- ASTRID VARNAY, que concursaba bajo el número 10 y obtuvo 2 VOTOS. Varnay cantó tanto el papel de Elisabeth -en 22 ocasiones desde 1942- como el de Venus -en 9 ocasiones desde 1947-, no es nada comparado con las 336 veces que cantó alguna de las tres Brünnhildes o las ciento y pico que cantó Isolda. No me parece que Varnay, cantante con la que ya he dicho en más de una ocasión que no puedo ser objetivo, tuviera el timbre ideal para encarnar a la pobre Elisabeth pero estoy seguro que con su capacidad de transmitir emociones debía impactar en escena y ofrecer una Elisabeth, además de bien cantada -recuerdo haber leído en su autobiografía que en una ocasión eligió "Dich teure Halle" para cantar una audición en la que obtuvo buenos resultados-, muy creíble.
- y de WALTRAUD MEIER, que lo hacía bajo el 13 y obtuvo 3 VOTOS. Meier nunca ha cantado Elisabeth en escena, su "Dich teure Halle" proviene de una de sus grabaciones comerciales, un recital para RCA dedicado a Wagner con la Orquesta Sifónica de la Radio de Baviera y dirección de Lorin Maazel que apareció en el mercado en 1997 en el que también canta, además de Kundry e Isolda otros fragmentos que no ha llevado nunca a la escena como la Inmolación de Brünnhilde. Lo que sí ha sido es la Venus de referencia en las dos últimas décadas, si no conocéis el DVD de Tannhäuser grabado en Munich en 1995 con dirección escénica de David Alden y musical de Zubin Mehta, en el que Meier, que aparece con una estética al estilo de la Gilda de Rita Hayworth, encarna una Venus de antología os recomiendo que os hagáis con él. En todo caso se puede encontrar en Youtube.
Por lo que pasa a la siguiente fase la número 18 con 9 VOTOS, parece que lo tenemos claro. Las tres siguientes son la 19, la 24 y la 25:
Pasa a los cuartos de final la cantante número 3 con 7 VOTOS.
La eliminadas han sido: KIRSTEN FLAGSTAD (nùm. 5) y ADRIANNE PIECZONKA (núm. 8)
Con sólo 1 VOTO la cantante núm. 5, la noruega KIRSTEN FLAGSTAD (1895-1962) en una grabación de 1935 ha quedado elimnada. Respecto a la afirmación de que su canto sea anticuado debo decir que no estoy de acuerdo, basta escuchar su magnífica plegaria para darse cuenta de que el estilo no ha envejecido un ápice, por no hablar de su Isolda o de Fricka grabadas en estudio en excelentes condiciones técnicas con Furtwängler y Solti respectivamente, que aguantan el paso del tiempo estupendamente; una vez más diré que no hay que confundir grabación antigua con canto anticuado. Es cierto que su timbre, tan majestuoso y redondo en la zona media y grave, puede resultar excesivo para el carácter tan infantil e ingenuo de la delicada Elisabeth, incluso que en la zona aguda es demasiado ácido o seco pero nada de eso tiene que ver con el estilo de canto, son características de la cantante y no fruto de los gustos de los años treinta. Yo, aunque soy partidario de una Elisabeth más lírica y etérea -y Flagstad, a su manera, lo era, pero no en el sentido de angelical-, estoy convencido de que es la grabación la que no hace le hace justicia.
Con 5 VOTOS la segunda eliminada ha sido ADRIANNE PIECZONKA, participaba como cantante número 8, una soprano lírica canadiense de timbre muy atractivo y luminoso, ideal para Elisabeth; nacida en 1963, debutó en Canadá con Lady Macbeth de Mzensk en 1988, los tres pilares son Verdi(Desdemona, Alice Ford, Elisabetta), Wagner (Elsa, Eva, Freia, Elisabeth y Sieglinde) y R. Strauss (Arabella, Condesa de Capriccio, Ariadne y Mariscala), pero que también canta Mozart (Condesa de Las bodas, Donna Elvira, Donna Ana y Fiordiligi), Puccini (Tosca, Suor Angelica, Liù y Mimì), Janacek, Britten o Tchaikovsy. Se pasea habitualmente por los más importantes centros operísticos internacionales y es, sin duda, una de las mejores Elisabeth de la actualiad. Sus próximos compromisos son Tosca en Hamburgo y Berlín, Amelia (debut en el papel) en el Met, Elsa en Houston, Ariadne y Arabella en Viena, la Emperatriz (debut en el papel) en Florencia. Su Ariadne causó sensación en Bilbao en la temporada 2008-2009.
Vamos con las 3 siguientes, antes de nada me gustaría recordar a los que conocen las voces que no estamos valorando la interpretación del rol completo, en ese caso hubiera colocado también, por lo menos, la plegaria, sino que sólo valoramos el aria.
Hoy comienzo la Segunda Fase de la Liguilla en Wartburg, al final he decidido no alargar el descanso, y es que tengo mono de más "Dichteurehalles". El primer enfrentamiento será entre las cantantes números 3, 5 y 8. Ya veréis como ahora las decisiones ya no van a ser tan fáciles. Pero antes me gustaría contar algunas cosas que he encontrado en Wikipedia sobre el Castillo de Wartburg:
El Castillo deWartburg está situado al sudoeste de Eisenach, en el estado de Turingia (Alemania), al borde de un precipicio de 410 metros y es Patrimonio de la Humanidad desde 1999. Fue fundado en el siglo XI, siendo la sede de los landgraves de Turingia hasta mediados del siglo XV. Aproximadamente en el año 1207 se convirtió en el lugar en el que se celebraba el Sängerkrieg, concurso de trovadores en el que participaron Minnesänger como Walther von der Vogelweide, Wolfram von Eschenbach, Albrecht von Halberstadt y muchos otros. Este concurso fue tratado como licencia poética en "Tannhäuser". Además, al Castillo de Wartburg fue enviada a los cuatro años Santa Isabel de Hungría (1207-1231), quien vivió allí, prometida al primogénito del landgrave, desde 1211 hasta 1228, con quien se casó en 1221, por lo que Isabel no murió virgen, sino viuda -al haber fallecido su marido camino de la Sexta Cruzada- y con sólo 24 años.
Es muy fácil hacer una entrada sobre Les Troyens o sobre Król Roger, son óperas no muy frecuentes y desconocidas para el gran público. Por el contrario, decir algo nuevo sobre Madama Butterfly es muchísimo más difícil, se ha escrito tanto sobre ella que parece que no se puede decir nada nuevo. El caso es que por segunda vez el teatro de Les Arts ha programado esta célebre ópera de Puccini, menos mal que ha cambiado de producción.
Esta vez no será la célebre y ochentera producción de La Scala, sino la del Teatro Wielki con dirección escénica de Mariusz Trelin´ski -las fotos de esta entrada pertenecen a la producción del Wielki-. Si no recuerdo mal fue Plácido Domingo el que se la recomendó a la Sra. Schmidt, lo cual uno nunca sabe si es bueno o malo, en principio, y a juzgar por las fotos, todo lleva a pensar que será bueno. Los cantantes, para mí, son una incógnita: Oksana Dyka (Cio-Cio-San), Misha Didyk / Demos Flemotomos (Pinkerton), Marianna Pizzolato (Suzuki), Emilio Sanchez (Goro). Menos mal que, una vez más, está San Youtube para socorrernos.
OKSANA DYKA, nuestra Butterfly -que no es la de la foto-, es una joven cantante ucraniana que se graduó en el conservatorio de Kiev en 2004. Ha cantando en la Arena de Verona, en Bolonia, en Roma, en Génova, en Frankfurt y tiene tres compromisos que son auténticas pruebas de fuego: Attila en San Francisco, Eugene Onegin en Los Ángeles y,Nabucco en La Scala. Alternará sus funciones interpetando a Cio-Cio-San en Valencia con Aida en Salerno, para que no se diga que la chica no es atrevida. La podéis escuchar en Youtube haciendo clic en el siguiente enlace: http://www.youtube.com/watch?v=buve_og8A8g .
MISHA DIDYK, nuestro Pinkerton, también es joven y ucraniano. Otra incógnita que podéis despejar en Youtube, quizás os suene porque fue Ruggero en La Rondine que cantó Angela Gheorghiu en San Francisco: http://www.youtube.com/watch?v=jVVp7M6A_Gw . También ha cantando Alexeï de El Jugador (Prokofiev)en La Scala y en Berlín bajo la dirección de Barenboim. Ambas óperas se han comercializado en DVD. Más información y la posibilidad de escuchar al tenor en algunos fragmentos en su página web: http://www.mishadidyk.com .
DEMOS FLEMOTOMOS, nuestro segundo Pinkerton, es un tenor griego que obtuvo el Segundo Premio, el Premio del Público y el Premio de intérprete masculino de Zarzuela en Operalia 2009. No he encontrado audios.
Comenzaba esta entrada diciendo que es difícil decir algo nuevo y original sobre Madama Butterfly , pues bien, para seguir en la misma tónica os propongo el dúo del primer acto en la clásica versión de Karajan con Mirella Freni y Luciano Pavarotti, una orgía sonora de principio a fin, no es mi versión de cabecera pero hay que reconocer que con una materia prima de primera calidad y un equipo de producción a su altura consiguieron una grabación técnicamente impecable.
Para mí, Madama Butterfly es una ópera que me cae bien, no va suponer ningún trauma repetir en tan poco espacio de tiempo y la prefiero mil veces a La Bohème, ópera que, egoístamente, espero la consideren gafe en el Palau de les Arts, porque fue la que estaban representando cuando se hundió la plataforma escénica. Aunque podría soportarla unas cuantas veces, no me importa decir: vade retro, La bohème.
Eso sí, antes de finalizar este post me gustaría decirle a Doña Helga que hay vida más allá de La bohème, Butterfly y Turandot. Por ejemplo, están Manon Lescaut, Tosca… Y está Tosca. Sí,sí, Tosca. Sra. Schmidt, no se olvide de que está Tosca. Y Manon Lescaut, por supuesto. Tosca y Manon Lescaut. Manon Lescaut y Tosca.
Hoy finaliza la casi interminable primera fase de la Liguilla en el Castillo de Wartburg, las eliminadas han sido:
- Cantante 61: EVA TURNER (0 VOTOS)
- Cantante 62: GERMAINE LUBIN(5 VOTOS)
- Cantante 63: JOAN SUTHERLAND (0 VOTOS)
Sigue adelante la cantante 64 con 6 VOTOS, la verdad es que mi preferida era la 62, pero la 64 tampoco está mal, tampoco es su mejor grabación, igual para la segunda fase la cambio. Respecto a la 61 hoy me he dado cuenta de que está incompleta, si lo hubiera sabido antes la hubiera cambiado.
Ahora tendremos unos días de descanso para cargar las pilas y así poder volver a la liguilla con renovadas fuerzas.
Para terminar con la primera fase de la liguilla hoy propongo una edición especial, se trata de versiones cantandas en idioma no original, hubo un tiempo en que en muchos lugares se cantaba Tannhäuser así y algunas intérpretes de Elisabeth llegaron a ser tan famosas como las que lo hacían en el original alemán, o incluso más.
Pero antes vamos a escuchar una versión que participa fuera de concurso, se trata de la de ELLEN GULBRANSON (1863-1947), una soprano sueca que, según Wikipedia, fue figura destacada en la segunda generación de cantantes de Bayeuth. Gulbranson estudió en el Conservatorio de Estocolmo y en París como mezzo, después cambió a la cuerda de soprano. Debutó en 1889 cantando Amneris en Estocolmo, allí también cantó Brünnhilde y Ortud. En 1896 debutó en el Festival de Bayreuth alternando el papel de Brünnhilde con Lilli Lehmann. Cantó asiduamente en el festival hasta 1914, retirándose de los escenarios al año siguiente.
En cuanto a los resultados del último enfrentamiento me llevo un medio disgusto, y digo medio porque cualquiera de las tres sopranos hubiera merecido pasar, no debí haberlas colocado juntas, ya lo sé, pero entre que hubo algunas que me costó encontrar y que se me cruzaron los cables se me quedaron para la tanda final, una pena. Una de las eliminadas es la cantante bosnia (antes yugoslava) SENA JURINAC y la otra, la legendaria MARIA JERITZA, pasa a la siguiente fase la cantante número 59 (11 VOTOS).
SENA JURINAC, era la cantante número 58 (1 VOTO). Nacida en Travnik en 1921. Estudió en el conservatorio de Zagreb, debutando como Mimì en el teatro de ópera de esta ciudad, allí también canto Marenka de “La novia vendida”. En 1944 fue contratada por Karl Böhm para cantar en la Ópera de Viena debutando en 1945 en lo que fue la primera representación de una ópera en la ciudad después de la guerra, Jurinac interpretaba el personaje de Cherubino y obtuvo un gran éxito. Por aquellos años también interpretó a Marzelline, Mimì, Micaela, Manon y Oktavian. Permanecería vinculada a la Ópera de Viena hasta 1982. En 1947 debutó en el Covent Garden. En 1948 canta Dorabella en el Festival de Edimburgo
En 1949 debuta Eva de “Los maestros cantores” en Viena. En 1950 canta por primera vez Fiordiligi en Glyndebourne. En 1951 canta Illia (“Idomeneo”) en Glyndebourne,
En 1952 canta su primera Donna Elvira (Viena). En 1953 Famine (Viena) y el Compositor (“Ariadne auf Naxos”) en Glyndebourne. Ese mismo año se casó con el fantástico barítono Sesto Bruscantini, el matrimonio acabaría en divorcio. En 1955 debutó la Condesa de “Las bodas” en Glyndebourne. En 1956 debutó Fiordiligi, otra vez en Glyndebourne y fue Leonora de “La forza del destino” en el Festival de Edimburgo. En 1957 cantó Eva en el Festival de Bayreuth y debutó Cio-Cio-San en la Ópera de Viena. En 1958 introdujo en su repertorio el papel de Desdemona, que cantó por primera vez en la Ópera de Viena, y el de Elisabetta de “Don Carlos” en el Festival de Salzburgo bajo la dirección de Karajan. En 1961 fue el turno de Tatiana (Eugene Onegin) y Leonore (“Fidelio”) con Jon Vickers como Florestan, Hans Hotter como Pizarro y la dirección de Klemperer. En 1963 fue Poppea en Viena. En 1965, Marina en el Festival de Salzburgo. En 1966 debutó el papel de la Mariscala bajo la dirección de Klemperer en el Covent Garden. En 1970 fue Marie de “Wozzeck” en Hamburgo. En 1980 es Kostelnika en Viena. En 1981 realizó su recital de despedida en Londres.
“Su luminoso y cálido timbre de soprano lírica, su soberbio fraseo y su innato sentido musical la convierten en una enorme artista tan apreciada en escena como a través de discos” (Diccionario de intérpretes de Alain Pâris). Fue una soprano de emotiva y sincera comunicación cuyo momento álgido coincidió con los años cincuenta del siglo XX.
La mítica MARIA JERITZA (1887-1982), cantante núm. 60 (5 VOTOS), fue una soprano nacida en Brno asociada con la Ópera de Viena desde 1912 hasta 1935 y al Met desde 1921 hasta 1962. Debutó en 1910 interpretando el rol de Elsa de Lohengrin. Soprano favorita de Richard Strauss, participó en los estrenos de “Ariadne auf Naxos” (1912) como Ariadne, “Die Frau ohne Schatten” (1919) como la Emperatriz y Marie en “Die tote Stadt” de Korngold, precisamente interpretando a este personaje debutó en el Met. En este teatro cantó Jenufa (1924), “I gioielli della Madonna” de Wolf-Ferrari, Turandot (1926), “Violanta” de Korngold (1927), Helena Egipcia (1928) de R. Strauss y “Bocaccio” (1931) de von Suppé. También fue interprete destacada de Tosca -dicen que la preferida de Puccini-, Carmen y Thaïs.
Como la eliminatoria 19 está más clara que el agua y para agilizar vamos con el enfrentamiento 20 de la liguilla, es el último a falta de uno especial que tendrá lugar mañana.
Según Wikipedia BERIT LINDHOLM, cantante número 56, que ha obtenido 0 VOTOS, (*18 de octubre de 1934 en Estocolmo) es una soprano dramática sueca, en su momento se la consideró la virtual sucesora de Birgit Nilsson pese a que su carrera internacional fue breve en la década del 1967-1977. Debutó en su ciudad natal en 1963 como la condesa en Las bodas de Figaro y tuvo una carrera internacional jalonada por actuaciones en el Covent Garden, Festival de Bayreuth, San Francisco, Metropolitan Opera, München, Wiener Staatsoper, Barcelona, Moscú, etc. Se destacó en óperas de Richard Wagner, Richard Strauss y Hector Berlioz del que grabó la parte de Casandra en la primera versión integral registrada en estudio de Les Troyens dirigida por Colin Davis en 1969. Cantó Tosca y Turandot de Puccini, Fidelio de Beethoven, Venus en Tannhäuser en el Festival de Bayreuth de 1967 donde luegó cantó las tres Brünnhilde en El anillo del nibelungo hasta 1973. Fue Isolda en Covent Garden 1973, en Moscu, Estocolmo, Amsterdam y Viena.
En 1975 fue Brunilda en las representaciones de El anillo del nibelungo en el Metropolitan Opera dirigida por Sixten Ehrling junto a Birgit Nilsson (Sieglinde), Thomas Stewart, Jon Vickers y Jess Thomas. Las críticas no fueron favorables y fueron sus únicas actuaciones en el teatro. Otros papeles que interpretó fueron Kundry, Siglinda (en San Francisco con Birgit Nilsson como Brunilda), La mujer sin sombra (Die Frau ohne Schatten), Salome y los tres papeles principales de Elektra de Richard Strauss: Elektra, Crysotemis y Clitemnestra. Se retiró en 1995.
HELENA DÖSE (1 VOTO) era la cantante número 57, esta cantante sueca estudió en Göteborg y en la ópera de esta ciudad comenzó su carrera profesional debutando en 1971 como Mimì. No me extiendo más.
Sigue adelante la cantante núm. 55 y pasamos a la penúltima confrontación.
De las tres cantantes que competían ayer pasa de ronda la Cantante 54 con 7 VOTOS. Aquí os dejo los audios: la 52 era Rysanek y la 53 Schech.
LEONIE RYSANEK, que participaba bajo el número 52, ha obtenido 2 VOTOS. Nació en Viena un 14 de noviembre de 1926 y allí mismo falleció con 71 años un 7 de marzo de 1998. Estudió en el Conservatorio de su ciudad natal y debutó en Inssbruck en 1949 cantando Agathe. Fue contratada por la Ópera de Sarrebrück donde cantó entre 1950 y 1952 (Arabella, Donna Anna, Tosca, Senta, Sieglinde, Leonora de La forza). Adquirió celebridad a partir de la reapaertura del Festival de Bayreuth de 1951, en el que su Sieglinde causó sensación, lo que le permitió cantar en las Óperas de Baviera (1952) y Viena (1954). Desde 1953 cantó en el Covent Garden (debut con la compañía de la Ópera de Baviera en Danae, Sieglinde en 1955 y posteriormente la Mariscala y Tosca), en San Francisco desde 1957 (Senta) y en el Met - el teatro de su vida (299 representaciones) tras Viena (532 representaciones)- desde 1959 (Rysanek, que estaba en N.Y porque iba a debutar con Aida, fue llamada por Rudolf Bing para interpretar Lady Macbeth en sustitución de Callas). En Bayreuth no sólo cantó Sieglinde, también fue Elsa, Elisabeth, Senta y Kundry, esta última en el centenario de Parsifal (1982). Pero no fue sólo una insigne cantante wagneriana, también destacó interpretando a heroínas verdianas (Amelia, Isabel de Valois, Lady Macbeth –sustituyendo a Callas en el Met-, Desdemona) y sobre todo fue una de las grandes intérpretes de las óperas de Richard Strauss (Emperatriz de Die Frau ohne Schatten, ElenaEgipcia, Danae, Chrysotemis, la Mariscala, Ariadne, Salome, Elektra), no hay que olvidarse tampoco de que fue una gran Leonora en Fidelio –esta ópera siempre se queda descolgada-. Al final de su carrera incorporó roles de carácter como Kostelnika (Jenufa) y la condesa (Dama de Picas), en 1988 fue Sieglinde en versión concierto en el Monumental de Madrid, con Kostelnika visitó el Liceu y la Zarzuela en los noventa, también el Palau de la Música de Valencia con Elektra en versión concierto. Su voz era muy opulenta, con cuerpo, un atractivo registro medio y excepcional en los agudos, mientras que el grave fue tomando consistencia con el paso del tiempo en una carrera que fue dilatadísima en el tiempo, casi cincuenta años. Como intérprete era ardiente, muy expresiva, entregándose totalmente a los personajes con una intensidad tal que era capaz de llevar al público al delirio. En el lado negativo hay que situar, la desigualdad en los registros, sus problemas de afinación y sus excesos interpretativos que podían llegar a distorsionar el canto. Una soprano que crecía en el directo y que despertaba, y todavía despierta, grandes odios y grandes pasiones.
MARIANNE SCHECH, la cantante núm. 53, ah obtenido 5 VOTOS. Fue una soprano bávara nacida en 1914 y fallecida en 1999. Estudió en Munich, debutando en el Teatro de Koblenz como Marta (Tiefland) en 1937 y estuvo cantando en diversos teatros alemanes hasta que después de la Segunda Guerra Mundial entró a formar parte de la compañía de la Ópera de Baviera en Munich (1946-1970). En 1955 debutó en el Covent Garden como Venus (Tannhäuser), Paris (1957,1960), el Met (1956), San Francisco (1959). Cantó Senta, Elsa, Sieglinde, Brünnhilde, la Mariscala, Chrysotemis, la tintorera en “Die Frau ohne Schatten”, Marietta en “Die tote stadt”, Jenufa, Ursula en “Mathis der Mahler”. Es una soprano que parece que no tenía un timbre muy atractivo, por lo menos en su “Dich teure Halle” resulta algo extraño, parece incluso que, procediendo de un directo, no está bien grabado, sin embargo me ha parecido una interpretación muy eficaz, nada extraordinaria, de la inocente y juvenil Elisabeth.
Cuando hace unos días comencé esta liguilla contaba con que iba a producir cansancio, asumí el riesgo a pesar de que sospechaba que la participación iría decayendo progresivamente, enfrentar unas 60 versiones de la misma aria era casi una salvajada, hoy hemos llegamos hasta la versión 54. Lo hice para ver si entre todas las versiones, de todos los gustos y colores: fantásticas, correctas, mediocres, se nos colaba alguna rareza. La verdad es que a estas alturas de liguilla se han colado unas pocas que sólo son correctas y, además, sólo se ha colado una que nunca pensé que lo hiciera y menos eliminando a quien eliminó, que si no es una Elisabeth de manual sí es una de las más ilustres cantantes wagnerianas de todos los tiempos.
Hoy se ha cumplido lo que había predicho, la participación no ha sido muy alta, cuando escribo esto sólo ha habido 9 votaciones. Sin embargo; las estadísticas dicen que tendría que ser todo lo contrario porque el blog ha tenido hoy más visitas que cualquiera de los últimos 10 días. Igual la razón está en que maac se ha pasado un poco con las entradas, han aparecido en un mismo día un total de 4 entradas (día de Santa Cecilia, muerte de Elisabeth Söderström, Laurie Anderson y Liguilla en Wartburg) que han tapado la liguilla porque fue la primera en salir, colocándose el resto encima, al final he decidido subirla a primera posición, aumentando entonces un poco la participación. Todo este rollo lo he metido porque quería dar las gracias a todos los que estáis participando porque sin vosotros este juego carece de sentido, pero no sé cómo lo he hecho que me he ido por cerros de Úbeda. Así que gracias por participar y vamos con los resultados.
Las versiones de ayer:
PETRA-MARIA SCHNITZER era la cantante número 49 y ha obtenido 0 VOTOS. Nacida en Viena estudió en el Salzburg Mozarteum y en el Conservatorio de Viena, finalizados sus estudios entró a formar parte de la compañía de la Ópera de Viena. En 1993 ganó el concurso de canto Viñas y debutó en viena cantando el papel de Agathe en Der Freischütz, después incorporó los papeles de la condesa Almaviva de “Las bodas”, Illia de “Idomeneo”, Rosalinde en “El murciélago”, Micaela, Freia, Gutrune. Ha participado en los Festivales de Salzburgo (Agathe) , Bayreuth (Elsa) y Viena (Così fan tutte), en Munich cantó “La novia vendia” y Chrysotemis, en Zurich “Los maestros cantores” y “Tiefland”, fue Sieglinde en Valencia y Florencia en la primera Walkyria de la Tetralogia de La Fura y Mehta, en Berlín cantó Leonore de “Fidelio”, “The Merry Window” en Dresde y, otra vez en nuestro país, fue Marta de “Tiefland” en el Liceu, Elisabeth en el Teatre del Liceu y en el Real, Donna Elvira en el Met. Como nota rosa decir que está casada con el tenor Peter Seiffert y, a veces, van en el mismo pack. El próximo año cantará Tatiana de “Eugene Onegin” en Zurich.
LEONTYNE PRICE era la cantante número 50 y, como muy bien decía Dandini, su grabación no corresponde ni a su mejor período vocal ni al repertorio que le es propio, Verdi principalmente. Ha obtenido 1 VOTO. Como en el caso de Traubel voy a reciclar el texto de una entrada anterior. Price fue la primera cantante negra que intervino en una producción televisiva, fue en ela NBC con Tosca en 1955. Debutó en el Metropolitan de Nueva York junto al también debutante Corelli cantando Il Trovatoreen 1961. Fue uno de los éxitos más sonados de la historia del Met -42 minutos de aplausos- pero Price ya había triunfado en Viena -allí había cantado Aida en 1958 invitada por Karajan-, en el Covent Garden de Londres y en La Scala de Milán. No ostenta el récord de ser la primera cantante negra en pisar el escenario del Met, honor que corresponde a Marian Anderson (Ulrica de Un ballo in maschera en 1955), pero sí el de ser la primera "opera star" negra del Met. Samuel Barber compuso para ella el papel protagonista femenino de su ópera Anthony and Cleopatra, con su estreno se inaguraba el nuevo Met en el Licoln Center en1966. Su retirada tuvo lugar en 1985 cantando Aida, éste es el personaje con el que más se identificó la soprano: "I love her, and she loves me". Seguidamente podemos escuchar el aria "O patria mia" tal y como la cantó el día de su retirada en el Met:
Price provenía de una familia de clase trabajadora que no tardó mucho en darse cuenta del talento de la niña, a los tres años le compraron un un pequeño piano y tuvieron que deshacerse de algunos objetos de su hogar, como el fonógrafo, para poder pagar sus estudios de canto. Se inició en el coro de la Iglesia metodista de St. Paul en Laurel. Años más tarde, ayudados por una beca y los Chisholms, una familia blanca bien situada de Laurel, Mississippi, pudo estudiar la carrera de educación musical y canto, así como estudiar -otra vez con la ayuda adicional de una beca- en la Juilliard School de N.Y (1949-1953).s
Es Price una de las sopranos verdianas por excelencia -aunque su carrera abarcó un repertorio bastante amplio-, sobre todo cuando se trata de Aida, Amelia de Un ballo in maschera, Elvira de Ernani y las dos Leonoras (Il trovatore y La Forza), también fue una destacada intérprete de Puccini, sobre todo en Tosca. Su timbre era muy cálido, aterciopelado, fastuoso y sensual, todo voluptuosidad. Su voz, segura en el agudo, no presenaba problemas de tamaño ni de proyección. Sus talones de Aquiles fueron su defectuosa dicción italiana, las dificultades en los pasajes de coloratura y su registro grave.
Para descargar he elegido una de las óperas con la que habitualmente se le asocia, Aida, con un reparto y batuta de lujo:
INGA NIELSEN (1946-2008) fue una soprano danesa que murió el año pasado a los 61 años cuando aún estaba en activo, tenía previsto cantar Elektra en Venecia y Die Frau ohne Schatten en Düsserdolf. Sólo ha conseguido 2 VOTOS. Fue una niña prodigio, a los seis años se paseaba por las radios cantando en cuatro idiomas distintos, a los 9 años realizó sus primeras grabaciones: Canciones populares danesas y Canciones navideñas. Estudió en Viena, Stuttgart y Budapest. Profesinonalmente debutó en 1971 con Gelsenkirchen, un rol de soubrette, en Der Bettelsturdrnt, una opereta de Milöcker. En 1975 fue contratada por la Ópera de Frankfurt y comenzó a asumir papeles más dramáticos, trabajando con von Dohnanyi y Muti. A partir de 1980 comenzó su proyección internacional participando en los festivales de Salzburgo, Aix-en-Provence, Edimburgo… Dos fueron los papeles en los que obtuvo mayor éxito: Konstanze, que interpretó en Salzburgo y Salome, en Londres, aunque la había debutado en Zurich en 1993, la grabó para Chandos en 1999. Con Harnoncourt fue Agathe en Der Freischutz y Leonore en Fidelio.
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MARGARET HARSHAW obtuvo 2 VOTOS, nació en Filadelfia en 1909, desde 1928 estuvo cantando en coros hasta que en 1936 comenzó sus estudios de canto en la Juilliard. Interpretó tanto papeles de soprano como de mezzosoprano. Estuvo muy vinculada al Met, cantando allí durante 22 temporadas seguidas desde que hiciera su debut cantando la Segunda Norna en Gotterdammerugn en 1942 hasta 1964, año en se despidió del teatro neoyorkino interpretando el papel de Ortrud en "Lohengrin". Ostenta el record de ser la cantante que más roles wagnerianos ha interpretado en la historia del Met, esto se explica porque durante los nueve primeros años cantó roles de mezzosoprano y después incorporó roles de soprano. Algunos personajes que interpretó: las tres Brünnhilde, Senta y Mary en “El Holandés”, Isolda, Magdalena en “Los maestros”, Kundry en “Parsifal” y Venus y Elisabeth en “Tannhäuser”. Pero también cantó papeles no wagnerianos: Amneris, Ulrica, Mrs. Quickly, Azucena, Donna Anna, Gertrud (“Hansel und Gretel”), Genevieve (“Pelleas”), Dalila, Leonore de “Fidelio”, Turandot , Alceste y Herodias (Salome). Fue profesora de canto en la Univesidad de Indiana (1962-1993).
¿Existe pasión que la música no provoque?
Cuando Jubal tocó dentro de su caparazón,
sus hermanos que escuchaban le rodearon,
y asombrados cayeron de bruces
para alabar aquel sonido celestial. Creyeron que era un dios quien habitaba ahí,
dentro de la cavidad de aquel caparazón,
que hablaba tan dulcemente y tan bien. ¿Existe pasión que la música no calme?
HAENDEL. A song for st cecilia's day - HWV 76
(Aria 'What passion cannot Music raise and quell')
What passioncannotmusicraise, and quell?
When Jubal struck the chorded shell,
His listening brethren stood 'round.
And wondering on their faces fell,
To worship that celestial sound!
Less than a god they thought there could not dwell
Within the hollow of that shell
That spoke so sweetly and so well.
What passioncannotMusicraise and quell?
El pasado viernes falleció la cantante sueca Elisabeth Söderström, contaba con 82 años de edad. A Elisabeth Söderström la recordaré siempre por dos cosas: por haberme dado a conocer la obra de un compositor excepcional, Leos Janacek, a través de las grabaciones que efectúo junto a Mackerras en DECCA y por ser la primera Leonora de Fidelio que conocí en imágenes.
Escuchemos en un vídeo de Youtube subido por PieterdeRooijHolland una selección de Katia Kabanova en la grabación que realizaron para DECCA, en 1977, Elisabeth Söderström como Katia, Petr Dvorsky como Boris, la Orquesta Filarmónica de Viena y Charles Macckerras en la dirección:
Dejemos que sea ella misma la que nos cuente cosas sobre su carrera y su manera de entender el canto a través de una entrevista que le realizó Juan Antonio Muñoz H. y que completa la encontraréis en "La Música Emol":
- Durante mi larga carrera, que comenzó en 1947 y que aún no termina, he tenido la fortuna de cantar una gran variedad de música. Mi debut profesional fue en el Teatro de la Corte de Drottningholm, después de realizar estudios en Estocolmo. En 1950 llegué a ser miembro de la Opera Real con un contrato que me permitió desarrollar una carrera internacional. Cuando tenía 20 años, ofrecí mis primeros recitales con acompañamiento de piano, orquesta y grupos de cámara. Tuve compromisos para actuar en Alemania, Gran Bretaña, Francia y los países escandinavos como una cantante de concierto. Mi repertorio consistía de obras en alemán, italiano, francés, inglés y ruso. Opera, opereta, Lieder y hasta música popular. Me sentía cómoda con todo. Para mí siempre ha sido bastante natural expresarme a través del canto y realmente no podría decir si hay un repertorio en específico en el que me sienta mejor.
- Aprendí pronto que Strauss era un maravilloso hombre de teatro. Sus óperas se tienen que interpretar tanto con una buena actuación como con un buen canto. No necesariamente tiene que existir una gran voz, sino que se debe saber cómo articular y utilizar la declamación dramática. Los mismos valores se necesitan en la música de Janácek. Tanto Strauss como Janácek son hombres expertos en drama y dan mucho quehacer en la parte escénica. Uno tiene que descubrir qué quieren decir entre las líneas cantadas.
- En 1957 canté el Compositor ("Ariadna en Naxos"), en Glyndebourne. Me fue tan bien que me pidieron que volviera a cantar Octavian en "El caballero de la rosa", en mayo de 1959. Ya había firmado contrato con la Metropolitan Opera para hacer Sophie en diciembre. En enero de 1959, hubo una crisis en la Opera de Estocolmo. Se suponía que tendríamos un nuevo "Caballero" en febrero y de un momento a otro ya no había Mariscala; prácticamente me ordenaron que me aprendiera y cantara el rol.
.(En 1959 interpretó Oktavian, Sophie y la Mariscala). Ese fue el año más interesante de toda mi vida operística. La oportunidad única de meterme bajo la piel de estos tres personajes interesantes sólo con la ayuda de Von Hoffmansthal y Strauss era fantástica, y no necesitaba ningún modelo. Todo lo que requería era la música. Canté Octavian hasta 1968, pero me incliné definitivamente por la Mariscala María Teresa en 1971. En 1978 estaba haciendo la Mariscala en la Royal Opera. La cantante en el rol de Octavian tuvo problemas vocales y al final del primer acto su voz desapareció. En el intermedio, el gerente trató de encontrar reemplazo para ella, pero no tuvo suerte. Tendremos que mandar al público para la casa, dijo. Sobre mi cadáver, contesté. Déme el vestuario. Cantaré el segundo acto mientras trata de encontrar otro Octavian. Fue sólo cuando estaba en bambalinas con la rosa de plata en la mano que me di cuenta de que habían pasado diez años desde que había cantado el rol por última vez. Pero las palabras vinieron a mi mente con total naturalidad, el público quedó contento y Kerstin Meyer acudió a nuestro rescate en el tercer acto. Volví felizmente a mi Mariscala.
- Trabajando con Pierre Boulez, "Pelléas et Mélisande" (Debussy) fue otro hito en mi vida. El creó una atmósfera maravillosa en los interludios. Logró que fuera fácil para mí representar a una niña que ha sufrido un gran dolor, que ha sido desesperadamente infeliz, pero que encuentra momentos breves de felicidad y amor con Pelléas. Hay un misterio con respecto a ella y al público se le debe dar la oportunidad de adivinar su pasado. Como Mélisande, uno debe saber cuál es su secreto pero nunca decirlo; ella muere sin revelar su tragedia.
Y para finalizar su Leonora en Glyndebourne bajo la dirección de Haitink:
La soprano alemana KATHARINA FLEISCHER-EDEL (1873.1928), que ha obtenido 0 VOTOS, cantó en Bayreuth los papeles de Elisabeth y Elsa en 1904, Brangäne y Sieglinde en 1906, y Sieglinde y Elsa en 1908. En el Met interpretó Elisabeth, Elsa y Brünnhilde en 1906. Poseía una magnífica voz lírica pero su capacidad escénica no era especialmente destacable. (Fuente: www.historicopera.com). Sin embargo el crítico del New York Times la definía de esta forma con motivo de las representaciones de Tannhäuser en el Met:
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SYLVIA SASS no es lo que se dice una soprano wagneriana, que yo sepa sólo ha cantado tres roles wagnerianos Gutrune, Freia y Eva, creo que nunca cantó Elisabeth en escena; sin embargo sí ha cantado bastantes protagonistas de óperas de Verdi, Puccini y veristas. Ha obtenido 5 VOTOS. Sass nació en Budapest en 1951 y estudió en la Academia de Música Húngara, debutando con veinte años en la Ópera Estatal de Budapest como Frasquita en “Carmen”, formando parte de la misma entre 1972 y 1979, años en los que interpretó roles como los de Desdemona, Donna Anna, la Condesa de "Le nozze", Mimì, Tosca, Leonora de “Il Trovatore”, Giselda de “I Lombardi”, y Norma. Desde 1975 visitó las principales casas operísticas internacionales: la ROH, Covent Garden (I Lombardi, La Traviata, Un ballo, Don Carlo, Norma), La Scala (Manon Lescaut, Il tabarro, Suor Angelica), el Met (Tosca), la Ópera de París (Roméo et Juliette), la Ópera de Viena, Hamburgo, Munich, el Bolshoi, Salzburgo, Aix-en-Provence. También fue destacada intérprete de Judith en "El Castillo de Barbazul" de Bartok y Salome de R. Strauss. Gracias a la mediación de Bernstein conoció personalmente a Callas, estuvo en su apartamento de París durante cinco horas, lo primero que le espetó la Callas fue: “Entonces… ¿tú eres la nueva Callas”. Y es que Sass tuvo la mala suerte de que los periodistas que habían asistido a su Traviata en el Festival de Aix-en-Provence la denominaran “la nueva Callas”, al parecer eso no gusto mucho a la greco-norteamericana. Recoger el cetro de Callas era un buen reclamo para atraer al público –y Sass se ha aprovechado de ello durante toda su vida-, pero al mismo tiempo una manera de crear expectativas que podían verse frustradas, el establecimiento de un nivel de exigencia y un punto de comparación que no benefició a la soprano, no pudo escapar al modelo. A finales de la década de los ochenta su voz sufrió un profundo deterioro y abandonó los escenarios operísticos dedicándose a dar recitales, la enseñanza y la pintura.
Por lo tanto, la que pasa de ronda es la cantante núm. 45 con 11 VOTOS. En total he reunido 58 versiones y no os creeréis una cosa, pero es bien cierta, me falta la de una soprano que considero fundamental, a ver si antes de que acabe la primera fase la consigo. Y las siguientes son:
La liguilla en el Wartburg (para acceder a los audios y poder votar AQUÍ) está poniendo en evidencia que hay muchas diferencias entre las grabaciones anteriores a la Segunda Guerra Mundial y, dentro de éstas, las que se sitúan entre aproximadamente 1900 y la Primera Guerra Mundial, por un lado, y las realizadas entre guerras, por otro. Hay que ver las evoluciones técnicas que proporcionan los conflictos bélicos, los seres humanos, desgraciadamente, somos así.
Hay grabaciones del siglo XIX que han llegado a nuestros días, la primera de música clásica se realizó en 1887. Dicen que Edison gravó a von Büllow, fallecido en 1994 1894, interpretando la Sinfonía Heroica de Beethoven y otras obras orquestales en el Met. Sea o no cierto el caso es que hoy no contamos con ella. Lo que sí existe, aunque con tan mala calidad que no es posible distinguir nada, es una grabación de la Danza húngara núm. 1 en Sol menor interpretada por Brahms. Este hecho ya sirve para hacerse una idea de lo precarias que eran las técnicas de grabación de la época, es por ello que no debe sorprendernos que los agudos emitidos por legendarias sopranos sean tan agresivos por nuestros oídos, un defecto que debemos achacar antes a la técnica de grabación que al estilo de canto de la época. Y veremos por qué.
Las primeras grabaciones que se comercializaron datan de 1890. Se partía de una impresión en cera provenientes de grabadores de cilindro que contaban cada uno de ellos con una campana gigantesca. La voz de un solista sólo podía ser captada, por cuestión de espacio, por 3 campanas a la vez, lo que suponía que de una interpretación sólo se podían obtener tres copia.
A finales de la década de 1890 se desarrolló un método que permitía duplicar 25 cilindros, después se gastaba la impresión en cera original. Con lo que de la interpretación de nuestro solista obtendríamos (3 x 25) tan sólo 75 copias. Para volver a editar la grabación había que tornar al estudio y cantar otra vez.
En 1893 se ideó un método para crear una copia maestra en metal a partir del original en cera, de la copia maestra se hacían duplicados en goma dura y después en laca, es cuando nace el disco.
Otro problema, pero que nada tiene que ver con el sonido, es el del espacio ocupado por las grabaciones, apenas cabían unos minutos en cada disco. Ernani de Verdi, por ejemplo, se grabó en 1903 y ocupaba 40 discos de una cara.
"Rosa Ponselle recordaba haber cortado uno o dos compases aquí, uno o dos compases allá, `para ganar uno o dos segundos'. Odiaba aún más el modo en que la limitación del tiempo podía dar al traste con todo el sentido y el impacto emocional de un aria: en Casta diva, por ejemplo, grabada en 1928, sólo se pudo llevar al disco una de las dos estrofas del aria; en el teatro ella cantaba la segunda estrofa, decía, completamente distinta, más fuerte en volumen y más oscura en color, tono y timbre. Todo eso se perdía en la grabación" (Thymoty Day en "Un siglo de música grabada").
Estas grabaciones eran ACÚSTICAS. Las vibraciones del sonido hacían que un grabador de zafiro hiciera un surco en un disco de cera. No se podía reproducir todo el espectro de frecuencia que capta el oído humano. El proceso de grabación acústica no podía reproducir todas las frecuencias de las notas más graves que el Mi por debajo del Do central, o las más agudas que el Do tres octavas por encima del Do central. Los timbres característicos y las cualidades de todos los sonidos se distorsionaban.
Según Thymoty Day grababan mejor los tenores brillantes. "Una soprano de voz clara y pura", sigue diciendo, "podía sonar a veces lastimera o incluso etérea, a menudo distnate y misteriosa y con gran frecuencia penosament débil por el efecto de la pérdida de armónicos".
La posición del cantante en el estudio de grabación tampoco era muy cómoda, a veces tenía que meter su cabeza dentro de la campana de grabación. Cuenta Day que uno de los músicos acompañantes se quejaba de la falta de comunicación con el cantante: "¿Cómo puedo comunicarme con el cantante si todo lo que suelo ver es su trasero?". Eso no es todo, cuando el cantante proyectaba la voz en pasajes muy fuertes o poderosos la aguja saltaba y rompía un trozo de cera del máster. "Una soprano dramática debía acordarse de retroceder tres pasos para sus notas de pecho y cinco o seis para el registro medio-agudo", incluso se les ponían marcas de tiza en el suelo.
Además se modificaban los instrumentos llegando a provocar que sonaran desafinados para que el resultado fuera mejor: se usaban pianos verticales subidos a tarimas de más de un metro, se les quitaba las partes frontales y traseras dejando sólo el mecanismo y la tabla armónica. En 1921 Gerald Moore definió la afinación de su piano como "poseedora de todo el esplendor de una escupidera de bronce" y e sque se había modificado para la grabación limando los fieltros de los martillos; también se inventó un violín en el que la caja acústica se había sustituido por un diafragma y una pequeña trompa metálica.
A partir de los años veinte surgieron las grabaciones eléctricas, convertían las ondas sonoras en impulsos eléctricos que podían alargarse o aumentarse (amplificarse). De esta forma se podía capturar un espectro de frecuencia mayor:
* Antes de 1934: entre 100 y 5.000 ciclos
* Después de 1934: hasta 8.000 Hz
¿Esto que suponía? Que las frecuencias graves, que no se habían escuchado hasta entones, daban peso y cuerpo al sonido, y las agudas añadían definición y un detalle que antes no existían, es decir, más claridad y realidad. Además los intérpretes no tenían que concentrarse en un lugar concreto sino que se podían capturar sonidos de fuentes dispuestas en un área extensa.
La siguiente revolución en las técnicas de grabación se produjo con posterioridad a la Segunda Guerra Mundial, de eso hablaremos oro día.
Fuente: Thimothy Day. Un siglo de música grabada. Alianza Música, 2000.
Eliminada ha quedado LINDA ROARK-STRUMMER, cantante núm. 40, con 0 VOTOS. Una soprano que no me sonaba de nada pero que ha cantado en La Scala (Abigaille en Nabucco y Lucrezia en I due Foscari), en la Arena de Verona (Abigaille y Tosca), en La Fenice (Odabella en Atila, Lina en Stiffelio), en Viena (Leonora de Il Trovatore) y también en la NYCO, el Colón, Zurich... Junto a los citados ha interpretado también los roles de Herodias en Salome, Lady Macbeth en Macbeth, Herodiade, Turandot, Giovanna d'Arco, Magdalena de Coigny, Sieglinde, Brünnhilde. Respecto a su interpretaciónn el mayor inconveniente está en la propia materia prima, la temblorosa voz y el ingrato timbre, me viene a la memoria la Callas en sus peores momentos, si no fuera por eso -que ya es bastante- sería una interpretación, por lo menos, interesante. Actualmente se dedica a la enseñanza de canto en la Universidad de Tulsa. No me extiendo más porque ya lo hago bastante con la siguiente eliminada.
Me vais a permitir que, con todo el morro del mundo, recicle una entrada que dediqué a HELEN TRAUBEL, la otra soprano número 41 que ha quedado eliminada en la liguilla con 2 VOTOS: Marjorie Lawrence y Kirsten Flagstad, las antecesoras de Helen Traubel en el Met pusieron el listón muy alto, por detrás venía Astrid Varnay pisando fuerte. No lo tuvo fácil Traubel a pesar de contar con instrumento de gran belleza y de pertenecer a esa categoría de sopranos que no es de las que más abundan: soprano dramática. Procedente de una familia de origen alemán, su ascensión como soprano se produjo poco antes de que Flagstad abandonara los Estados Unidos para marchar a su Noruega natal (1941) y después de que Lawrence se viera afectada por la polio. A partir de entonces, y hasta 1953, fue la primera soprano wagneriana del Met.
Vamos a escucharla en la plegaria de Elisabeth (Tannhäuser):
Estudió con Vetta Karst, la profesora más prestigiosa que había en Saint Louis. Traubel, al principio, pagaba cinco dólares por sesión, más tarde Karst, viendo el talento de su alumna, rechazaría cualquier pago. Debutó con la Saint Louis Symphony Orchestra en 1924. Pronto recibió una oferta del director del Met, Gatti-Casazza, para tener una audición pero decidió rechazarla para seguir formándose en Saint Louis, tenía 28 años: "Sabía que no estaba preparada. Si el mismísimo profeta Moisés hubiera venido y me hubiera ofrecido cantar en el Met le hubiera dicho: Usted mire por sus intereses que yo miraré los míos ". Permanecería estudiando con Karst en Saint Louis durante ocho años más, mientras tanto ofrecía conciertos en diversas iglesias y funerales, era una manera de obtener algo de dinerillo.
Pisó un escenario de ópera por primera vez en 1937 en el Met para interpretar Mary Rutledge en la ópera The Man without a Country (El hombre sin patria) de Walter Damrosch. Damrosch la había escuchado dos años antes en Saint Louis y se acordó de ella para el estreno de su ópera. La obra no obtuvo mucho éxito, tan solo cinco representaciones, pero Traubel recibió una oferta de la NBC, la rechazó aduciendo que la que le proponían no era la música que quería cantar.
Ahora como Elsa (Lohengrin):
1939 es el año clave en su carrera, cantó Sieglinde en Chicago y la Inmolación de Brünnhilde en el Town Hall de Manhattan, entonces, cuando le ofrecieron de nuevo un contrato en el Met, sí consideró que estaba preparada y, tras rechazar cantar Venus en Tannhäuser, fue Sieglinde con Flagstad como Brünnhilde y Melchior como Siegmund. A partir de entonces y durante dos años cantó una docena de Sieglindes con Flagstad como Brünnhilde hasta que ésta le dijo que había llegado el momento de intercambiar los roles, el cambio nunca se produjo porque marchó a Noruega dejando la vía libre para que Traubel se convirtiera en la principal soprano wagneriana del coliseo neoyorkino. Fue la Isolda preferida de Melchior -comparaba a Flagstad con un brillante diamante, a Traubel con un hermoso rubí-, decía el tenor que a la noruega se le había subido el éxito a la cabeza. Melchior y Traubel mantenían una especial complicidad en escena, como aquella vez en la que el tenor le dijo: "Venga Helen, date prisa, el Liebestod. Tengo hambre y necesito una cerveza". Además Traubel se sentía muy a gusto con Melchior, entre otras razones porque era tan corpulenta que Melchior era de los pocos tenores que abultaban más que ella.
El 6 de diciembre de 1941, cuando debutaba su Brünnhilde en el Met, fue testigo del vertiginoso ascenso de otra gran soprano americana, la gran Astrid Varnay, entonces totalmente desconocida, sustituía a una indispuesta Lotte Lehmann en el papel de Sieglinde, les acompañaban Lauritz Melchior como Siegmund, Kerstin Thorborg como Fricka y Alexander Kipnis como Hunding bajo la dirección de Erich Leinsdorf. Afortunadamente aquella función fue retransmitida por radio y hoy podemos gozar de su grabación. El triunfo de Varnay como Sieglinde ensombreció el fabuloso debut de Traubel como la hija de Wotan, pero es que Astrid era mucha Astrid, una semana después no tuvo problemas en sustituir a la indispuesta Traubel como Brünnhilde. No estamos aquí para hablar de la Varnay, todo llegará... Pero es que la pasión por esta soprano me ciega.
Escuchamos la entrada de Traubel en el segundo acto, con los Hojotojos, el público del Met es la rehos*ia, no se corta un duro a la hora de aplaudir:
Ahora la cuarta escena del segundo acto, el encuentro entre Brünnhilde y Siegmund a partir de "Hehr bist du, und heilig gewahr' ich" (Augusta eres tú, y sagrada descubro a la hija de Wotan) en la que Traubel se muestra majestuosa en su difícil tarea de anunciar al héroe que morirá en manos de Hunding:
Más tarde encontramos a Traubel dando explicaciones a Wotan (Friedrich Schorr) por su desobediencia mientras que éste nos da la clave de toda la Tetralogía: "Seguiste dichosa el poder del amor: ¡sigue ahora a él, al que tendrás que amar!". La tercera escena del tercer acto:
"War es so schmählich, was ich verbrach" (Fue tan infame lo que cometí):
"So thatest du, was so gern zu thun ich begehrt" (Hiciste lo que yo deseaba hacer de buen grado):
Y terminamos con el anuncio de Wotan sobre el futuro que tiene guardado a Brünnhilde con la consiguiente negociación para que no caiga en manos de un cobarde, hasta el comienzo de la emotiva despedida del padre: "Nicht streb', o Maid, den Muth mir zu stören; erwarte dein Loos, wie sich's dir wirft" (No pretendas, oh, muchacha, turbar mi ánimo; aguarda tu destino tal como se te presente):
Cuando finalizó la guerra viajó a Europa pero sólo para actuar en recitales. Helen Traubel nunca cantó una ópera italiana completa, aunque sí incluía arias italianas en recitales, era una soprano 99,9 % wagneriana, de las 176 veces que cantó en el Met 168 lo fueron en óperas de Wagner. Existieron muy pocos papeles en su repertorio: Elisabeth, Isolde, Brünnhilde, Sieglinde, Elsa, Kundry, Mary Rutledge y la Mariscala de El caballero de la rosa al final.
Vamos a escuchar interpretando el Aria del Sauce del Otello Verdiano, la pronunciación italiana no es perfecta pero la belleza tímbrica, la nobleza, la redondez, la homogeneidad y suficiencia en el grave deja pasmado, lo principal es que esta Desdemona es totalmente creíble:
Tenía su punto débil en los agudos, tan pronto los daba como que no. Su voz, ya lo hemos dicho, era muy bella, redonda, homogénea, amplia y pontente.
Su carrera en el Met finalizó en 1953, rompió con Rudolf Bing -"no le gustaba Richard Wagner. Es así de sencillo y así de complicado", escribió la soprano en su autobiografía- al comenzar a cantar en cabarets, éste no renovó su contrato, una Isolde o una Kundry no podían cantar en night clubs. Fue entonces cuando comenzó su carrera cinematográfica, actuó en locales como el Copacabana Club en Nueva York, Chez Paree en Chicago, el hotel The Sahara en Las Vegas y el Clover Club de Miami. También apareció en películas y series de TV junto a Groucho Marx,Red Skelton y Jerry Lewis. Partició en Pipe Dream (1955) de la pareja Rogers y Hammerstein falleciendo en Santa Monica en 1972. Pero no queda ahí la cosa, fue también autora de su autobiografía, Saint Louis Woman (1959) y de diversas novelas policiacas, la más que más éxito obtuvo fue la segunda, The Metropolitan Opera Murders (Asesinatos en el Met), publicada en 1951.
La escuchamos el 21 de marzo de 1953 fue su última intervención como Isolda en el Met, Tristan fue Svanholm mientras que Hotter interpretaba el rey Marke y Schöffler se encargaba de Kurwenal, la dirección corría a cargo de Fritz Stiedry:
Respecto a la línea seguida en la segunda etapa de su carrera, en youtube se puede encontrar la siguiente versión de "The way you look tonight" de Jerome Kern:
Desgraciadamente Traubel no grabó mucho y la época en la que cantó no fue la ideal para el registro sonoro, aquí la encontramos en 1961 en un fragmento cortado de la película "The Ladies Man" (1961) de Jerry Lewis, sirve para hacerse una idea de la calidad tímbrica de la soprano, teniendo en cuenta que la soprano tenía 62 años. Respecto a lo que canta no tengo ni idea. Ojalá hubiera viajado a Europa cuando no le renovaron el contrato en el Met, que fue lo que hizo Varnay años después, pero Traubel se conformó con ganar dinero, más o menos es lo que se desprende de su autobiografía, fue su opción.
Y de regalo un Concierto con Toscanini:
Primero un anticipo:
ARTURO TOSCANINI — Concierto Wagner del 22 de febrero de 1941
Siegfried, Lauritz Melchior (ten)Brünnhilde, Helen Traubel (sop)NBC Symphony Orchestra/Arturo ToscaniniCarnegie Hall, Nueva York, 22 de febrero de 1941
1 Lohengrin: Preludio del Acto I
2 Tannhauser: Dich teure Halle – Helen Traubel
3-8 Die Walkure Acto 1, escena 3ª – Helen Traubel, Lauritz Melchior
9 Tristán e Isolda - Preludio (Final de concierto de 1859 escrito por Richard Wagner)
10 El Ocaso de los dioses: Amanecer y dúo Traubel y Melchior
11 El Ocaso de los dioses: Viaje de Siegfried por el Rin
CD2
12 El Ocaso de los dioses - Muerte de Siegfried y Música fúnebre
13-15 El Ocaso de los dioses - Inmolación de Brünnhilde – Helen Traubel
CD Extras
1-2 New York Philharmonic Concert de 27 de noviembre de 1932 en el Met: Tristan e Isolda, Preludio del Acto 1 y Acto 3: Liebestod con Elsa Alsen
3-6 Die Walkure Act0 1 escena .3 con Elsa Alsen y Paul Althouse
7 Concierto Festival de Salzburgo de 26 de agosto de 1934, El Ocaso: Música fúnebre - Filarmónica de Viena.
Después del rollo, reciclado de una entrada anterior, pasamos a la siguiente ronda, no sin antes decir que la cantante número 42 pasa de fase sin esperar a que finalice el plazo para que terminen las votaciones con 14 votos. Si mis cálculos son correctos nos quedan cuatro rondas más una última y especial.
