Dir.: Patrick Fournillier

- El libreto en la página de Karadar

- GUÍA DE AUDICIÓN AL ESTILO DE MAAC:

Acto 1 - Escena Primera
Acto 1 - Escenas Segunda a Sexta
Acto 2
Acto 3
Acto 4


- Un artículo en LNE sobre la discografía de la ópera

- Críticas sobre las representaciones:

En El blog de Titus

En Ya nos queda un día menos

- Las impresiones de maac

- DESCARGA AQUÍ LA ÓPERA COMPLETA:

GLUCK - IPHIGÈNIE EN TAURIDE
(ROH, Convent Garden, septiembre 2007)

Susan Graham
(Iphigénie),
Simon Keenlyside
(Oreste),
Paul Groves
(Pylade),

Clive Bayley (Thoas), Gail Pearson (Primera sacerdotisa, Una mujer griega), Claire Wild (segunda sacerdotisa), Cecile van der Sant (Diane), Jacques Imbrailo (Un escita), Krzystof Szumanski (Un ministro).

Coros de la Royal Opera House, Covent Garden, The Orchestra of The Age of Enlightenment -
Director: IVOR BOLTON



miércoles, 17 de diciembre de 2008

Un talento y una técnica.


Maria Callas junto a Elvira de Hidalgo



Elvira Juana Rodríguez Roglán había nacido en Valderrobles (Teruel) un 28 de diciembre de 1891, estudió en Barcelona y posteriormente en Milán, debutando en el Teatro San Carlo de Näpoles como Rosina (El Barbero de Sevilla) a los 17 años. Fue una gran soprano de coloratura que destacó en el más puro repertorio del belcantismo decimonónico (Rossini, Donizetti y Bellini + Gilda de Verdi). Cantó en los principales teatros de la época: La Scala, el Met, el Covent Garden... Su nombre artístico: Elvira de Hidalgo. Ésta, retirada de los escenarios, se había quedado retenida en Atenas a causa del estallido de la Segunda Guerra Mundial, allí se dedicó a lo que mejor sabía hacer en ese momento, la enseñanza del canto.

Maria Callas, aunque nacida en Estados Unidos en 1923, procedía de una familia de emigrantes griegos con un apellido de origen, Kalogeropoulous, bastante complicado de pronunciar, el padre, George Kalogeropoulous, licenciado en Farmacia por la Universidad de Atenas, que cambió su apellido por el de Callas, se había establecido como boticario en Nueva York pero tras la crisis del 29 se vio obligado a vender su farmacia. La madre, Evangelis Dimitriadu, muy aficionada a la lírica se empeñó desde el primer momento en que sus hijos tuvieran una formación musical. Maria ya estaba en el vientre de la madre cuando partieron de Grecia rumbo a Estados Unidos. No parece que el matrimonio Kalogeropoulous funcionara muy bien, en 1937 se rompe y la madre de Maria regresa a Grecia con ésta y con Jackie,su hermana mayor. Al poco tiempo la pequeña Maria Kalogeropoulous -recuperaría de nuevo la mutación de su apellido por Callas años más tarde- es matriculada en el Conservatorio de Atenas, para lo que había sido necesario falsificar en más de dos años su edad, en Nueva York ya había recibido lecciones piano y se había aficionado al canto, de hecho había obtenido premios en concursos menores. Entre 1937 y 1939 recibe lecciones de Maria Trivella.

En 1939 Elvira de Hidalgo conoce a la jovencita Callas, a partir de entonces sería su profesora de canto durante cinco años.

«Resultaba jocoso pensar que aquella chica quisiera ser cantante. Era alta, muy gorda y llevaba unas gruesas gafas. Cuando se las quitaba, miraba con unos ojos enormes pero vagos que daban la impresión de no ver nada. Todos sus movimientos eran torpes. Llevaba un vestido demasiado holgado, abrochado adelante, y sin ninguna forma. No sabía qué hacer con las manos y se mordía las uñas mientras esperaba el turno para cantar... Emitía unas cascadas de sonido, no controladas del todo todavía, pero cargadas de dramatismo y emoción. Escuché con los ojos cerrados e imaginé el placer que sería trabajar con tal material y moldearlo a la perfección» (Elvira de Hidalgo).

«Yo era como el atleta al que le gusta ejercitar y desarrollar su musculatura, como el niño que corre y siente las fuerzas crecer en él, como la muchacha que baila y nota surgir en ella la danza mientras aprende. Asistía a sus clases particulares desde la mañana hasta la noche. Empezábamos a las diez de la mañana, parábamos para almorzar, generalmente un bocadillo, y proseguiríamos hasta las ocho de la noche. Para mí era impensable volver a casa, simplemente no hubiera sabido qué hacer allí» (Maria Callas).

De la conjunción de un talento y una técnica surgió el milagro. Al morir Callas, entre los escasos retratos que se encontraron en su apartamento figuraba el de la aragonesa Elvira de Hidalgo.

Ahora escucharemos a la maestra y a su alumna:



El mismo cielo y la misma tierra.

"Porque las regiones no terminan de golpe, que yo sepa, sino que se funden insensiblemente unas con otras".



"...no acabo de ver cómo puedo hablar de las características propias de mi región, pues nunca salí de ella. No, nunca me evadí, e incluso ignoraba los límites de mi región. Me parecían bastante lejanos. Pero esta creencia no estaba basada en ningún fundamento serio, era simplemente una creencia. Porque si los límites de nuestra región estuvieran al alcance de mis pasos, creo que una especie de degradación me lo haría hecho presentir. Porque las regiones no terminan de golpe, que yo sepa, sino que se funden insensiblemente unas con otras. Y nunca advertí nada parecido a esto. Sino que, por más lejos que haya ido, en un sentido o en otro, he encontrado siempre el mismo cielo y la misma tierra, exactamente, día tras día y noche tras noche. Por otra parte, si las regiones se funden insensiblemente unas con otras, lo que está por demostrar, es posible que muchas veces haya salido de mi región creyendo seguir en ella..." (Samuel Beckett. Molloy).


martes, 16 de diciembre de 2008

Malheureuse Iphigénie

Sí, malheureuse. Antes de comenzar la función sonó la megafonía, un vuelco me dio el corazón, me temía lo peor, al final parecía que no iba a ser para tanto: Violeta Urmana estaba indispuesta pero, a pesar de ello, iba a cantar, por ello el Palau de Les Arts le daba las gracias. No es la primera vez que me encuentro con esta situación: durante la temporada pasada --creo que fue en la Gala Puccini de Les Arts, ya que, también ofreció un recital Puccini en el Palau de la Música -- se anunció lo mismo y salí del concierto diciendo: "menos mal que estaba indispuesta porque si llega a estar bien ni te cuento". Y aunque Iphigénie es una ópera de soprano pensaba que la Urmana, a la que creía sobrehUrmana, iba a poder con todo.

Hoy la he encontrado reservona pero muy bien en líneas generales, cuando un cantante no está en buenas condiciones tampoco se le va a exigir que eche el resto. El problema ha empezado a ser grave en el inicio del cuarto acto, concretamente en el aria Je t'implore et je tremble, ô Déesse implacable! La pobre Urmana lo ha pasado francamente mal, le ha costado terminar, y se ha saltado alguna que otra frase, incluso Domingo le ha dado la mano para animarla, una vez que ha terminado el aria, como ha podido, ha salido del escenario y ha sido sustituida por otra cantante cuyo nombre desconozco. Muy mal se ha debido encontrar Urmana para abandonar puesto que prácticamente ya estaba todo el pescado vendido. Gran parte del público ni se ha dado cuenta de lo sucedido, al salir a saludar la cover la han aplaudido como a una diva, y no lo ha hecho nada mal pero es que lo que quedaba era ya muy fácil, ciertamente se merecía un gran aplauso pero la ovación ha sido excesiva. Después ha salido Urmana y muchos no entendían por qué repetía, la ovación se ha duplicado. Qué gran cantante es esta mujer y qué pena me ha dado verla sufrir.
Plácido Domingo ha hecho un gran Orestes pero pienso que un cantante de sonidos más baritonales contrasta más con Pílades y es siempre preferible, me gustaría escuchárselo a Furio Zanasi, igual digo una barbaridad pero creo que, por su color, es un tipo de voz a la que le iría muy bien a este papel fronterizo entre las cuerdas de barítono y tenor. Adaptaciones del rol de Orestes para cuerda de tenor creo que sólo existe la que realizó el propio Gluck para su estreno en Viena en alemán. A pesar de lo dicho, tener a Domingo sobre el escenario con casi setenta años y exhibiendo esa hermosura de voz, esa musicalidad y ese talento dramático es todo un lujo y yo repetiría una y mil veces sin dudarlo, de hecho pienso hacerlo. Este hombre ha hecho un pacto con el Diablo porque lo suyo es increíble. Su técnica puede ser más o menos discutible, no entro en ese juego, será lo que sea, pero ahí lo tienes con un timbre que es digno de envidia.
Ismael Jordi me ha sorprendido positivamente, me ha emocionado en su aria del segundo acto, "Unis dès la plus tendre enfance". Sabía que tenía un timbre muy fresco, atractivo como pocos, y mucha musicalidad, pero no sospechaba que pudiera cantar con la exquisitez con la que lo ha hecho hoy, y qué bien le ha corrido la voz. Ruego a los dioses que no lo aparten del buen camino y no cometa locuras en el futuro, podría ser peligroso.
No me extiendo más, Titus hizo una excelente crónica así que, como yo no lo haría mejor, os quedáis con mis impresiones, mi torpe prosa, y me remito al blog de Titus.

Os dejo unas grabaciones de hoy mismo:



Frases célebres recién horneadas.


"Termino la función con el culo y todo mojado pero a fin de cuentas nadie pregunta la opinión al cantante. Se supone que no es lo importante." Karita Mattila.

Entrevista completa en www.abc.es.

"Una orquesta es como una salsa, donde no bastan sólo buenos ingredientes." Patrick Fournillier. En www.abc.es

Os dejo dos fragmentos de la Manon Lescaut de Mattila ofrecida a principios de año en el Met, le acompaña Marcello Giordani, el que ya se le ha resistido dos veces a Les Arts -Don Carlo y Calaf- como Des Grieux. Hace unos días traía la de Freni, mucho más afín al universo pucciniano:

  • Un"In quelle trine morbide" casi straussiano:
  • "Sola, perduta, abbandonata", una interpretación con la carga justa de patetismo:

lunes, 15 de diciembre de 2008

Home for Christmas


Hoy me tenéis contento, propongo en la entrada anterior que elegir vuestra versión preferida de cuatro y, tras un domingo en familia, al llegar a casa me encuentro que el número de respuestas ha sido cero patatero. Quizás debí elegir solamente dos versiones, o quizás no hay grandes diferencias entre las propuestas, no sé qué es lo que habrá pasado porque se me ha ocurrido mirar las estadísticas del blog y he comprobado que precisamente este domingo he batido todos los récords de visitas, este hecho ha conseguido, en última instancia, levantarme la moral -no estoy dando golpes contra la pared- y darme ánimos para no ir a la cama sin entrada nueva. La Navidad está ahí al lado, ya se han encargado de recordárnoslo los Mercadonas desde hace semanas. Me pregunto qué es la Navidad para maac y apenas encuentro respuestas.
No es nada. Una fecha en el calendario como otra cualquiera. No tiene para mí ningún significado religioso. Tengo la suerte de que siempre tengo a la familia cerca, no es entonces la Navidad una excusa para reunirme con ellos. Pero el maac de hoy no es el de hace unos pocos años, la paternidad lo ha cambiado y se encuentra en la disyuntiva de elegir si ir contra corriente, que es lo que desde los veinte años ha venido haciendo, o si, por el contrario, dejarse llevar por las costumbres sociales e inculcar en los hijos una idea en la que no cree. No me parece adecuado que los padres intervengamos en el desarrollo de los hijos mediante la imposición de ideas o criterios , que pueden estar muy bien fundamentados, pero que difícilmente serían capaces de entender hasta no alcanzar cierta madurez. No podemos crear una burbuja protectora sobre los hijos; lo mejor es que no haya grandes distorsiones entre lo que los niños ven hacer en el colegio, a sus amigos o en la calle, y lo que se hace en casa. Cuando era niño también yo fui feliz en Navidad. Difícil tarea la de ser padre.

Ahora tendría que poner alguna canción navideña. Odio los discos que salen por, y sobre la , Navidad. Pero al menos hay uno que me tiene fascinado. Lo sacó Anne Sofie von Otter hace casi una decena de años, se titula Home for Christmas, en él aparece una preciosa canción tradicional sueca en el idioma original y en inglés, Koppången.





Koppangen ("Holy Night")

There is silence around me
in the peaceful winter night
From the church down in the valley
I can see the candlelight.
And I stopped for a moment
in this winter paradise,
when I heard a choir singing
through the darknes and the ice.
And the rays from the lights behind
the window's vaulted frames
have united the souls in hope
that something great is waiting.
And I know that those who have left us here
had the same thoughts as I.
We're like flames in the darkness
and stars up in the sky.
And I can see how they sparkle,
and they fade before my eyes.
adn the truth is coming closer
like a wonder in disguise.
We are caught here for a moment
like an imprint of a hand
on an old and frosted window
or a footprint in the sand.
For a while I'm eternal-
that's the only thing I know,
I am here and we share our dreams about our destination
It is cold out here, the snow is white
but I am warm deep inside,
I am warm 'cause I know that
my faith will be my guide.
Now there is silence around me,
I have heard those words again
in a hymn of grace and glory,
saying: nothing is in vain!
I can sing- and I believe it,
let the message reach the sky.
Oh silent night,
let your promise never die!
And I long for the others,
it is peaceful in the church.
He was born for a purpose,
and that's why we're here toghether.
Holy night, I feel like a child inside,
and believe he was sent.
So I'm lighting a candle
each Sunday in Advent.



El disco completo lo podéis descargar AQUÍ.