Estoy tecleando. Mientras voy completando el aburrido trabajo que me he traído a casa, pongo el reproductor del ordenador. Los diferentes fragmentos musicales, contenidos en uno de los discos duros externos y que ocupan unos treinta y cuatro gigas en la carpeta "Sopranos", van sucediéndose uno tras otro de forma aleatoria, así es el modo de reproducción elegido. Suenan las cuerdas. "Vaya... esto es Mozart". Sin ser consciente de ello los dedos quedan paralizados sobre las teclas y la mirada se posa sobre un lugar indeterminado de la pantalla para, finalmente, quedar oculta tras los párpados. Transcurren exactamente once minutos y siete segundos. Once minutos y siete segundos de eternidad, sin tiempo ni espacio. "Ch'io mi scordi di te...Non temer, amato bene" K. 505, es un rondó sobre un texto de Gianbattista Varesco compuesto en 1786 por Mozart para la cantante londinense Nancy Storace (1761 - 1817), que, procedente de Italia, se había instalado en Viena y acababa de intervenir, como Susanna, en el estreno vienés de Las bodas de Fígaro, tiene un obligado de piano que fue interpretado por el propio compositor el día de su estreno en el mes de febrero de 1787. Lo escucho en una grabación de 1968 con una madura Elisabeth Scwarzkopf, -cincuenta y cinco años de edad y treinta de carrera artística- Alfred Brendel al piano y la London Symphony Orchestra bajo la dirección de George Szell. Una y otra vez.
Ch'io mi scordi di te? Che a lei mi doni Puoi consigliarmi? E puoi voler ch'io viva? Ah no, sarebbe il viver mio di morte Assai peggior! Fosti il mio primo amore, E l'ultimo sarai. Venga la morte! Intrepida l'attendo, ma, ch'io possa Struggermi ad altra face, ad altr'oggetto Donar gl'affetti miei, Come tentarlo? Ah! di dolor morrei.
Non temer, amato bene, Per te sempre il cor sarà. Più non reggo a tante pene, L'alma mia mancando va. Tu sospiri? o duol funesto! Pensa almen, che istante è questo! Non mi posso, oh Dio!, spiegar. Stelle barbare, stelle spietate! Perché mai tanto rigor? Alme belle, che vedete Le mie pene in tal momento, Dite voi, s'egual tormento Può soffrir un fido cor?
¿Os podéis creer que estos primeros 29 días de enero se me han pasado como un suspiro? No he parado. A veces pienso que esto es la felicidad, y me parece lamentable que algo tan deseado sea consecuencia de la vorágine del día a día, de no tener consciencia de que el tiempo pasa. Y así ha sido el inicio del año, me levanté el 2 de enero, comencé a trabajar y hasta hoy, trabajo, trabajo y trabajo. No, eso no es la felicidad, claro que no, eso es un no-vivir, algo parecido a una droga dura. Cuando uno está inmerso en una de estas espirales laborales no tiene tiempo para la metafísica, claro que... si en un descuido se pone a escuchar a Mahler, el tiempo se para y, sin que uno se de cuenta, te pones a reflexionar.
El hombre está afligido por su miseria y necesidad. Yo mismo me alejé del paraíso. Iba por un espacioso camino y alguien intentó hacerme regresar. No, no pienso volver. Provengo de la tierra y allí regresaré. La misma tierra me enseñará el camino hacia la dicha eterna. Todo lo que un día nació perecerá para renacer eternamente.
El párrafo anterior, que está muy lejos de la literalidad, está basado en el texto de el Cuarto Movimiento, Urlicht, de la Segunda Sinfonía ("Resurrección") de Gustav Mahler, para escucharlo he elegido tres contraltos, aunque en el título de la entrada se dice "trío de ases" las interpretaciones van desde lo excepcional hasta lo más que notable:
Kathleen Ferrier
Aafje Heynis
Maureen Forrester
Y una descarga:
Gustav Mahler (1860-1911) Sinfonía núm. 2 en Do menor "Resurrección"
Jo Vincent (soprano) Kathleen Ferrier (contralto)
Amsterdam Toonkunstkoor Concertgebouw Orchestra Otto Klemperer (conductor)
En directo, Holland Festival, 12 de julio de 1951, Concertgebouw, Amsterdam.
No es ninguna novedad que, a pesar de lo poco belcantista que soy, me ponen las cabalettas, y una de las que más es la del final de Anna Bolena de Donizetti: "Coppia iniqua". Anna, que ha sido condenada a muerte, antes de ser conducida al suplicio tiene noticia, a través de los toques de campanas y el jolgorio del exterior, de la boda del rey con Jane Seymour, la que había sido una de sus damas de honor. Es entonces cuando, muy alterada, canta aquello de:
"Pareja perversa, la más terrible venganza no impreco en esta hora terrible. Al sepulcro que abierto me espera, quiero bajar con el perdón en los labios; ¡ah! con él adquiriré la clemencia y la gracia en presencia de un Dios de perdón, la merced, el perdón, sí, la clemencia , la merced y el perdón... ¡Callad, callad, basta, basta ya! ... Tan sólo falta mi sangre para completar el crimen. ¡Y derramada será! Sí, sí, sí. "
El papel de Anna Bolena está ligado indefectiblemente a Maria Callas, que lo cantó en La Scala en 1957 en una producción de Luchino Visconti ,y lo vamos a comprobar a través de la grabación de estudio que realizó con Gavazzeni en 1958 y que formaba parte de un recital dedicado a escenas de la locura, no me resisto a subir la escena completa, desde "Piangete voi":
Otras cantantes que destacaron en el rol fueron Gencer, Sills, Sutherland, -en 1984, demasiado tarde- Caballé -también, y es una pena, muy tarde, en 1981 ó 1982- y Scotto. El canto de cualquier intérprete palidece si lo ponemos junto a la interpretación de Callas. Ahora escucharemos la parte final del fragmento interpretado por la joven soprano albanesa Ermonela Jaho el pasado 23 de noviembre en el Théâtre des Champs-Elysées de Paris, quizás su interpretación pueda ser tachada de demasiado visceral en el canto; afectada por un "vibrato stretto", yo la encuentro muy expresiva y con un color tímbrico idóneo para reflejar los matices de este tipo de personajes del belcantismo romántico:
De Caballé podemos imaginarnos como hubiera sido una representación de Anna Bolena en pleno esplendor vocal si la escuchamos cantando "Piangete voi", el incio de la escena final, en su recital de presentación en París el año 1966:
El otro día, Daniel, un visitante del blog, a través de un correo privado, me ponía sobre la pista de la grabación que Igeborg Hallstein hizo de la intervención del Ruiseñor en el prólogo deDie Vögel de Walter Braunfels, ópera que apareció en una entrada de Cantan ellas hace unos meses. Le estoy muy agradecido por el detalle que tuvo al enviármela, me decía Daniel que parece ser que es la primera grabación que se efectuó en estudio de un fragmento de esta ópera y que todavía no está transferida a CD.
Vamos a escucharla:
Ahora escucharemos a la soprano en "So wisse, dass in allen Elementen" de Undine de Albert Lortzing:
Esta guapa y delicada soprano alemana nació en Munich un 23 de mayo de 1936, tras estudiar con su madre, Elisabeth Hallstein, debutó en Passau a los veintiún años interpertando el rol de Musetta (La Bohème). En sus inicios cantó en la Ópera de Basel, Suiza, (1958-1959), pero sobre todo en teatros Alemanes (sobre todo en Munich, Hamburgo, Berlín y Salzburgo), después recorrería otros escenarios internacionales como el Covent Garden, el Colón, La Fenice y la Ópera de Viena. Además de ópera cantó mucha opereta -la televisión alemana la hizo famosa como intérprete del género- y no descuidó los recitales liederísticos. Se retiró muy pronto, en 1979, dedicándose a la enseñanza en el Conservatorio de Würzburg hasta el año 2006. Su repertorio era el propio de una soprano ligera, destacando por un timbre puro y cristalino, musicalidad, pulcritud, buen gusto y por la facilidad para ascender al agudo y realizar todo tipo de ornamentaciones, sin embargo, su voz, muy delgada, no era la más idónea para resolver las situaciones dramáticas que la escena le podía plantear. A muchos os sonará porque participó como Marzelline en la célebre grabación que de la ópera Fidelio realizó Klemperer para EMI.
Otros roles que interpretó fueron:
De Mozart: Rosina (La Finta Semplice), con él debutó en Salzburgo en 1960, Kostanze (El rapto del Serrallo), la reina de la noche (La Flauta Mágica), Susanna (Las bodas de Fígaro), Despina (Così fan tutte).
La escuchamos en el dúo "Welch ein Geschick! Ha, du solltest dur mich sterben" de El rapto del Serrallo acompañada de Horst Wilhelm:
Y en el aria para soprano y orquesta "Vorrei Spiegarvi, o Dio!":
De Verdi: Gilda (Rigoletto) y Violetta (La traviata), que cantaba en alemán.
De R. Strauss: Sophie (El caballero de la rosa), Zerbinetta (Ariadne auf Naxos), Aminta (Die schweigsame Frau)
"Grossmächtige Prinzessin", el aria de Zerbinetta:
De Rossini: Fiorilla (Il turco in Italia), Isabella (L'italiana in Algeri), Rosina (El barbero),.
Cantando "Una voce poco fa" en alemán (Frag' ich mein beklomm'nes herz):
Y, sin ánimo de ser exhaustivo, también interpretó Olympia (Los cuentos de Hoffmann), Ninetta (El amor de las tres naranjas) o Adele (El Murciélago), habiendo participado también en el estreno de Die Bassariden de Henze en Salzburgo 1966.
Notas estratosféricas para "Wohin wirst du nun gehen, Parias Tochter, du?", el aria de las campanillas de Lakmé de Delibes:
"Ich schenk' mein Herz" de la opereta Die Dubarry de Karl Millöcker con más notas estratosféricas:
De Die Tänzerin Fanny Elßler de Johann Strauss escuchamos "Die Tänzerin Fanny Elßler" y "Teuerste Freundin"
Lotte Lehmann interpreta el aria "Ich ging zu ihm" de la ópera Das Wunder der Heliane (El milagro de Heliane) de Erich Wolfgang Korngold (1897-1957). Un extranjero es enviado a prisión por el despótico soberano de un país, Heliane, la esposa del monarca, conmovida, visita al prisionero y se entrega a él de una manera simbólica. Sorprendida desnuda en la celda del prisionero por el marido, es sometida a juicio. En este aria la protagonista relata, ante el tribunal, lo sucedido: lo hizo por compasión para que los ojos del joven y guapo muchacho pudieran contemplar la belleza antes de cerrarse, pero no se entregó al placer. La interpretación de Lehmann resulta conmovedora, el color de su timbre va haciéndose más etéreo conforme se va alcanzando el climax musical y dramático, y un tono de aflicción lo inunda todo.
No he encontrado la traducción al castellano, os dejo el texto en alemán con su traducción al inglés:
Ich ging zu ihm, der morgen sterben sollt. Der Abend neigte sich--da ging ich hin. Er bat mich um mein Haar, ich gab es ihm. Er bat um meine Füsse. Aus den Schuh'n Trat ich und gab ihm die entblössten Füsse. Er warf sich hin, erflehend meinen Leib, Da löst ich das Gewand von mir und stand, Wie mich mein Gott erschaffen, vor ihm: nackt. Ich war sein in Gedanken...ja, ich war's! Auf meinen Knien bat ich zu Gott, dass er Die Kraft mir schenke, dies zu vollenden. Nicht hab ich ihn geliebt. Nicht ist mein Leib in Lust entbrannt. Doch schön war der Knabe Schön wie ein Stern im Vergehen. Und neigt ich mich, So tat ich's, damit sein armes Aug Noch Liebe könne sehen, ehe dass es bräche. Und also schwör ich, Gott nehme mich hinauf in den Himmel, So war ich nun schwöre: Nicht hat mich Lust meines Blutes zu jenem Knaben getrieben, Doch sein Leid [hab' ich] Mit ihm getragen, und bin in Schmerzen Sein geworden. Und nun tötet mich.
*****
I went to him, who was supposed to die the next day. Evening was falling as I went to him. He asked for my hair, I gave it to him. He asked for my feet. Out of my shoes I stepped and gave him my bare feet. He threw himself down, begging my body, I loosened my garment and stood, before him as God made me: naked. I was his in thought...yes, I was! On my knees I begged God to Give me strength to accomplish this. I did not love him. My body did not burn with pleasure. But handsome was the boy, Fair as a star. And if I humbled myself, I did it so that his poor eyes Might yet see love, before they closed. And this I swear---may God take me up to heaven, I now truly swear: Pleasure of my blood did not drive me to that boy, But his grief I bore With him, and in pain I became his. And now kill me.
En principio esta entrada iba a versar exclusivamente sobre la excelente interpretación del Polo de las 7 canciones populares de Manuel de Falla por Teresa Berganza en el Teatro Colón de Buenos Aires, era el año 1967. El público del Colón tan cálido y expresivo como siempre:
Cambiando de tercio...
...lanzo un capote por si alguien quiere reflexionar o embestir sobre su concepto de zarzuela. Y no miro a nadie.
Ahora escuchamos a Victoria de los Ángeles cantando Confiado Jilguerillo... Si de rama en rama de la zarzuela, de Antonio Literes, Acis y Galatea, la grabación corresponde a un recital ofrecido en el Hunter College en 1971. Por aquellas fechas la soprano intentaba recuperarse de una crisis vocal pero como era tan gran artista casi ni se le notaba. Después la escucharemos por Marta Almajano, Al Ayre Español y López Banzo con dos números previos, "Muda copia" -que no sé si denominarlo aria o romanza- y el coro "Pues que Polifemo", esta versión, muy meritoria y mucho más acertada filológicamente, palidece en lo vocal ante la de la soprano catalana.
No es Maria Bayo una de mis sopranos favoritas, vamos a escucharla en otro fragmento de zarzuela, esta vez se trata de "El bajel que no recela" de la zarzuela Vendado es amor, no es ciego de José de Nebra:
En el Conservatorio de Jarvis, en Napa (California) se ofrecen zarzuelas en los que los diálogos están dichos en inglés y los números musicales en el idioma original, tiene su gracia, sobre todo por el acento, escuchamos un dúo de La Dolorosa de Serrano y la entrada de Lamparilla de El Barberillo de Lavapiés de Barbieri:
Primero fue la soprano, Gallardo Domas, ahora le ha tocado el turno al director, Lorin Maazel, que, afectado de una bronconeumonía, estará de baja por lo menos durante tres semanas. El sustituto será Frédéric Chaslin, director, compositor y pianista que estudió en el conservatorio de París y comenzó su carrera como director siendo asistente de Barenboim y Boulez, más información en Albion Media.
Chaslin dirigiendo Prélude à l´après-midi d´un faune de Debussy en Trieste:
En radio 4 de la BBC se realiza, desde 1942, un programa semanal creado por Roy Plomley que se titula Desert Island Discs. El formato del programa es muy sencillo: cada semana acude una personalidad de la vida pública y elige los discos que se llevaría a una isla desierta, mientras se le va realizando una entrevista se van radiando fragmentos de las obras escogidas. En una edición del programa participó Victoria de los Ángeles, la soprano demuestra, una vez más, que su gusto musical es exquisito:
1. Image de Debussy por Arturo Benedetti Michelangeli:
2. Liebestod de Tristán e Isolda por Kirsten Flagstad:
3. Un fragmento del Canto "Que despierte el Leñador" de Pablo Neruda
Que despierte el Leñador.
Que venga Abraham, que hinche su vieja levadura la tierra dorada y verde de Illinois, y levante el hacha en su pueblo contra los nuevos esclavistas, contra el látigo del esclavo, contra el veneno de la imprenta, contra la mercadería sangrienta que quieren vender. Que marchen cantando y sonriendo el joven blanco, el joven negro, contra las paredes de oro, contra el fabricante de odio, contra el mercader de su sangre, cantando, sonriendo y venciendo.
Que despierte el Leñador.
Paz para los crepúsculos que vienen, paz para el puente, paz para el vino, paz para las letras que me buscan y que en mi sangre suben enredando el viejo canto con tierra y amores, paz para la ciudad en la mañana cuando despierta el pan, paz para el río Mississippi, río de las raíces: paz para la camisa de mi hermano, paz en el libro como un sello de aire, paz para el gran koljòs de Kíev, paz para las cenizas de estos muertos y de estos otros muertos, paz para el hierro negro de Brooklyn, paz para el cartero de casa en casa como el día, paz para el coreògrafo que grita con un embudo a las enredaderas, paz para mi mano derecha, que sòlo quiere escribir Rosario: paz para el boliviano secreto como una piedra de estaño, paz para que tú te cases, paz para todos los aserraderos de Bío Bío, paz para el corazòn desgarrado de España guerrillera: paz para el pequeño Museo de Wyoming en donde lo más dulce es una almohada con un corazòn bordado, paz para el panadero y sus amores y paz para la harina: paz para todo el trigo que debe nacer, para todo el amor que buscará follaje, paz para todos los que viven: paz para todas las tierras y las aguas.
4. Carmen por Conchita Supervía, que interpreta "Les tringles des sistres tintaient".
5. Concierto núm. 3 para violín de Mozart con Isaac Stern:
6. Pélleas et Mélisande de Debussy, el dúo en el que los protagonistas declaran su mutuo amor, interpretado por Jacques Jansen e Irenè Joachim bajo la dirección de Roger Désormière:
7. Adagietto de la 5ª Sinfonía de Mahler con la O. S. de Chicago y G. Solti:
8. Todo tipo de sonidos de la vida cotidiana, también la Victoria de Samotracia y poemas de Rilke:
Con expectación y muchísimas esperanzas nos dirigíamos al concierto que ofrecía ayer la mezzosoprano-lírica Elīna Garanča, pues bien, la cantante superó con creces todo lo que habíamos podido imaginar, por presencia escénica, simpatía, belleza vocal y, lo más importante, por canto y expresión. Asombrosos ataques al agudo -hay que ver cómo se expande la voz y cómo se proyecta-, facilidad en la coloratura, mil y un matices. Afortunadamente es joven, treinta y dos años, seguro que en los próximos años nos seguirá dando muchísimas satisfacciones. Una crónica de cómo se desarrolló el concierto podéis encontrarla en la página de Mei, GTL Torn T. Con su buen hacer y magnetismo personal quedamos todos prendados de Garanča. Los próximos días ofrecerá conciertos en San Sebastián, Bilbao y Valladolid, es una ocasión única, ningún aficionado se lo debería perder.
En el concierto se ofrecieron dos obras orquestales: la sinfonía núm. 88 de Haydn y la 36 de Mozart, la Orquesta de Cámara de Basilea, integrada por músicos jovencísimos, bajo la batuta del también joven director gibraltareño Karel Mark Chichon, las interpretó más que correctamente, destacando sobre todo la sección de cuerda. Con excepción de "Giunse alfìn il momento... Al desio di chi t'adora" K. 577, el aria de Susanna (Le nozze di Figaro) alternativa a "Deh, vieni non tardar", vamos a repasar lo que cantó, aunque las grabaciones no pertenecen al concierto de ayer. Como comprobaréis los títulos están mal puestos:
Alma grande e nobil core:
Come Scoglio (Così fan tutte):
Parto, parto (La Clemenza di Tito):
El bis: Carceleras de Las hijas del Zebedeo (Chapí):
Elīna Garanča nació en Riga in 1976, estudió en el conservatorio de su ciudad natal, antes de su graduación ya destacó como interpreté de Giovanna Seymour en Anna Bolena (Donizetti), en 1999 fue contratada por el Teatro de Meiningen (Alemania), año en que también intervino en el Festival de Savonlinna interpretando Maddalena (Rigoletto) y ganó el Concurso de canto Mirjam Helin en Finlandia.
En el año 2000 cantó en la Ópera de Frankfurt papeles como la Segunda Dama (Die Zauberflöte), Hansel (Hänsel und Gretel) y Rosina (Il barbiere di Siviglia). Poco después quedó finalista de los premios Cardiff Singer of The World y realizó su primera grabación comercial en solitario, Arie Favorite, que incluía arias de Mozart, Bellini y Donizetti.
En el 2003 cantó en Lola (Cavalleria rusticana), Orlofsky (Die Fledermaus), Meg (Falstaff)y Rosina (Il barbiere di Siviglia)en Viena, debutó en el Festival de Salzburgo con Annio (La clemenza di Tito), cantó Dorabella (Così fan tutte) en Frankfurt, otra vez Rosina y la parte solista del Stabat Mater en el Festival Rossini de la Ópera de Helsinki, Nicklausse y la Muse (Les contes d'Hoffmann) en Tokio. Además participa en el disco debut de Anna Netrebko, Opera Arias, cantando las partes de mezzo.
Al año siguiente cantó las Sietre Primeras Canciones de Alban Berg, Dorabella, Meg y Rosina en Viena, Dorabella en el Festival de Salzburgo, Adalgisa con Edita Gruberova en Baden-Baden, apareciendo en la grabación de la ópera que efectuó el sello Nightingale, Cenerentola en París, también grabó el rol de Andronico de la ópera Bajazet de Vivaldi.
En 2005 debutó como Charlotte (Werther) y cantó de nuevo Rosina y Meg en Viena, Dorabella en Aix-en-Provence y París. Grabó el doble compacto Mozart Arias & Concert Arias para Virgin.
En 2006 cantó Sesto de La Clemenza di Tito en París; Octavian, Rosina, Cherubino, Dorabella, Sesto y Charlotte en Viena. Ofreció conciertos dedicados a Mozart con Roger Norrington y Riccardo Muti, partició en la Missa solemnis de Beethoven. Y participó en un recopilatorio de arias de Mozart aparecido en DG (The Mozart Album).
En 2007 interpretó Rosina, Cherubino, Dorabella, Octavian, Charlotte y Adalgisa en Viena, debutó en la Ópera de Berlín como Sesto, debutó en el Covent Garden como Dorabella y cantó por primera vez Carmen en Riga. Ofreció conciertos bajo la dirección de directores como Mariss Jansons y Marco Armiliato. También apareció su primer album en solitario para Deutsche Grammophon, Aria cantinela.
2008 es el año de su debut en el Met con Rosina, en Riga debutó el papel de Romeo (I Capuleti e i Montecchi), en Ginebra debutó el rol de Marguerite (La Damnation de Faust), cantó Octavian en Berlín, Adalgisa y Charlotte en Munich. Grabó con Roberto Abbado el album Bel Canto, que incluye arias de Donizetti, Bellini y Rossini.
Además de la gira que está realizando actualmente con la Orquesta de Cámara de Basilea, en 2009 está previsto que interprete los papeles de Octavian en Viena, Romeo (I Capuleti e i Montecchi) y Carmen en el Covent Garden, Angelina (La Cenerentola) en el Met y Charlotte (Werther) en Viena y Baden-Baden.
El rey que rabió, la zarzuela que conmemoraba en Valencia el centenario del fallecimiento del compositor alicantino Ruperto Chapí, me ha parecido una de las mejores producciones que se han realizado por el Palau de les Arts desde que abrió sus puertas.
El teatro comenzaba su andadura con un Fidelio bastante convencional aunque muy efectivo y espectacular; Don Giovanni ni se vió, pasó a mejor vida tras las inundaciones; el Cyrano, con un montaje bastante feo, se realizó con urgencia pero resultó uno de los que mejor resultado ha dado en cuanto a movimiento escénico; la Carmen de Saura no había por dónde cogerla se mire por donde se mire; Simon Boccanegra fue un dejà vu; de Parsifal lo mejor fue la belleza plástica lograda en algunas escenas pero los problemas por resolver fueron muchos, no sólo en cuanto a movimiento escénico sino en la falta de representación de aspectos fundamentales de la historia, como la llegada de la primavera en el último acto; L'arbore di Diana nos mostró que con un buen movimiento de actores y un poco de inteligencia se pueden conseguir resultados más que notables, y de que no es necesario tirar el dinero sin ton ni son; La Bohème -que ahora mismo no sabría decir si era un montaje propio- y La bruja me las perdí; en el Festival del Mediterráneo la Fura sorprendía a propios y extraños con un Oro del Rhin y una Walkiria hipnóticos y de ciencia ficción que no asesinaban la dramaturgia wagneriana, un placer para los sentidos, a un nivel inferior se situaba, al año siguiente, su Siegfried, convertido en más de lo mismo.
De El rey que rabió escuchamos el picante coro Por entre las mieses (Mazurca del ris-ras), que a finales del XIX, con sus onomatopeyas, debía ser bastante fuertecillo. "Y ellos, pobrecitos, no piensan más que en ir cortando espigas, ris-ras, ris-ras", las cosas no han cambiado tanto:
Con El rey que rabió hemos podido comprobar que el coro sabe moverse , y muy bien, si alguien le dice cómo debe hacerlo, que uno ya empezaba a dudarlo. La puesta en escena ha sido muy atractiva, llena de colorido, con predominio del rojo -que al final resultará ser símbolo del amor y no la plasmación de una idea política, como Maac había pensado al iniciar la obra- y con muy pocos elementos, sin renunciar a la espectacularidad, resuelve todas las situaciones que la obra plantea, lo mismo sirve para mostrar una escena palaciega que otra campestre, no hay un momento para el estatismo, todo está en un continuo movimiento desde que se alza el telón. No son muchas las dificultades de la obra para la Orquesta de la Comunitat Valenciana, los cantantes han pasado la prueba con un aprobado general, el coro ha brillado al nivel que nos tiene acostumbrados, pero si algo ha triunfado por encima de los demás ha sido la dirección escénica de Emilio Sagi, la escenografía de Francesco Calcagnini, el vestuario de Pepa Ojanguren -una sabia combinación de lo tradicional en la forma, con lo moderno en el diseño de las telas- , la iluminación de Albert Faura, y la coreografía de Diniz Sánchez.
En cuanto a la obra de Chapí decir que es deudora de la época en la que se compuso, por lo que no dejé de tener la impresión de que estaba asistiendo a una representación de una pieza de arqueología, su humor está hoy más que superado, si bien quedó demostrado que puede funcionar si se la adorna como es debido y mucho mejor que óperas prestigiosas que forman parte del repertorio habitual de los teatros de ópera actuales, La fille du régiment sin ir más lejos, claro que aquí ya entra en juego la riqueza musical de la una en relación a la otra.
Tabién hemos visto que la política de descuentos que aplicó el Palau de les Arts ante el temor a que el teatro presentara medio aforo ha tenido sus frutos y que con la programación de zarzuela se permite que otro tipo de público acceda al Palau de les Arts, y no sólo el de mayor edad, nunca había visto tanto niño en una representación de les Arts. En definitiva, que pasé una tarde muy agradable, me olvidé de los problemas cotidianos y me reí alguna que otra vez. Así que si siempre va a ser a este nivel, por mí pueden seguir, una zarzuela al año no hace daño.
Terminamos con el bellísimo Nocturno del segundo acto:
Victoria de los Ángeles ganó en 1947 el primer premio del concurso de canto de Ginebra, pero en aquel momento, según la soprano, no tuvo mucha importancia, "ha tenido después, porque han dicho: Y ganó el Premio de Ginebra. Pero no me ha servido", así lo contaba la soprano a Jaume Comellas.
Al año siguiente consiguió cantar, para la BBC y en inglés, el papel de Salud en La vida breve de Falla, fue gracias a una carta de presentación de Walter Starkie, un violinista que se encontraba en Barcelona y estaba vinculado al Brittish Institute. En Londres y a través de la intervención de un periodista exiliado, Josep Manyé, que utilizaba el nombre de Jorge Marín como seudónimo, intentó cantar en el Covent Garden, pero la rechazaron. Por aquellos días ofrecía un recital para la BBC acompañada de la guitarrista Renata Tarragó, que había viajado con la soprano para intervenir también en La vida breve. Era un 15 de marzo de 1948 y todo el repertorio que interpretó estuvo cantado en gallego, en catalán o en castellano, lo cual debe considerarse toda una proeza. De aquel recital existe grabación, vamos a escuchar una canción tradicional catalana, El Testament d'Amelia -desgraciada cornuda-, arreglada por el compositor y virtuoso de la guitarra barcelonés Miguel Llobet Solés (1878-1938):
L'Amèlia està malalta, la filla del bon rei. Comtes la van a veure. Comtes i noble gent. Ai, que el meu cor se'm nua com un pom de clavells. Filla, la meva filla, de quin mal us queixeu? El mal que jo tinc, mare, bé prou que me'l sabeu. Ai, que el meu cor se'm nua com un pom de clavells. Filla, la meva filla, d'això us confessareu. Quan sereu confessada el testament fareu. Ai, que el meu cor se'm nua com un pom de clavells. Un castell deixo als pobres perque resin a Déu. Quatre al meu germà en Carles. Dos a la Mare de Déu. Ai, que el meu cor se'm nua com un pom de clavells. I a vós, la meva mare, us deixo el marit meu perquè el tingueu en cambra com fa molt temps que feu. Ai, que el meu cor se'm nua com un pom de clavells.
¡Anatema! Escuchamos a Christa Ludwig, saltándose todas las reglas que imperan en la actualidad: ¡¡¡una mezzo dramática cantando Cleopatra de Giulio Cesare de Haendel, en alemán y con la ampulosidad de una orquesta romántica!!! Su V'adoro pupille ( Es blauht die Nacht) no será la versión de referencia pero resulta sensual y expresiva; si no os gusta por lo menos coincidiréis en que es curiosa, forma parte de la historia de la interpretación musical; además, tiene el inconfundible sello de Ludwig. Para mentes abiertas.
Hoy, para levantar el ánimo tras una semana que ha sido horrible, no pienso ponerme muy trascendente, así que comienzo con una canción liviana de contenido pero de considerable dificultad para un tenor de nacionalidad sueca. Se trata de Granada, del mexicano Agustín Lara -cuyo nombre completo es largo como pocos: Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón Lara y Aguirre del Pino; ¿alguien da más?-. No es la de Gedda la versión de referencia; no es perfecta, tiene mínimos fallos en la dicción -entendida como manera de pronunciar-, "heco" por "hecho" el más llamativo - y tiene la suerte de que hasta le queda poético: mi cantar, eco de fantasía, sin embargo respecto a la articulación es otra cosa, me atrevería a decir que es casi perfecta. Y ahí es donde quería llegar. No es lo mismo articulación que dicción. Gedda, independientemente de su técnica de canto, que no era moco de pavo, puede considerarse uno de los tenores de dicción más clara y técnica de articulación más sólida que ha conocido la historia de la música grabada, lo mismo le daba al italiano, al francés, al ruso, al alemán o, si se terciaba, al castellano. Y aquí tenemos varios ejemplos.
Ahora cantando en alemán una canción que forma parte de la banda sonora de la película Ich küsse Ihre Hand, Madame (1928) de Robert Land , que estaba protagonizada por Marlene Dietrich y en la que la canción del mismo título, compuesta por Fritz Rotter, era cantada en la película por Richard Tauber.
Cantando "Tiritomba", canción tradicional italiana:
Una animada canción tradicional rusa con acompañamiento coral:
Un dúo en sueco -Duellanterna, me parece que traducido es El duelo- del, para mí, desconocidísimo Isidor Dannström (1812-1897), acompañado del barítono Rolf Leanderson, parece divertido pero no teno ni idea de la letra, una pena porque parece que promete, y no sé por qué pero cuando la escucho, en su comienzo, me ronda por la cabeza la ópera Esponsales en el Monasterio, después todo parece más rossiniano:
Una canción irlandesa con arreglos de Britten: Down by the Salley gardens
Y para terminar y quedarnos totalmente relajados una nana en francés de la ópera Jocelyn (1888) de Benjamin Godard:
He releído varias veces un artículo de Rubén Amón aparecido hoy mismo en www.elcultural.es y no salgo de mi asombro porque no sé en que se basa para afirmar que Gergiev irá al Palau de Les Arts. La semana pasada el mismo director lo desmentía en Valencia. Mientras tanto el Palau de les Arts manda SMSS a los abonados para informar que el lunes salen a la venta las entradas de La Tetralogía pero no sabemos nada más.
Me ha llegado por correo electrónico la noticia del estreno de una ópera el próximo día 31 de enero en Castellón. Os dejo la descripción que aparece en la página web creada al efecto y os recomiendo que la visitéis si deseáis ampliar información o escuchar su música en el siguiente enlace: Fortuny Venise
FORTUNY VENISE és una òpera el nucli de la qual és la personalitat fascinant i polifacètica de Marià Fortuny i Madrazo, fill de Marià Fortuny i Cecilia de Madrazo. Més que en una escenificació biogràfica, la música de Diego Dall’Osto, el libretto de Lluís Meseguer i la direcció escènica de Rafel Duran, intenten bussejar en el temps apassionant i complex que va viure l’artista; les seues relacions personals i artístiques amb personatges coneguts de les arts i la tècnica; les seues creacions estètiques i industrials; i els fets històrics que va presenciar.
Text, música i posada en escena formen una continuïtat on els diferents llenguatges es complementen i es reflecteixen els uns en els altres. En tant que espectacle, en tant que òpera, Fortuny Venise proposa una sèrie de visions líriques a través de les quals el protagonista ofereix claus poètiques, reflexives, històriques i estètiques que ens permeten entendre el seu temps, que és encara el nostre, i potser el de sempre, el del món i la humanitat.
Volvemos a fragmentos originales de obras de Haendel que fueron reciclados en composiciones posteriores:
- El punto de partida sería, igual me equivoco y existe en alguna composición anterior, si es así yo no la conozco, el aria "D'amor fu consiglio" de La Resurrezione (1708). Este oratorio fue compuesto en Roma para el Marqués Ruspoli, sólo hubo una primera representación con mujeres en los papeles femeninos (al menos Maria Magdalena, que fue interpretado por Margarita Durastante), en las sucesivas producciones, debido a una amonestación papal, la soprano tuvo que ser sustituida por un castrado, escuchamos a Rosemary Joshua interpretando el Angelo con Emmanuelle Haïm. Aquí la soprano está acompañada por el solo del violín concertino que contrasta con el resto de cuerdas:
Angelo: D’amor fu consiglio che al Padre nel Figlio l’offesa pagò, per render all’huomo la vita che un pomo gustato involò.
- La composición de la cantata dramática con instrumentos Apollo e Daphne (1709/1710)se inició en Venecia pero fue terminada en Hannover o en Londres, recordemos que Haendel, tras una corta estancia en Hannover y otras ciudades alemanas llegó a Londres en el otoño de 1710 y no abandonaría la ciudad, salvo por breves períodos, hasta su muerte en 1759. De Apollo e Daphne escuchamos el dúo entre los protagonistas "Deh! lascia addolcire", ahora con acompañamiento de flauta y continuo cuando canta Apollo y por el resto de la orquesta cuando lo hace Dafne. Está interpretado por Karina Gauvin y Russell Braun con Les Violons du Roy bajo la dirección de Bernard Labadie:
- Del oratorio Alexander Balus (1748) escuchamos el aria de Alexander, el rey de Siria, "Fair virtue shall charm me". Aquí acompañan a la soprano oboe, violín y resto de cuerdas, está interpretada por Catherine Denley bajo la dirección de Robert King:
Alexander: Fair virtue shall charm me, and honour shall warm me. This love to repay: While streams flow from fountains, And flocks on the mountains Or valleys shall stray.
El otro día un visitante anónimo lo anunciaba en el blog, y hoy la página web del Palau de les Arts lo confirma, Cristina Gallardo Domas no cantará en el Fausto de Gounod por cuestiones de salud. Hay dos sustitutas, una desconocida, Nataliya Kovalova, la otra muy conocida ya por el público valenciano, Alexia Voulgaridou, quizás demasiado. Unos dirán que hemos salido perdiendo, otros que ganando, yo digo: Si no quieres caldo, dos tazas. No sé qué le pasa a Gallardo-Domas pero las dos veces que la he escuchado no ha respondido a las expectativas, confío en que con el tiempo vuelva a encontrar el norte.
Sobre Voulgaridou lo mejor que puedo hacer es correr un tupido velo, baste decir que ofreció una Luisa Miller en la que la coloratura brillaba por su ausencia y que sólo se salvaba al final por la fuerza dramática de su interpretación. Por si alguien tiene ganas de escuchar su forma de cantar aquí la tenemos su Marguerite de hace unos cuatro años:
Por el contrario, respecto a Nataliya Kovalova lo mejor que podemos hacer es darle un voto de confianza. La soprano ucraniana ganó el segundo premio del público en Operalia 2004, entre los roles que suele interpretar se encuentran Pamina, Donna Elvira, Susanna, Mimi, Violetta -la cantó en la Ópera de París-, Nedda, Lauretta, Nanetta, Micaela, Desdemona, Elisabetta y Tatyana, una lírica. Por lo que he escuchado en Youtube lo positivo está en un timbre muy atractivo y parece que potente, respecto al canto prefiero no opinar hasta no haber escuchado algo más, pero me da que no se caracteriza por su sutileza, característica que comparte con Gallardo Domas., tiene, además tendencia al vibrato, por lo menos en la grabación que podéis oír más abajo.
La escuchamos en dos fragmentos de La bohème en Lausana, en febrero de 2008, "Donde lieta usci..." y "Sono andati?..." No está mal, lástima que está tirante en los agudos:
Además han desaparecido los tenores que interpretarán el rol de Calaf en la Turandot programada la próxima primavera, se ve que no han superado la prueba de los enigmas, recordemos que el primero en caer fue Marco Berti, ahora han caído dos más: Jon Villars y Jeong Wong Lee.
Vino mi madre a casa con una bolsa de plástico en la mano. "Te traigo unas manzanas que me ha dado el tío". Buah, pensé, manzanas...
Recordé cuando era niño y venían aquellas cajas de madera repletas de manzanas, comías manzanas hasta que las aborrecías, también recordé las bandejas de manzanas asadas que hacía mi abuela en la cocina económica a leña, las tartas y la confitura de manzana; aquellos enormes cocidos que hacía mi tía con diminutas manzanas agusanadas, pieles de patatas y de otras verduras, y cuyo destino era ser comida para los cerdos. Es lo que tiene el campo, en la temporada de las manzanas te hartas de manzanas; en la de la uva, de uva; los tomates te los comes desde julio a septiembre de mil y una manera distinta, las lechugas, pepinos y pimientos en verano se acumulan hasta llegar al estrés, y así con todos los productos que da la tierra... Abrí un cajón de la nevera y deposité allí las manzanas. No fui consciente del trabajo que cuesta regar los campos, podar los árboles, preparar la tierra, recolectar los frutos, e incluso un poco antes de la recolección sujetar las ramas con palos para que no se tronchen por el peso de aquéllos. Eran unas simples manzanas. Han trascurrido unos dos meses desde que apareció mi madre con una bolsa de plástico repleta de manzanas. Hoy he abierto la nevera buscando algo que llevarme a la boca y las he visto. Exactamente las misma cantidad de manzanas que venía en aquella bolsa blanca, ni una manzana más ni una manzana menos. "Ah, mira... las manzanas del tío". He tocado una presionando fuertemente con los dedos sobre su piel, "a ver... ¡ah, pues está dura!", la he pelado y me la he comido, no sólo la textura de la pulpa conservaba su firmeza, estaba dulce y jugosa como si la acabara de coger del árbol... "¿cómo es posible? Si llevan dos meses ahí". Las de Mercadona aguantan mucho menos.
Abendempfindung Música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Texto de Joachim Heinrich Campe (1746 - 1818)
PRESENTIMIENTOS NOCTURNOS. Ha oscurecido, de la luna emana un fulgor plateado. Se han escapado las mejores horas de nuestras vidas. También serán fugaces sus heterogéneos escenarios, caerá el telón por última vez, la representación habrá acabado, las lágrimas de los seres queridos también caerán sobre la tierra que nos cubre. Tengo el presentimiento de que pronto llegará la hora, terminará mi errar por el mundo y ascenderé a algún lugar en calma. Si venís a mi tumba y una suave brisa os empuja hacia arriba, sabed que soy yo quien intenta elevaros, entonces agachad la cabeza y mirar a la tierra y no temed derramar una lágrima, pues será el tesoro más preciado que yo haya podido soñar jamás (Traducción libre de Maac).
Abend ist's, die Sonne ist verschwunden, Und der Mond strahlt Silberglanz; So entfliehn des Lebens schönste Stunden, Fliehn vorüber wie im Tanz.
Bald entflieht des Lebens bunte Szene, Und der Vorhang rollt herab; Aus ist unser Spiel, des Freundes Träne Fließet schon auf unser Grab.
Bald vielleicht (mir weht, wie Westwind leise, Eine stille Ahnung zu), Schließ ich dieses Lebens Pilgerreise, Fliege in das Land der Ruh.
Werdet ihr dann an meinem Grabe weinen, Trauernd meine Asche sehn, Dann, o Freunde, will ich euch erscheinen Und will himmelauf euch wehn.
Schenk auch du ein Tränchen mir Und pflücke mir ein Veilchen auf mein Grab, Und mit deinem seelenvollen Blicke Sieh dann sanft auf mich herab.
Weih mir eine Träne, und ach! schäme dich nur nicht, sie mir zu weihn; Oh, sie wird in meinem Diademe Dann die schönste Perle sein!
Hoy, en la Sala Rodrigo del Palau de la Música, se abría la novena edición del ciclo de lied con el recital de la soprano alemana Juliane Banse y el pianista Aleksandar Madzar. Componían el programa una selección de canciones de Brahms, Hartmann y Schumann. Me he encontrado con una voz más ancha de lo que esperaba, estamos ante una una lírica pura que tiene perfectamente solventada la soldadura entra los registros, con resultados muy uniforme, "una voz redonda", Carmina's mother dixit, además se desenvuelve muy bien en el terreno del lied, muy musical y con una excelente pronunciación, dicción y articulación, de hecho, yo que de alemán ni papa, podía distinguir con cierta claridad las palabras pronunciadas, y no aisladas sino que a veces en frases completas. Un descubrimiento para gran parte del público presente ha sido la parte dedicada a Karl Amadeus Hartmann (1905-1963), de quien ha interpretado una cantata para soprano y piano titulada Lamento, compuesta en 1955 sobre textos de Andreas Cryphius (1616-1664) y dividida en tres partes: 1. Elend (Miseria), 2. An meine Mutter (A mi madre) y 3. Friede (Paz). Pero a mí lo que más me ha gustado es el Ciclo de poemas (Liederkreis) basado en textos de J.K.B. von Eichendorff (1788-1857), op. 39 de Robert Schumann, todos magníficos pero que tiene ese maravilloso núm. 5, Mondnacht: "Era como si hubiera el cielo la tierra en silencio besado...", y lo vamos a escuchar, no por Juliane Banse, que no lo tengo, sino, para variar un poco, por un señor: Richard Tauber:
Banse ha estado magníficamente acompañada al piano por el profe de nuestro Cherubino, Aleksandar Madzar. Lo escuchamos en el segundo movimiento del Concierto para piano núm. 27 de Mozart con la Royal Philharmonic Orchestra y André Previn, mucho más joven ya que el vídeo tiene dieciocho años:
Juliane Banse, que ahora tiene 39 años, comenzó a los cinco años dedicándose al violín y a la danza, apareciendo como bailarina en la Ópera de Zurich. Desde los 15 años se dedicó al canto con profesores de la Ópera de Zurich, completando sus estudios con Brigitte Fassbaender, especialista en lied, y Daphne Evangelatos en Munich. En 1989 debutó en los escenarios interpretando el rol de Pamina (Die Zauberflöte) en la Komische Oper de Berlín, posteriormente fue añadiendo otros papeles mozartianos como los de Ilia (Idomneo), Susanna y la condesa (Le nozze), Despina y Fiordiligi (Così), Zerlina (Don Giovanni) y de otros compositores, como los de Eurilla (Orlando Paladino), Marzeline (Fidelio) en Viena -lo tiene grabado en EMI on Rattle-, Genoveva de Schumann, Sophie (Der Rosenkavalier), que cantó en Salzburgo o Manon de Massenet en la Deutsche Oper de Berlín, Musetta (La Bohème) en Colonia, Eva (Die Meistersinger), La zorrita astuta de Janacek, Ighino en la ópera Palestrina, Emma (Fierrabras de Schubert). Estrenó en Zúrich la ópera Schneewittchen de Heinz Hollliger, interpretando el papel protagonista.
Importante es también su carrera como concertista e intérprete de música dramática no escenificada, habiendo interpretado obras como la Suite Lulu y las Siete Primeras Canciones de Berg, las Sinfonías núm. 2, Resurrección, y núm. 8 de Mahler, la Novena de Beethoven, Las Estaciones y La Creación de Haydn, Les Illuminations de Britten, el Salve Regina de Schubert, La Misa en Si menor y las pasiones según San Juan y San Mateo de Bach, la Misa en Do menor de Mozart, las Nuits d'été de Berlioz, los Cuatro últimos lieder de Strauss, Escenas del Fausto y Das Paradies und die Peri de Schumann, Elijah y Paulus de Mendelssohn,
Escuchamos a la soprano interpretando el cuarto de los Vier Lezte Lieder de Richard Strauss, In Abendrot con la SWR Sinfonie-Orchester Baden-Baden und Freiburg bajo la dirección de Michael Gielen, presentación que dedico a Álvaro, hace unos meses hice una parecida y sé que le gustó mucho:
Juliane Banse participó, junto a András Schiff al clave y el Cuarteto Mosaiques, el estreno mundial de un aria de Bach que se descubrió en el año 2005 en la Biblioteca de la Duquesa Ana Amalia, "Alles mit Gott und nichts ohn'ihn" (Todo con Dios y nada sin él) BWV 1127, una composición de 1713 para voz solista, cuerda y continuo que vamos a escuchar en la grabación de Gardiner con la soprano Elin Manahan Thomas:
Estoy muy contento con esta entrada, he ido picoteando por aquí y por allá y creo que me ha quedado muy chula, vosotros diréis.
Esta tarde-noche hemos asistido en el Palau de la Música de Valencia a uno de esos conciertos que te dejan una huella imborrable. La orquesta y coros del Teatro Mariinski bajo la dirección de Valery Gergiev interpretaban, en versión concierto, la ópera, de Rimski-Korsakov,La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh. Extraordinaria orquesta, extraordinario coro y reparto muy homogéneo, con cantantes habituales del citado teatro, en el que ha destacado, en el agotador papel de Fevronia, la soprano Olga Sergeeva. Automáticamente esta ópera pasa a engrosar la lista de aquéllas que me gustaría ver representada alguna vez en la vida. He salido impactado. La ópera ha transcurrido en un suspiro.
Desde que he salido del concierto no he parado de darle vueltas a la cabeza: Cómo es posible que esta obra no esté más afianzada en el repertorio y que, fuera de Rusia, sea una absoluta desconocida para el aficionado medio. Por la historia de esa ciudad que, gracias a la fe de un pueblo, desaparece para resurgir en un mundo ideal; por el perfil psicológico de algunos de sus personajes, pero sobre todo de Grichka Kutierma, que en un primer momento puede identificarse con el mal pero que está alejado de todo maniqueísmo, ya que su comportamiento es fruto de la propia necesidad de subsistir o de la coacción antes que de la más pura maldad; por el brillante tratamiento del coro, que se muestra como si fuera un personaje más, expresando el sentir de los ciudadanos, recordándonos en muchos aspectos a Boris Godunov; por su extraordinaria orquestación, de embriagador cromatismo, en la que unas veces brilla el exotismo oriental y otras el misticismo, así como por sus referencias a los ritmos tradicionales, tanto populares como religiosos, sin olvidar tampoco la magnífica descripción de ambientes como el de Kitezh la Menor en el inicio del segundo acto, con sus mercaderes, comerciantes, mendigos, músicos... Por todo lo dicho esta ópera tendría que tener mucha más fama de la que tiene, que es nula. Sin ir más lejos, en el Kobbé, que resume el libreto de unas cuatrocientas óperas, no aparece.
La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la joven Fevronia, es la penúltima de las 15 óperas que compuso de Nicolai Rimski-Korsakov (1844-1908) y la última que el compositor vió estrenada. Basada en dos antiguas leyendas rusas: la de la ciudad invisible y la de la Santa Fevronia, con libreto de Vladimir Belsky, se estrenó en el Teatro Mariinski de San Petersburgo el 20 de febrero de 1907. La acción se sitúa en la legendaria ciudad rusa de Kitezh, situada frente al lago Svetloiar, en el siglo XIII, durante las invasiones tártaras. Fevronia, una joven que vive en el bosque en comunión con la naturaleza aislada de todo contacto humano acude en ayuda de Vsevolod, hijo del gran duque de Kitezh, herido por un oso durante una cacería en el bosque, el muchacho queda prendado de la sabiduría y pureza de la joven, sin revelar su auténtica identidad decide esposarla, ya que ella también cae rendida ante él. Poco después de que la pareja haya llegado a Kitezh la Menor para celebrar las esponsales, la ciudad sufre el acoso de las tropas bárbaras y Fevronia es apresada junto al vagabundo Kutierma. Éste es obligado a guiar a los invasores hasta Kitezh la Grande. El ejército de Kitezh, encabezado por Vsevolod, se enfrenta a los enemigos pero son derrotados y muertos. Una niebla muy espesa se levantará y la ciudad se hará invisible a los enemigos ocultándose en las aguas del lago mientras que sus campanas no dejan de sonar. Los tártaros, presas del pánico, huirán. Fevronia, perdida en el bosque, será guiada por la imagen de Vsevolod hasta la nueva Kitezh, situada en otro mundo, seguramente el paraíso: "Aquí no hay lágrimas ni dolor sino dulzura y dicha, dicha eterna". Estas son las palabras con las que, cantadas por el coro, termina la ópera.
En el tercer acto tienen lugar las oraciones para que desaparezca la ciudad de la superficie de la tierra, las referencias a la música litúrgica son evidentes:
Los hay que dicen que esta ópera es el Parsifal ruso, me gustaría que escucharais este fragmento del cuarto acto, en el que encuentro muchas similitudes con el segundo acto de Parsifal:
Los animadores Ivanov-Vano y Yuri Norstein realizaron en 1971 una película en dos dimensiones, La Batalla de Kerzhenets -título del interludio entre los dos cuadros del acto tercero-, basada en la ópera de Rimsky-Korsakov, he encontrado un vídeo en Youtube:
"La política es una cosa y la verdad es otra, y si dices la verdad no eres políticamente correcto, pero la verdad es que no puedes atacar a niños con misiles y tanques" (Valery Gergiev)
Preguntado por una hipotética vinculación con el Palau de les Arts de Valencia, ha comentado que su trabajo está centrado en el Mariinski y en la Orquesta Sinfónica de Londres, sin olvidar su colaboración con el Metropolitan de Nueva York y la Filarmónica de Viena. No obstante, Gergiev, que abrirá la temporada de ópera 2009-2010 en el coliseo valenciano con 'Las troyanas' de Berlioz, se ha mostrado abierto a una cooperación, ya que las producciones de óperas 'son caras'.
Lo escuchamos dirigiendo un fragmento del Acto 1 de la Leyenda de la Ciudad Invisible de Kitezh, ópera de Rimski-Korsakov que, en versión concierto, ofrecerá mañana en el Palau de la Música de Valencia con la orquesta del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Será el tercer y último concierto de los tres que director y orquesta han programado en Valencia.
No sé cómo definir la jornada laboral que he tenido hoy, no ha sido especialmente dura, he vuelto a casa unas tres horas antes de lo que tenía previsto, podría decir que ha sido decepcionante, pero tampoco ha sido eso porque he llegado a casa más contento que unas pascuas, ha sido la primera vez que me ha pasado algo así, pero casi prefiero no entrar en detalles. Aprovechando que este mes y el siguiente estaremos en Valencia con el Faust de Gounod para arriba y para abajo, hoy comenzamos una serie de entradas que tendrán por objeto mostrar la influencia o la utilización del Fausto de Goethe en la música.
Hermann Prey
BEETHOVEN Op. 75 núm. 3 - Aus Goethes Faust (Es war einmal ein König). Lied publicado en 1809, aunque parece ser que fue compuesto al principio de la década anterior, y basado en la Canción de la pulga (Flohlied) de Fausto de Goethe.
Es war einmal ein König, Der hatt' einen großen Floh, Den liebt' er gar nicht wenig, Als wie seinen eig'nen Sohn. Da rief er seinen Schneider, Der Schneider kam heran; "Da, miß dem Junker Kleider Und miß ihm Hosen an!" In Sammet und in Seide War er nun angetan, Hatte Bänder auf dem Kleide, Hatt' auch ein Kreuz daran, Und war sogleich Minister, Und hatt einen großen Stern. Da wurden seine Geschwister Bei Hof auch große Herrn. Und Herrn und Frau'n am Hofe, Die waren sehr geplagt, Die Königin und die Zofe Gestochen und genagt, Und durften sie nicht knicken, Und weg sie jucken nicht. Wir knicken und ersticken Doch gleich, wenn einer sticht.
* * *
Había una vez un rey que tenía una gran pulga. No era poco lo que la amaba. La quería como a su hija. Entonces llamó a su sastre y su sastre allí acudió. Al noble le tomó medidas y le hizo calzas y jubones.
De terciopelo y de seda iba aquella pulga vestida, de su jubón colgaban bandas y estaba prendida una cruz. Llegó enseguida a ministro con magna condecoración. Fue entonces cuando sus parientes renombre en la corte tuvieron.
Las damas y los cortesanos sufrieron enorme fastidio. A la reina y sus doncellas ellas picaron e incordiaron. Mas aplastarlas no podían, aunque todo les escociera. Las aplastamos y matamos tan pronto como una nos pica.
Y ahora la transcripción del lied que realizó Liszt interpretada por Leslie Howard:
No fue Beethoven el único que compuso una canción basándose en la canción de la pulga del Fausto de Goethe, pero eso lo dejamos para otro día.
El que se escuche esta entrada de cabo a rabo se merecería un premio, por el tiempo que tardaría en hacerlo y no por otra cosa, evidentemente. Yo os lo dejo, que cada uno elija lo que más le apetece escuchar. Otra opción podría ser repartir las audiciones en varios días.
CARUSO Y JOURNET
Marcel Journet (Méphitophélès)
- Enrico Caruso y Marcel Journet -para muchos el mejor Méphistophélès que ha existido- en grabación del año 1910, escuchamos desde la visión de Marguerite en la rueca ("O merveille") hasta el final del primer acto:
VEZZANI Y JOURNET
- De nuevo Journet, esta vez acompañado por Cesare Vezzani y la Orquesta de la Ópera de Paris dirigida por Henri Busser, grabación de 1930, de todo lo que vais a escuchar, aunque quizás suena envejecido, me parece muy natural y auténtico.
CROOKS Y PINZA
Ezio Pinza (Méphitophélès)
- Richard Crooks y Ezio Pinza en el Met, 1940:
TUCKER Y MOSCONA
Richard Tucker como Faust
- En Nueva Orleans, 1953, pudieron escuchar a Richard Tucker y a Nicola Moscona:
GEDDA Y CHRISTOFF
Nicolai Gedda (Faust)
- Procedente de la segunda grabación comercial de Cluytens, escuchamos el Faust de Nicolai Gedda y el Méphisto de Boris Christoff, el tenor magnífico pero el bajo está fuera de todo: de estilo, de dicción, de canto; ahora bien, de timbre, espectacular.
KRAUS Y GHIAUROV
Kraus y Ghiaurov (Faust y Méphitophélès)
- Alfredo Kraus y Nicolai Ghiaurov en una grabación realizada en directo en la Ópera de Filadelfia bajo la dirección de Guadagno, año 1967, sonido deficiente -dudando estado si ponerla- pero voces frescas como una lechuga, absolutamente prodigioso:
- Ahora doce años más tarde, Chicago 1979, con George Prêtre en el podio, mejor sonido y estupendo canto, sobre todo por parte del tenor:
LEECH Y MORRIS
Richard Leech (Faust) y Renée Fleming (Marguerite)
- Richard Leech, un tenor muy lírico, en todos los sentidos, sin duda es uno de los grandes Faustos de las últimas generaciones, y James Morris, al que no le entiendo guian de guian, me suena a Wotan, en el Met 1991, otro de los públicos al que gusta aplaudir antes de hora:
SABBATTINI Y RAMEY
Samuel Ramey (Méphitophélès)
- Giuseppe Sabbattini con el diablo en persona, Samuel Ramey, La Scala 1997:
ALAGNA Y TERFEL
Roberto Alagna (Faust) y Bryn Terfel (Méphitophélès)
- Roberto Alagna con Bryn Terfel en Londres 2004:
ALGUNA PLAYA EXÓTICA
Para terminar escuchamos versiones exóticas:
- En italiano, con Gianni Poggi y Raffaele Arié, Nápoles 1956:
- Y atención porque lo que vais a escuchar a continuación, si no conocéis al tenor, os puede dejar de piedra, se trata del Ucraniano Iván Kozlovsky en grabación con la orquesta del Bolshoi en 1947, que cante en ruso es lo de menos ante la calidad de la voz y del estilo de canto de este hombre que nació en Kiev el año 1900 y murió a los 93 años en Moscú:
Como Méphitophélès, en la misma grabación, impresionaba el timbre de auténtico bajo de Alexander Pirogov, escuchamos a ambos en el final del acto:
Estoy tecleando. Mientras voy completando el aburrido trabajo que me he traído a casa, pongo el reproductor del ordenador. Los diferentes fragmentos musicales, contenidos en uno de los discos duros externos y que ocupan unos treinta y cuatro gigas en la carpeta "Sopranos", van sucediéndose uno tras otro de forma aleatoria, así es el modo de reproducción elegido. Suenan las cuerdas. "Vaya... esto es Mozart". Sin ser consciente de ello los dedos quedan paralizados sobre las teclas y la mirada se posa sobre un lugar indeterminado de la pantalla para, finalmente, quedar oculta tras los párpados. Transcurren exactamente once minutos y siete segundos. Once minutos y siete segundos de eternidad, sin tiempo ni espacio. "Ch'io mi scordi di te...Non temer, amato bene" K. 505, es un rondó sobre un texto de Gianbattista Varesco compuesto en 1786 por Mozart para la cantante londinense Nancy Storace (1761 - 1817), que, procedente de Italia, se había instalado en Viena y acababa de intervenir, como Susanna, en el estreno vienés de Las bodas de Fígaro, tiene un obligado de piano que fue interpretado por el propio compositor el día de su estreno en el mes de febrero de 1787. Lo escucho en una grabación de 1968 con una madura Elisabeth Scwarzkopf, -cincuenta y cinco años de edad y treinta de carrera artística- Alfred Brendel al piano y la London Symphony Orchestra bajo la dirección de George Szell. Una y otra vez.
