Eugene Onegin es uno de los títulos más atractivos de la próxima temporada en Les Arts, el reparto , que todavía no se puede considerar oficial, me parece sólido pero no está integrado por grandes estrellas de la lírica del momento, no sé si en el futuro lo serán.
domingo, 27 de junio de 2010
viernes, 25 de junio de 2010
Les Arts 2010-2011. Intentado no morir en el intento.
"Es un proyecto artístico incuestionable
y yo creo que el Ministerio va a seguir apoyándolo"
Gonzalez Sinde (16/01/2010)
La nueva temporada del Palau de les Arts viene marcada, una vez más, por el acoso y derribo del gobierno Zapatero hacia la institución, de nada valen la calidad de muchas de sus producciones, el prestigio de la orquesta ni de dos de sus directores, el cerco hacia Les Arts se estrecha cada vez más mientras sus colegas de partido valencianos parece que miran hacia otro lado. Al final lo que salimos perdiendo somos los ciudadanos al contemplar como nuestros políticos sacrifican los intereses de sus votantes por razones electoralistas. Y el escándalo está alcanzando tal magnitud que incluso el periódico Levante, tan poco sosprechoso de ser afín al PP, por fin, ha comenzando a denunciar el agravio comparativo con otros teatros de ópera españoles: "Para el Palau de les Arts, ni pipas". A ver si de una vez por todas los valencianos comenzamos a distinguir lo que son nuestros intereses y los intereses electorales de los diferentes partidos políticos porque muchas veces son divergentes, por más que intenten convencernos de lo contrario.
martes, 22 de junio de 2010
La Carmen de Les Arts y Conchita Supervia
Fotograma de Salomé de Carlos Saura
Se levantó el telón, en el que se había impreso un grabado de Gustave Doré, y sobre un decorado cualquiera comenzó a sonar la música, podría haber sido Madama Butterfly, Così fan tutte, Turandot o Tristán e Isolda pero no, aquellos paneles eran de Carmen, así se desprendía del programa de mano, de la música que estaba sonando y de la ropa, muy chula por cierto, que llevaban los cantantes. Estos fueron desde lo excelente hasta lo mediocre, pero ya hicieron bastante con tener que enfrentarse a aquel despropósito escénico.
lunes, 21 de junio de 2010
Petibon - Rosso
El último disco de Patricia Petibon, que apareció esta primavera, está dedicado a Arias Barrocas Italianas y ha sido grabado con Andrea Marcon y la Orquesta Barroca de Venecia. A mí me gusta mucho Petibon -no siempre ni en todo momento, todo hay que decirlo- y es algo raro porque incluso yo mismo me sorprendo de ello.
domingo, 20 de junio de 2010
"Morucha" - ¿Habanera, tango, copla?
M O R U C H A
Canción Habanera.
"No quiero que me redimas, pues las cárceles son cielos"
"No quiero que me redimas, pues las cárceles son cielos"
Lletra: Juan Garcia - Música: Juan Quintero
IMPERIO ARGENTINA (1933)
viernes, 18 de junio de 2010
Georg Kreisler - Zu leise für mich
No me preguntéis lo que dice porque no tengo ni idea pero seguro que está muy bien, me gusta. Canta Georg Kreisler, su autor que, por cierto, ha sido acusado alguna que otra vez de plagio, él lo niega:
Y si alguien me proporciona la traducción, mejor que mejor.
jueves, 17 de junio de 2010
Les Arts - La venganza de Salomé
Ahora mismo acabo de llegar a casa tras asistir a Salomé, la ópera que, junto con Carmen, es protagonista del III Festival del Mediterráneo. No digo nada sobre la escenografía, ya lo explica todo perfectamente Titus aquí. La puesta en escena me ha impactado y encantado, creo que es la primera vez que he entendido a la protagonista, convertida a la fuerza en mujer-niña-objeto por su padrastro y rechazada por Jokanaan como posible conversa, me ha parecido totalmente lógico que termine pidiendo la cabeza de éste, así la venganza es doble; además, por primera vez he visto que la muerte de Narraboth puede tener un efecto dramático como motor desencadenante de las futuras reacciones de la protagonista. En definitiva, me ha parecido un planteamiento muy coherente y muy bien llevado a cabo gracias a la dirección de actores. Aunque se salta el argumento en más de ocasión sólo me ha chirriado en algunos momentos que son totalmente intrascendentes o anecdóticos. Rosa Solá en El País parece que no está muy de acuerdo, lo ve todo demasiado fácil -¿Por qué tiene que ser complicado?- y pide que a Jochanaan le pongan peluca
No creo que hayamos tenido el mejor reparto posible pero los intérpretes han estado todos a gran altura, sobre todo en lo escénico. Muy interesante me ha parecido el potente Narraboth de Nicolai Schukoff tanto por la belleza de su timbre como por la de su canto, he tenido la impresión de que la primera frase se le ha atragantado levemente pero se ha repuesto inmediatamente; Albert Dohmen, que interpretaba a Jochanaan, ha superado sin problemas la orquesta straussiana y ha ofrecido algunos destellos muy líricos pero hubiera agradecido mayor capacidad de matización y compromiso con el personaje, parece que nos haya visitado con la sola intención de cumplir; la veterana Hanna Schwarz ha lucido un timbre potentísimo pero descontrolado, con un vibrato ancho, la voz rota en los agudos, demasiado madura para Herodías, una mujer que, por la edad de Salomé y el hecho de que pueda haber atraído a Herodes hasta el punto de quitársela al hermano, aún es relativamente joven; no menos veterano era el tenor que ha interpretado a Herodes, Siegfried Jerusalem, era la primera vez que lo escuchaba en directo, no ha matizado nada, pasaba por las frases como por encima, en ocasiones no traspasaba la orquesta, sin embargo el timbre, aunque insuficiente, no sonaba muy avejentado, lo mejor su interpretación escénica, aunque no he podido evitar, al verlo moverse con tanta vitalidad, recordar su saltarín Siegfried inmortalizado en el DVD del Met; la protagonista era Camilla Nylund, una soprano quizás demasiado lírica para Salomé, con un timbre muy hermoso y brillante en la zona alta de la testitura pero con problemas en los graves, auténtico talón de Aquiles de todas las sopranos líricas, aún así ha sido capaz de redondearlos en momentos muy puntuales, ha tenido problemas de proyección y ha sido tapada por la orquesta en varias ocasiones pero ha sabido suplir estas carencias con musicalidad y técnica, lástima que no tenga más volumen densidad. Mención especial para la orquesta de Les Arts que, como siempre, ha brillado con luz propia y para Zubin Mehta, que ha hecho una lectura muy ágil de la partitura, que no ha decaído en ningún momento, más bien al contrario se ha ido intensificando conforme avanzaba la ópera. Seguramente sin esta orquesta y sin Mehta la Salomé de hoy hubiera sido otra. En resumen, que he disfrutado como un enano y estoy deseando que llegue el sábado para repetir.
Os dejo, para terminar, una impresionante escena final que cantó Caballé junto a Zubin Mehta en 1978, el sonido no es muy bueno pero vale la pena:
Os dejo, para terminar, una impresionante escena final que cantó Caballé junto a Zubin Mehta en 1978, el sonido no es muy bueno pero vale la pena:
miércoles, 16 de junio de 2010
A propósito de "Der Rosenkavalier"
QUE RESTE-T-IL DE NOS AMOURS ?
Letra: Charles Trenet
Música: Charles Trenet et Léo Chauliac
1942
Ce soir le vent qui frappe à ma porte
Me parle des amours mortes
Devant le feu qui s' éteint
Ce soir c'est une chanson d' automne
Dans la maison qui frissonne
Et je pense aux jours lointains
Que reste-t-il de nos amours
Que reste-t-il de ces beaux jours
Une photo, vieille photo
De ma jeunesse
Que reste-t-il des billets doux
Des mois d' avril, des rendez-vous
Un souvenir qui me poursuit
Sans cesse
Bonheur fané, cheveux au vent
Baisers volés, rêves mouvants
Que reste-t-il de tout cela
Dites-le-moi
Un petit village, un vieux clocher
Un paysage si bien caché
Et dans un nuage le cher visage
De mon passé
Les mots les mots tendres qu'on murmure
Les caresses les plus pures
Les serments au fond des bois
Les fleurs qu'on retrouve dans un livre
Dont le parfum vous enivre
Se sont envolés pourquoi?
Que reste-t-il de nos amours
Que reste-t-il de ces beaux jours
Une photo, vieille photo
De ma jeunesse
Que reste-t-il des billets doux
Des mois d' avril, des rendez-vous
Un souvenir qui me poursuit
Sans cesse
Bonheur fané, cheveux au vent
Baisers volés, rêves mouvants
Que reste-t-il de tout cela
Dites-le-moi
Un petit village, un vieux clocher
Un paysage si bien caché
Et dans un nuage le cher visage
De mon passé
Versión completa:
martes, 15 de junio de 2010
Ponga un tango en su vida (1) - Nelly Omar: "Viejo jardín"
No sé cómo se llamará esto, es un tango y es un vals, ¿tango-vals? Canta Nelly Omar (1911) con más de 90 años; y las noticias que tengo es que sigue cantando (por lo menos hasta el 2009). La biografía la podéis encontrar aquí.
VIEJO JARDINLetra de Virgilio San Clemente
Musica de Antonio Cerazo
Ilusorio jardín del recuerdo
Pobre página triste de ayer
Dulce idilio de un pueblo lejano
Que nació en un bello atardecer .
Aun evoco el camino empolvado
Que orillaba a una antigua mansión
Y aun evoco el rosal que crecía
Entre besos, arrullos, perfumes y sol.
Qué tarde más serena
Qué alegre primavera
Cuando en flores la pradera
Nuestro paso engalanó.
En tus ojos leía
El sueño de ventura
Y mil besos de ternura
En tus labios bebí yo .
Pero vino el invierno y con él
Sombra y frío a la casa llegó
Se moría la risa en tus labios
Y el viejo rosal del jardín se secó.
Y una noche te fuiste de mí
Con la muerte que cruel te llevó
Y a tu lado tu marcha lloraba
Por toda la dicha que el tiempo truncó.
domingo, 13 de junio de 2010
No sólo de ópera vive el hombre - El Strauss orquestal
No he sido nunca muy forofo de la música para orquesta de Richard Strauss, estoy convencido de que todo se debe a que se me atragantó Una Sinfonía Alpina hace bastantes años y desde entonces no me he preocupado de volver a escuchar su música orquestal; sin embargo, siempre he sido un fanático de sus óperas, que me gustaron mucho antes que Wagner, sobre todo Salomé, Electra, El caballero de la rosa y Ariadna en Naxos, y, también de sus lieder orquestales. Hace unas semanas comenzó a rondar por mi cabeza una cuestión, cómo era posible que me gustaran tanto los fragmentos instrumentales en las óperas de Strauss y no pudiera con su música orquestal, pensé que, siempre huyendo de los poemas sinfónicos como si fueran la peste, quizás no les había dado tantas oportunidades, seguramente ahora había llegado el momento de olvidarme de prejuicios y volverlos a escuchar. Entonces pasó lo que tenía que pasar, que me di cuenta de lo equivocado que estaba, hoy he estado escuchando "Ein Heldenleben" (Vida de héroe) y me ha dejado realmente impactado, si es que no está tan alejado de Mahler y además tiene el típico melodismo de Strauss, con su característica oleada de cuerdas solapándose a los vientos que alternan con momentos percusivos disonantes y otros de un particular lirismo, casi camerístico, y no es por recurrir al tópico del dominio de la orquestación pero es que es una realidad.Os dejo un fragmento del tercer movimiento (Des Helden Gefährtin / La compañera del Héroe), aunque la obra se interpreta sin solución de continuidad, la interpretación corre a cargo de la Filarmónica de Berlín dirigida por Simon Rattle el 23 de septiembre de 2005:
Recital Olga Peretyatko - Palau de les Arts
Hoy, mientras Waltraud Meier daba su segundo concierto Parsifal en el Palau de la Música, en la Sala Martín y Soler del Palau de les Arts tenía lugar un recital de la soprano rusa Olga Peretyatko y el pianista Matthias Samuil bajo el extraño título "Voz en ella", claro que ya iba avisado, el anterior recital en el que José Manuel Zapata cantaba tangos llevaba por título "Tangos para ella", mira que son ingeniosos, yo no sé cómo es que el primer concierto del Festival, en el que la orquesta interpretaba el concierto para piano de Schumann y estrenaba Qualia de Sánchez Verdú no llevaba por título "Piano para ella" o "Ella va de estreno". Lo ridículo en Les Arts a veces no tiene límite.
Hay que ver lo bien que suena todo en la Sala Martín y Soler, es una pena que la misma apenas tenga contenido, este año se ha utilizado en sólo dos óperas "La scala di seta" y "Una cosa rara" y en muy pocos recitales; lo mismo pasa con el Auditorio Superior -todavía estoy esperando que me digan dónde cñ está el Auditorio Inferior-. Aún así con los tiempos que corren me parece que lo de esta temporada puede considerarse un lujo.
¿Por qué será que el público de Les Arts no tiene nada que ver con el del Palau de la Música? No es habitual que en el Palau de la Música se aplauda entre las canciones que van en un bloque; por el contrario en Les Arts parece de lo más natural que se haga así. Esto me hace llegar a la conclusión de que no estamos ante el mismo tipo de público. No lo entiendo pero es así.
Pero vayamos al tema. Estaba un poco decaído, había tenido que elegir entre el segundo acto de Parsifal en versión concierto con Meier, para el que tenía entradas desde hace bastantes meses, y el recital de Peretyatko. Como el otro día ya estuve en Parsifal decidí ir al recital de la soprano rusa, tenía curiosidad ¿Ha valido la pena?
Pues sí, la ha valido. Estaba claro que no iba a encontrarme con la reencarnación de Joan Sutherland o Beverly Sills, no tenía tampoco expectativas creadas, como ya he dicho, me apetecía ir, sin más. El primer bloque de la primera parte estaba formado por cuatro piezas de Rachamaninov: Lilac, opus 21.5, la conocida Vocalise, opus 34, 14; Zdes' khorosho (Qué bien se está aquí), opus 21, 7 y Ne poj krasavica (No me cantes más) , opus 4, 4. Peretyatko se ha encontrado cómoda en todo momento, habiendo nacido en San Petersburgo no es extraño. Con la excelente última canción del bloque no se ha alcanzado el punto álgido del mismo porque habrían de sonar más temas rusos como "Kolybel'naja pesnja" la nana de Tchaikovsky, opus 16.1. Ha sido un lujo poder disfrutar de estas canciones en la voz de una soprano que no sólo domina el idioma sino que transmite ese no sé qué que se lleva en los genes y que hace que todo suene auténtico, porque lo es.
Ha concluído la segunda parte con un bloque dedicado a Richard Strauss, protagonista de gran parte de esta edición del Festival, en el que ha interpretado "Die Nacht", opus 10, 3; "Ich schwebe", opus 48, 2; y la pasional "Cäcilie", opus 27, 2. Ha sido lo más flojo del recital, por lo menos no ha estado a la altura del resto, para mí que le ha faltado una mayor dosis de pasión, no la he encontrado comunicativa o quizás, debía haberlos colocado antes del repertorio ruso.
La segunda parte ha tenido las aves como protagonistas, sobre todo el ruiseñor. Ha abierto con "Le cygne", una famosa melodía de "El Carnaval de los Animales" de Saint-Saëns, ha seguido con "Quejas o La maja y el ruiseñor" de Granados, la verdad es que nunca la había escuchado en esta versión para piano y voz, siempre la escuché con acompañamiento de orquesta o para piano solo, el idioma no ha sido un grave problema para Peretyatko, ha cantado en castellano con mucha naturalidad e intención, sólo he percibido una erre algo arrastrada, ha sido pecata minuta. Después han llegado los ruiseñores: "Le rossignol et la rose" de Saint-Saëns, "La rosa y el ruiseñor", opus 2,2 de Rimsky-Korsakov y "Le chant du rossignol" de Stravinsky, el virutuosismo ha ido dosificándose de menos a manos hasta el brillante y colorista final de "Villanelle" de Dell'Acqua donde la voz ha dado lo mejor de sí, entonces Peretyatko se ha desmelenado y ha sacado a relucir toda su capacidad para la coloratura y el sobreagudo, para terminar un solo bis que, para mí, no venía a cuento: "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi pero que ha cantado con mucho gusto y musicalidad, regulando las intensidades, gustándose.
Ha sido un recital original, con un repertorio que no es muy habitual y adaptado a las características de la soprano, cuando no ha sido muy virtuosístico ha recurrido a la afinidad idiomática y cultural, cuando lo ha sido ha buscado una temática que le sirviera de hilo conductor. Peretyatko tiene un timbre muy hermoso y bastante homogéneo dentro de lo que es una soprano lírico-ligera, ha emitido algunos pianísimos muy buenos pero por dos veces al colocar la voz para atacarlos ha titubeado un poco, han sido los únicos lunares negros en un recital que me ha hecho pasar un rato muy agradable y algunos instantes mágicos. En cuanto a la labor del joven Samuil al piano ha sido correcta en todo momento.
Ha sido un recital original, con un repertorio que no es muy habitual y adaptado a las características de la soprano, cuando no ha sido muy virtuosístico ha recurrido a la afinidad idiomática y cultural, cuando lo ha sido ha buscado una temática que le sirviera de hilo conductor. Peretyatko tiene un timbre muy hermoso y bastante homogéneo dentro de lo que es una soprano lírico-ligera, ha emitido algunos pianísimos muy buenos pero por dos veces al colocar la voz para atacarlos ha titubeado un poco, han sido los únicos lunares negros en un recital que me ha hecho pasar un rato muy agradable y algunos instantes mágicos. En cuanto a la labor del joven Samuil al piano ha sido correcta en todo momento.
La escuchamos en Rachamaninov - "Ne poj krasavica"
Para terminar me gustaría comentar algo sobre el programa de mano, esta vez se ha realizado un único programa para todas las actuaciones de la Sala Martín y Soler, me parece un acierto porque aunque se gaste más papel seguramente la tirada, al ser más numerosa, salga bastante más económica, ahora sólo les falta bajar la calidad del papel -estoy seguro que la mayoría de las veces termina en la basura- y aumentar los contenidos, ¡Qué menos que incorporar los textos de los lieder! Copien del Palau de la Música. Tampoco estaría mal que no se bajara tanto la luz de la sala porque el público no puede seguir el programa, en este caso, ante la inexistencia de textos, el inconveniente era mínimo y tenía la ventaja de que aumentaba la concentración en lo que ocurría sobre el escenario.
sábado, 12 de junio de 2010
Mis arias favoritas (V) - "Dopo notte" de Ariodante

Ya decíamos hace poco que es difícil elegir un aria de óperas como Giulio Cesare o Ariodante de Haendel. De ésta el personaje protagonista tiene por lo menos dos arias que pueden situarse, aunque tampoco tiene por qué, dentro de cualquier selección de las mejores arias del barroco, la primera es "Scherza infida" y la segunda es "Dopo notte", un aria de comparación que con su endiablado ritmo no es de fácil ejecución para los instrumentistas pero que es dificultosa sobre todo para la cantante -o el catante pues en origen fue escrita para el castrato Giovanni Carestini-, ésta -o éste- ve sometidas a examen durante unos siete minutos su capacidad para el control del fiato y el dominio de la coloratura (estacatos, escalas, trinos, regulaciones de intensidad...). Es la típica aria "da capo", la parte central se me antoja que es más rápida de lo habitual. Entre las interpretaciones del aria que conozco hay dos que me gustan especialmente y tienen en común que ambas están dirigidas por Marc Minkowski, la grabada para su publicación comercial dentro integral de la ópera por Archiv, que tiene como protagonista a Anne Sofie von Otter y la que se retransmitió en un concierto desde la sala Olivier Messiaen de París el 18 de diciembre de 1999 en el que Les Musiciens du Louvre contaron con la participación de Magdalena Kozená, de eso hace ya más de 10 años - y parece que fue ayer -, entonces yo era un fanático de la (mezzo) soprano -a quien de alguna manera consideraba una especie de clon de Anne Sofie von Otter- y devoraba todo lo que de ella caía en mis manos, con el tiempo mi pasión por Kozená ha disminuido un poco o bastante mientras que von Otter , que le saca unos añitos, no ha dejado de entusiasmarme. La grabación de Kozena con Minkowski en París (1999) es la que vamos a escuchar ahora, transmite la alegría del momento a raudales - vamos, que es un aria de las que me ponen - y la ejecución es prodigiosa, de las que crean afición y ponen en evidencia que Haendel ha sido uno de los grandes músicos de la historia:
Dopo notte atra e funesta,
splende in ciel più vago il sole
e di gioia empie la terra.
Mentre in orrida tempesta
il mio legno è quasi assorto,
giunge in porto e 'l lido afferra.
splende in ciel più vago il sole
e di gioia empie la terra.
Mentre in orrida tempesta
il mio legno è quasi assorto,
giunge in porto e 'l lido afferra.
viernes, 11 de junio de 2010
Segundo Acto de Parsifal en Valencia - Waltraud Meier fue Kundry

Si el Palau de les Arts tiene prevista ofrecer una obra y luego resulta que, sin la menor explicación, desaparece del programa de mano ponemos el grito en el cielo, sin embargo con el Palau de la Música parece que somos más tolerantes, no se exactamente por qué, si es que lo consideramos una institución de andar por casa o que nos da más pena, nos cae más simpática..., pero esto no debería ser así, se le debe exigir la misma seriedad que a cualquier otra sala de conciertos. Pues eso es lo que pasó con Metamorfosis de Richard Strauss, cuando cogimos los programas pudimos comprobar que la obra había desaparecido como por arte de magina, sin la menor explicación, ni siquiera una disculpa. Y no es la primera vez que pasa esta temporada, no quiero recordar la bochornosa anulación de las celebraciones del Nou d'Octubre.
Pero la mayoría de los que estábamos allí no habíamos acudido a escuchar la obra de Strauss, sino que queríamos asistir a la cita anual que Waltraud Meier mantiene en el Palau de la Música con el público valenciano gracias a la amistad que le une con el director titular de la orquesta, Yaron Traub. Es una de las grandes cosas que este director a hecho por Valencia y se lo agradeceremos eternamente.
Este año tocaba el segundo acto de Parsifal, acompañaban a la Kundry de Meier el tenor Simon O'Neill como Parsifal y el barítono Roman Trekel como Klingsor. Tal y como había ocurrido en las últimas actuaciones que le había visto me esperaba encontrar una Meier deteriorada en lo vocal y cual fue mi sorpresa al comprobar que lucía un hermosísimo timbre, sin estrangulamientos ni tiranteces, menos gutural de lo habitual, así que de lo demás ya os podéis hacer una idea, no hace falta decir mucho más: si es grande con problemas vocales ,cuando estos desaparecen se convierte en inmensa, fue Kundry, de los pies a la cabeza.
De Simon O'Neill hablábamos hace unos días en el blog, cumplió las expectativas creadas, es un buen tenor, con un fiato más que suficiente y un timbre mucho más natural y cálido, menos metálico, que la impresión que produce al escucharlo en Youtube. Me gustó mucho como Parsifal. Tengo dudas sobre su capacidad para afrontar en estos momentos papeles de heledentenor, pero no lo descartaría en el futuro. Por lo pronto cantará Siegfried en La Coruña, Siegmund en La Scala, según información del programa de mano también cantará en el teatro milanés el difícil papel de Otello, doblemente difícil en este caso, por el rol en sí mismo y por la sala, esperemos que el público de La Scala no se le eche encima; ahora mismo no me lo imagino ni en el "Esultate". También estuvo bien Roman Trekel, lo que no me terminó de convencer fue la opacidad de su timbre.
La Orquesta de Valencia estuvo mejor de lo que nos tiene acostumbrados, me gustó esta vez Traub, pero no nos hizo olvidar el Parsifal con que Maazel inauguraba la temporada anterior en el Palau de les Arts, fue un pálido reflejo de éste. Me decía un amigo, algo exaltado por el efecto Meier, "¡teniendo unos cantantes así quién quiere una orquesta!" No estoy de acuerdo porque yo sí quiero una orquesta pero en ese momento lo comprendí perfectamente, ni siquiera me extrañó que lo dijera y pensé que mi amigo era sabio.
Cuando terminó el concierto el público permaneció callado durante unos segundos, algo inusual en esta sala -seguramente los energúmenos que se dedican a cortar el final de las obras sistemáticamente estaban en el estreno de Salomé en el Palau de les Arts-. Y ya que ha salido a relucir Salomé me gustaría señalar otra de las barbaridades que se hacen en Valencia: programar el mismo día el estreno de Salomé de Strauss y el segundo acto de Parsifal con la última (mezzo) soprano wagneriana mítica que nos queda. Espero disfrutar de ella durante muchos años más y que siga sin olvidarnos, ayer pudo comprobar lo que el público valenciano la quiere.
Al terminar el concierto Waltraud Meier daba, una vez más, una primicia, volverá al año que viene para cantar La canción de la tierra y los 5 Rückert Lieder de Mahler y estará acompañada por el neozelandés Simon O'Neill. Es una gran noticia.
Mañana vuelven a repetir el concierto en el Palau a las 19:30, si podéis no dejéis escapar la oportunidad.
Os dejo un vídeo grabado en Berlín con Meier cantando Kundry, Cristopher Ventris como Parsifal bajo la dirección de Nagano:
Pero la mayoría de los que estábamos allí no habíamos acudido a escuchar la obra de Strauss, sino que queríamos asistir a la cita anual que Waltraud Meier mantiene en el Palau de la Música con el público valenciano gracias a la amistad que le une con el director titular de la orquesta, Yaron Traub. Es una de las grandes cosas que este director a hecho por Valencia y se lo agradeceremos eternamente.
Este año tocaba el segundo acto de Parsifal, acompañaban a la Kundry de Meier el tenor Simon O'Neill como Parsifal y el barítono Roman Trekel como Klingsor. Tal y como había ocurrido en las últimas actuaciones que le había visto me esperaba encontrar una Meier deteriorada en lo vocal y cual fue mi sorpresa al comprobar que lucía un hermosísimo timbre, sin estrangulamientos ni tiranteces, menos gutural de lo habitual, así que de lo demás ya os podéis hacer una idea, no hace falta decir mucho más: si es grande con problemas vocales ,cuando estos desaparecen se convierte en inmensa, fue Kundry, de los pies a la cabeza.
De Simon O'Neill hablábamos hace unos días en el blog, cumplió las expectativas creadas, es un buen tenor, con un fiato más que suficiente y un timbre mucho más natural y cálido, menos metálico, que la impresión que produce al escucharlo en Youtube. Me gustó mucho como Parsifal. Tengo dudas sobre su capacidad para afrontar en estos momentos papeles de heledentenor, pero no lo descartaría en el futuro. Por lo pronto cantará Siegfried en La Coruña, Siegmund en La Scala, según información del programa de mano también cantará en el teatro milanés el difícil papel de Otello, doblemente difícil en este caso, por el rol en sí mismo y por la sala, esperemos que el público de La Scala no se le eche encima; ahora mismo no me lo imagino ni en el "Esultate". También estuvo bien Roman Trekel, lo que no me terminó de convencer fue la opacidad de su timbre.
La Orquesta de Valencia estuvo mejor de lo que nos tiene acostumbrados, me gustó esta vez Traub, pero no nos hizo olvidar el Parsifal con que Maazel inauguraba la temporada anterior en el Palau de les Arts, fue un pálido reflejo de éste. Me decía un amigo, algo exaltado por el efecto Meier, "¡teniendo unos cantantes así quién quiere una orquesta!" No estoy de acuerdo porque yo sí quiero una orquesta pero en ese momento lo comprendí perfectamente, ni siquiera me extrañó que lo dijera y pensé que mi amigo era sabio.
Cuando terminó el concierto el público permaneció callado durante unos segundos, algo inusual en esta sala -seguramente los energúmenos que se dedican a cortar el final de las obras sistemáticamente estaban en el estreno de Salomé en el Palau de les Arts-. Y ya que ha salido a relucir Salomé me gustaría señalar otra de las barbaridades que se hacen en Valencia: programar el mismo día el estreno de Salomé de Strauss y el segundo acto de Parsifal con la última (mezzo) soprano wagneriana mítica que nos queda. Espero disfrutar de ella durante muchos años más y que siga sin olvidarnos, ayer pudo comprobar lo que el público valenciano la quiere.
Al terminar el concierto Waltraud Meier daba, una vez más, una primicia, volverá al año que viene para cantar La canción de la tierra y los 5 Rückert Lieder de Mahler y estará acompañada por el neozelandés Simon O'Neill. Es una gran noticia.
Mañana vuelven a repetir el concierto en el Palau a las 19:30, si podéis no dejéis escapar la oportunidad.
Os dejo un vídeo grabado en Berlín con Meier cantando Kundry, Cristopher Ventris como Parsifal bajo la dirección de Nagano:
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miércoles, 9 de junio de 2010
Ravel: À la manière de Chabrier - Petibon no os dejará indiferentes.
Ravel (1875-1937), que era gran admirador de Emmanuel Chabrier (1841-1894) compuso una pieza para piano estrenada en 1913 a la que tituló "A la manière de Chabrier", su nombre puede llevar a engaño porque se trata de una paráfrasis de "Faîtes-lui mes aveux", un aria que canta Siebel en el segundo acto de Faust de Gounod. Vamos a escuchar tanto la obra de uno como la del otro.
Ravel. "A la manière de Chabrier". Alexandre Tharaud (piano).
Gounod. "Faîtes-luis mes aveux". Sophie Koch. Dir. Pappano. Covent Garden 2004.
Aprovechando que ha salido a relucir el nombre de Emmanuel Chabrier vamos a escuchar a la desvergonzada Patricia Petibon cantando un divertido "couplet" de la opereta "L'Etoile" (La Estrella):
La Carmen de Christa Ludwig y algunas irreflexiones inconexas de Maac.

Que la Carmen de España no es la de Mérimée ya nos lo dejó claro Carmen Sevilla -"cristiana y decente"- así que no nos debería extrañar tropezar con una Carmen alejada del espíritu folclórico hispánico asociado, al menos por afinidad cultural, a algundas de las más grandes Cármenes de la historia de la ópera. Es el caso de Conchita Supervía, Teresa Berganza y Victoria de los Ángeles.
Claro que también es verdad que la leyenda de Carmen, muy alejada de lo que nos cuenta la rancia copla de la folclórica, tiene su origen en unos hechos reales que conmocionaron la Sevilla de principios del XIX, protagonizados por una cigarrera de Triana, un soldado y un picador famoso y que terminarían con la ejecución del soldado tras el asesinato por despecho de su amante, una mujer a la que no le ligaba ningún tipo de contrato matrimonial y que, trabajadora de la Fábrica de Tabacos, era económicamente independiente. Esta es la visión de una Carmen moderna, muy avanzada para su época, que casa mal con la imagen que tenemos de la cultura gitana, machista como pocas, y también con la España del del XIX, no menos machista. Es la que los progres, Saura sin ir más lejos, nos quieren vender, y me parece muy loable pero hay que reconocer que esta imagen puede que esté muy alejada de la visión que del personaje se tenía a finales del siglo XIX -en Francia se reconoció el derecho al voto de las mujeres en 1944-. Por otro lado, ir en pleno siglo XXI de adalid de la defensa de los derechos de la mujer occidental me parece anacrónico, esto ya debería estar superado; alguien me dirá que todavía queda camino por recorrer y tendrá razón, no hay más que leer la sección de sucesos de los periódicos, pero no es este el momento de elucubraciones pseudofilosóficas -el público de ópera lo tiene más que asimilado- o románticas -la idea de que podemos cambiar a la sociedad desde el arte, que siempre olvida que éste depende de la sociedad que lo consume-, no se trata de convencer a nadie sino de pasar a la acción y hacer realidad lo que la sociedad viene demandando desde hace décadas.
Soy más partidario de una interpretación de Carmen como mujer fatal, como un ser diabólico o un Don Juan, otro mito español, en femenino, Teresa Berganza se escandalizaba de esta visión del personaje, la suya es una mujer idealizada, buena, moderna, reivindicativa, libre, una víctima antes que un verdugo, ya he explicado antes que esta visión no la encuentro acorde con un personaje del XIX, pero en el caso de Berganza lo importante no es su idea que tiene del personaje (una mujer algo cromañón en lo escénico) sino cómo lo canta. Me gusta más como veía el personaje Regine Crespin, una mujer suicida, fatalista y supersticiosa que se lanza al vacío asumiendo su destino.
Esta leyenda que recogió Merimée en 1845, quince años después de conocerla por boca de la Condesa de Montijo, que era amiga suya además de madre de la famosa Eugenia, fue musicada, como los lectores de este blog conocen de sobra, a partir del libreto de Meilhac y Halévy, por Bizet y estrenada en la sala Favart (Opéra Comique) de París en 1875.
¿Que tiene entonces de malo que una alemana se atreva con el personaje? Nada. Hasta la folclórica lo dijo en su copla: "Me han cantado en el teatro lo mismo que a la Traviata, mas le aviso a más de cuatro que voy a meter la pata. Pues me tiene hasta los pelos que ande suelta por ahí una Carmen de camelo que en na se parece a mí. De los pinreles a la peineta yo le zurraba la pandereta." Dentro de poco lo cantará en Valencia una letona, Elina Garanca, la que puede considerarse por el momento, junto a Anna Caterina Antonacci, la gran Carmen del siglo XXI. Pero es que además ha habido con anterioridad muchas otras Cármenes no hispanas, -para parar un tren- lamentablemente el hecho de que no la cantaran en su idioma original hace que a algunas de ellas, hoy, las recuerden muy pocos. Que Bizet intente imitar el folclore español no significa que a los intérpretes se les deba exigir el conocimiento del mismo, al fin y al cabo Carmen no deja de ser un acercamiento anecdótico a la música española, se trata de una ópera que tiene más características francesas que españolas, es una opera cómica francesa que se desarrolla en un país que es, para un francés del XIX, exótico.
Escuchamos a Christa Ludwig en "L'amour est un oisseau rebelle" en alemán:
Claro que también es verdad que la leyenda de Carmen, muy alejada de lo que nos cuenta la rancia copla de la folclórica, tiene su origen en unos hechos reales que conmocionaron la Sevilla de principios del XIX, protagonizados por una cigarrera de Triana, un soldado y un picador famoso y que terminarían con la ejecución del soldado tras el asesinato por despecho de su amante, una mujer a la que no le ligaba ningún tipo de contrato matrimonial y que, trabajadora de la Fábrica de Tabacos, era económicamente independiente. Esta es la visión de una Carmen moderna, muy avanzada para su época, que casa mal con la imagen que tenemos de la cultura gitana, machista como pocas, y también con la España del del XIX, no menos machista. Es la que los progres, Saura sin ir más lejos, nos quieren vender, y me parece muy loable pero hay que reconocer que esta imagen puede que esté muy alejada de la visión que del personaje se tenía a finales del siglo XIX -en Francia se reconoció el derecho al voto de las mujeres en 1944-. Por otro lado, ir en pleno siglo XXI de adalid de la defensa de los derechos de la mujer occidental me parece anacrónico, esto ya debería estar superado; alguien me dirá que todavía queda camino por recorrer y tendrá razón, no hay más que leer la sección de sucesos de los periódicos, pero no es este el momento de elucubraciones pseudofilosóficas -el público de ópera lo tiene más que asimilado- o románticas -la idea de que podemos cambiar a la sociedad desde el arte, que siempre olvida que éste depende de la sociedad que lo consume-, no se trata de convencer a nadie sino de pasar a la acción y hacer realidad lo que la sociedad viene demandando desde hace décadas.
Soy más partidario de una interpretación de Carmen como mujer fatal, como un ser diabólico o un Don Juan, otro mito español, en femenino, Teresa Berganza se escandalizaba de esta visión del personaje, la suya es una mujer idealizada, buena, moderna, reivindicativa, libre, una víctima antes que un verdugo, ya he explicado antes que esta visión no la encuentro acorde con un personaje del XIX, pero en el caso de Berganza lo importante no es su idea que tiene del personaje (una mujer algo cromañón en lo escénico) sino cómo lo canta. Me gusta más como veía el personaje Regine Crespin, una mujer suicida, fatalista y supersticiosa que se lanza al vacío asumiendo su destino.
Esta leyenda que recogió Merimée en 1845, quince años después de conocerla por boca de la Condesa de Montijo, que era amiga suya además de madre de la famosa Eugenia, fue musicada, como los lectores de este blog conocen de sobra, a partir del libreto de Meilhac y Halévy, por Bizet y estrenada en la sala Favart (Opéra Comique) de París en 1875.
¿Que tiene entonces de malo que una alemana se atreva con el personaje? Nada. Hasta la folclórica lo dijo en su copla: "Me han cantado en el teatro lo mismo que a la Traviata, mas le aviso a más de cuatro que voy a meter la pata. Pues me tiene hasta los pelos que ande suelta por ahí una Carmen de camelo que en na se parece a mí. De los pinreles a la peineta yo le zurraba la pandereta." Dentro de poco lo cantará en Valencia una letona, Elina Garanca, la que puede considerarse por el momento, junto a Anna Caterina Antonacci, la gran Carmen del siglo XXI. Pero es que además ha habido con anterioridad muchas otras Cármenes no hispanas, -para parar un tren- lamentablemente el hecho de que no la cantaran en su idioma original hace que a algunas de ellas, hoy, las recuerden muy pocos. Que Bizet intente imitar el folclore español no significa que a los intérpretes se les deba exigir el conocimiento del mismo, al fin y al cabo Carmen no deja de ser un acercamiento anecdótico a la música española, se trata de una ópera que tiene más características francesas que españolas, es una opera cómica francesa que se desarrolla en un país que es, para un francés del XIX, exótico.
Escuchamos a Christa Ludwig en "L'amour est un oisseau rebelle" en alemán:
Vamos a escuchar ahora a Ludwig cantando en francés en Viena el año 1976.
Primero "Près de remparts de Seville":
Y después el Aria de las cartas: "Voyons, que je essaie à mon tour... En vain, pour éviter les réponses amères":
Carmen - Christa Ludwig (Carmen), James King (Don José), Eberhard Waechter (Escamillo), Jeanette Pilou (Micaela), Lucia Popp (Frasquita), Margarita Lilova (Mercedes), Oskar Czerwenka (Zuniga), Reid Bunger (Morales), Murray Dickie (Remendado) & Erich Kunz (Dancaïre). Dir.: Lorin Maazel. Ópera de Viena, 1966.
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lunes, 7 de junio de 2010
La Salomé de Cebotari

Habíamos dejado a las Salomés algo olvidadas, y todavía nos quedan unas cuantas porque la verdad es que este personaje ha estado muy bien servido durante todo el siglo XX. Maria Cebotari (1910-1949), cantante que nació en lo que hoy es la República de Moldavia, desgraciadamente murió prematuramente -cáncer de hígado- con 39 años, fue una de las grandes Salomés de su generación y tenemos una grabación completa efectuada en el Covent Garden en 1947 que lo testimonia, cegado todo el mundo con el terremoto Welitsch pocos son los aficionados -al menos así me lo parece- que hoy la recuerdan como una de las Salomés más importantes de su generación. De Cebotari sorprenden muchas cosas: su belleza física, su precocidad, su expresividad y la intensidad que tienen sus interpretaciones, su voz, hermosa, cálida y penetrante, a la vez dulce y potente, así como la extensión y variedad de su repertorio que abarca todos los registros de soprano (Eurídice, Susanna, Zerlina, la Condesa Almaviva, donna Ana, Konstanze, Tatiana, Mimi, Butterfly, Luisa Miller, Violetta -su Amai Alfredo, cantado en alemán, me vuelve loco-, Turandot, Sophie, Daphne, Arabella, Aminta, Carmen, Salomé, las tres mujeres de Los cuentos de Hoffmann: Antonia, Olympia y Giulietta).
Desde muy joven se dedicó a la canción hasta que un profesor de la Escuela de Música de Berlín la escuchó y la preparó en tan sólo tres meses, inmediatamente la contrato Fritz Busch para cantar en la Ópera de Dresde, donde firmó por tres años, después Bruno Walter la contrató para cantar en el Festival de Salzburgo. ¿Y cuantos años tenía la soprano mientras le ocurrían estas cosas? Pues 21 añitos. Con 24 ya recibía el título de "Kammersängerin". Y entre sus admiradores figuraba Richard Strauss ("la cantante más versátil -all-rounder/¿todo terreno?- de la escena europea, la que nunca llega tarde y nunca cancela"), de él estrenó Aminta en La mujer silenciosa bajo la dirección de Karl Böhm (Dresde, 1935) . Después, aconsejada por Strauss, viajaría a Berlín y sería contratada por la State Opera, dando el salto internacional para cantar en Zurich, Munich, Roma, La Fenice, el Mayo Florentino, La Scala, Covent Garden. También fue protagonista de varias películas (Maria Malibran, Amami Alfredo!, El sueño de Butterfly, ver imdb), en algunas de ellas su compañero de reparto fue Beniamino Gigli. Según Karajan, quien declararía décadas después de la muerte de la soprano que era la mejor Cio-Cio-San que había dirigido nunca, encarnaba el ideal que Strauss tenía de Salomé. Yo estoy de acuerdo con él, poseía la voz adecuada: a veces lírica y a veces dramática, daba con la imagen adolescente y podia servir adecuadamente al personaje en todas las zonas de su tesitura.
Pasamos ya a escuchar su grabación de la escena final efectuada en 1941 con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín y la dirección de Artur Rother, el sonido no es muy bueno pero sobra para hacerse una idea tanto de la belleza, potencia -en parte también porque lo dicen las crónicas- y extensión de su voz como de su intensidad dramática.
Desde muy joven se dedicó a la canción hasta que un profesor de la Escuela de Música de Berlín la escuchó y la preparó en tan sólo tres meses, inmediatamente la contrato Fritz Busch para cantar en la Ópera de Dresde, donde firmó por tres años, después Bruno Walter la contrató para cantar en el Festival de Salzburgo. ¿Y cuantos años tenía la soprano mientras le ocurrían estas cosas? Pues 21 añitos. Con 24 ya recibía el título de "Kammersängerin". Y entre sus admiradores figuraba Richard Strauss ("la cantante más versátil -all-rounder/¿todo terreno?- de la escena europea, la que nunca llega tarde y nunca cancela"), de él estrenó Aminta en La mujer silenciosa bajo la dirección de Karl Böhm (Dresde, 1935) . Después, aconsejada por Strauss, viajaría a Berlín y sería contratada por la State Opera, dando el salto internacional para cantar en Zurich, Munich, Roma, La Fenice, el Mayo Florentino, La Scala, Covent Garden. También fue protagonista de varias películas (Maria Malibran, Amami Alfredo!, El sueño de Butterfly, ver imdb), en algunas de ellas su compañero de reparto fue Beniamino Gigli. Según Karajan, quien declararía décadas después de la muerte de la soprano que era la mejor Cio-Cio-San que había dirigido nunca, encarnaba el ideal que Strauss tenía de Salomé. Yo estoy de acuerdo con él, poseía la voz adecuada: a veces lírica y a veces dramática, daba con la imagen adolescente y podia servir adecuadamente al personaje en todas las zonas de su tesitura.
Pasamos ya a escuchar su grabación de la escena final efectuada en 1941 con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín y la dirección de Artur Rother, el sonido no es muy bueno pero sobra para hacerse una idea tanto de la belleza, potencia -en parte también porque lo dicen las crónicas- y extensión de su voz como de su intensidad dramática.
domingo, 6 de junio de 2010
Simon O'Neill . Heldentenor? a la vista.
Desconozco a este tenor neozelandés, Simon O'Neill, acaba de aparecer un recital suyo dedicado a Wagner, he visto que acaba de cantar Der Freistchüz en Viena, Fidelio en Hong Kong y que será el próximo Lohengrin del Festival de Bayreuth, será Cavaradossi en Berlín, allí también cantará La Canción de la Tierra -y en el Carnegie Hall con Levine-, después debutará en La Scala en el estreno de la Primera Jornada de la Tetralogía, como Siegmund, en el Liceu como Parsifal., en La Coruña como Siegfried. Precisamente el 10 y 12 de junio lo tendremos en el Palau de la Música Valencia cantando el Segundo Acto de Parsifal junto a Waltraud Meier bajo la dirección de Yaron Traub, ya os contaré algo, por ahora nos conformamos con los vídeos de Youtube, lo he descubierto hoy, igual ya lo conocéis, y me ha gustado mucho, pero me da miedo lo que Siegried puede hacer con una voz que antes parece de lírico-spinto que de dramático.
Como Florestan:
Como Cavaradossi hace más de dos años, un pelín inexpresivo:
Como Florestan:
Como Siegmund junto a la gran Meier y Barenboim:
Como Cavaradossi hace más de dos años, un pelín inexpresivo:
Vídeo promocional de su disco, "Father and Son", dedicado a Wagner y grabado para EMI con la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda bajo la batuta del joven violinista y director finlandés Pietari Inkinen (1980).
sábado, 5 de junio de 2010
Haendel Duets - Joshua/Connolly
Del disco de Rosemary Joshua y Sarah Connolly dedicado a Haendel con dúos de ópera (Giulio Cesare, Ottone, Sosarme, Radamisto, Rodelinda, Agrippina, Ariodante y Tamerlano) y de oratorio (Solomon, Belshazzar, Theodora), con The English Concert bajo la dirección de Harry Bicket, publicado por CHANDOS este mismo año, de Agrippina, HWV 6, escuchamos el dúo entre los enamorados Ottone y Poppea "No, no, ch'io non apprezzo":
Del oratorio Belshazzar, HWV 61, escuchamos, a ritmo de un minueto lento, el dúo "Great victor, at your feet I bow" entre la derrotada reina babilonia Nitocris y el magnánimo rey persa Cyrus, una de las joyas de esta recopilación:
De Sosarme, re di Media, HWV 30, escuchamos "Per le porte del tormento", no hay rosas sin espinas ni placer sin martirio (non v'é rosa senza spine,/ne piacer senza martir), Elmira y Sosarme recuerdan las dificultades que han tenido que pasar para disfrutar de su presente:
En una recopilación de dúos tan vasta como la que nos presentan Joshua y Connolly no podía faltar uno de los más conseguidos del compositor, "Io t'abbraccio" de Rodelinda, HWV 19, no es que sea la mejor versión que he escuchado, de esas que te cortan la respiración, y es que aquí me gusta un pequeño toque de patetismo, pero es muy digna, apreciándose un esfuerzo especial en ofrecer un fraseo variado:
Del oratorio Belshazzar, HWV 61, escuchamos, a ritmo de un minueto lento, el dúo "Great victor, at your feet I bow" entre la derrotada reina babilonia Nitocris y el magnánimo rey persa Cyrus, una de las joyas de esta recopilación:
De Sosarme, re di Media, HWV 30, escuchamos "Per le porte del tormento", no hay rosas sin espinas ni placer sin martirio (non v'é rosa senza spine,/ne piacer senza martir), Elmira y Sosarme recuerdan las dificultades que han tenido que pasar para disfrutar de su presente:
Y finalizamos como finaliza tanto el disco de Bicket como la ópera Giulio Cesare in Egitto, HWV 17. Con el feliz dúo entre Cleopatra , coronada reina de Egipto, y Giulio Cesare, conquistador de ambos, "Caro! Bella!"
Lo que más me gusta de este disco es que se aleja de la típica recopilación en la que la pareja protagonista, a pesar del título, canta sólo dos o tres dúos, para después meter algunas intervenciones solistas y un fragmento instrumental y finalmente sacar el disco a la calle. La impresión que a mí me da -sea o no cierta- es que lo hacen así porque no dedican el tiempo suficiente a preparar y grabar el disco; a los cantantes les basta con ensayar y coincidir en los dúos de rigor, después pueden grabar por separado y la orquesta, con la parte del programa instrumental, va por libre. Pero aquí no pasa eso, aquí se ha trabajado, se han recopilado dúos, se han ensayado, se han grabado y se han publicado. Todo dúos, doce, ni más ni menos. Y lo mejor de todo es que el trabajo ha producido un resultado coherente y unitario, a pesar de que se mezclan italiano e inglés, como si se tratara de un ciclo.
viernes, 4 de junio de 2010
Pavel Lisitsian
Pavel Lisitsian es una de las voces de barítono más hermosas que recuerdo haber escuchado nunca, además era empleada con un gusto exquisito y un estilo canónico. Para comenzar lo escucharemos en el repertorio que por idioma le era más afín, se trata de Yeletski de La Dama de Picas y su aria "Ya vas lyublyu", una interpretación fuera de serie se mire como se mire, no se puede cantar con más elegancia:
De Sadko de Rimsky-Korsakov escuchamos la Canción del mercader veneciano:
Una de las cosas que más le han perjudicado para que se reconozca lo gran cantante que fue es el hecho de que casi todas las grabaciones que se conservan están cantadas en ruso, he aquí varios ejemplos, la fecha de los audios no se corresponde con la de los vídeos:Lisitsian nació en Armenia, a los 19 años decidió iniciar sus estudios universitarios en Leningrado (San Petersburgo), más o menos por aquellos años, y ante un talento musical que resultaba ser tan evidente, decidió comenzar a estudiar canto. Ya había cantado de niño en coros de iglesia y como amateur en la fabrica donde había trabajado antes de decidirse por la universidad. Entre 1932 y 1935 estudió en el conservatorio de Leningrado, consiguió también un contrato como solista en el Teatro Maly, después un contrato para la ópera de Eriwan donde encarnó primeros papeles de barítono. En 1940 entró a formar parte de la compañía del Teatro Bolshoi, allí se mantuvo hasta el final de su carrera en 1966, pero también cantó fuera de la Unión Soviética, como por ejemplo en La Scala o en el Met. Fue también muy importante su carrera como recitalista, recorriendo más de treinta países.
Para terminar pondré unos vídeos que recogen su faceta como intérprete de lied:
Para terminar pondré unos vídeos que recogen su faceta como intérprete de lied:
Tres lieder de Schubert
"Nacht und Träume"
"Der Atlas"
"And die Musik"
"Nacht und Träume"
"Der Atlas"
"And die Musik"
Cantando Rachmaninov
Y en Youtube encontraréis muchas más cosas de este interesante y olvidado barítono.
Y en Youtube encontraréis muchas más cosas de este interesante y olvidado barítono.
jueves, 3 de junio de 2010
Mis arias favoritas (VI) - La leyenda de Kleinzach
Si tuviera que elegir un fragmento de Los cuentos de Hoffmann de Offenbach, sin duda alguna me quedaba con la Canción de Kleinzach, aunque me tira mucho "Elle a fuit la tourterelle" y no olvido tampoco "Les oissaux dans la charmille" o "C'est une chanson d'amour"; sin embargo, la Barcarola me tiene un poco cansado.
Alfredo Kraus, en 1988 exhibía todavía unas condiciones vocales asombrosas y una pariencia juvenil a la hora de desenvolverse sobre el escenario, lo podemos ver en un vídeo procedente del viejo Liceu cantando "Il était une fois à la cour d'Eisenach" o la Leyenda de Kleinzach. Yo, desgraciadamente, no estuve allí, pero lo vi por televisión y lo recuerdo como si fuera ayer:
Alfredo Kraus, en 1988 exhibía todavía unas condiciones vocales asombrosas y una pariencia juvenil a la hora de desenvolverse sobre el escenario, lo podemos ver en un vídeo procedente del viejo Liceu cantando "Il était une fois à la cour d'Eisenach" o la Leyenda de Kleinzach. Yo, desgraciadamente, no estuve allí, pero lo vi por televisión y lo recuerdo como si fuera ayer:
Había una vez en la corte de Eisenach un pequeño engendro llamado Kleinzach. Llevaba gorro militar, y sus piernas hacían ¡Clic, clac! ¡Así era ese Kleinzach! ¡Tenía una giba a guisa de estómago! ¡Sus pies sarmentosos parecían emerger de un saco! Su nariz estaba negra de tabaco,
y su cabeza hacía ¡Cric, crac! ¡Así era ese Kleinzach! En cuanto a los rasgos de su rostro...
Parece quedar poco a poco absorto en su recuerdo.)
En cuanto a los rasgos de su rostro ¡Ah! su rostro era encantador. Lo estoy viendo, bello como el día en que, corriendo en pos de ella,abandoné como un loco la casa paterna y huí a través valles y bosques. Sus cabellos, en oscuras lazadas, sobre su elegante cuello proyectaban cálidas sombras. Sus ojos, nimbados de azul, lanzaban a su alrededor una luz fresca y pura
y, cuando nuestro carruaje llevaba suavemente nuestros corazones y nuestros amores, su voz vibrante y dulce lanzaba a los cielos que la escuchaban una canción cuyo eterno eco aun resuena en mi corazón.
NATHANAEL: ¡Oh, cabeza loca! ¿A quién diablos estás pintado?... ¿A Kleinzach?
HOFFMANN: ¿Kleinzach? ¡Hablo de ella!
NATHANAEL: ¿De quién?
HOFFMANN: (volviendo a la tierra)¡No!... ¡Nada! Mi mente se confundía. ¡Nada!... Y Kleinzach vale más por muy deforme que sea. Cuando bebía demasiada ginebra o aguardiente... ¡había que ver flotar los faldones de su frac! Como hierbas en un lago, ¡y el monstruo hacía flic, flac! ¡Así era, así era ese Kleinzach!
miércoles, 2 de junio de 2010
martes, 1 de junio de 2010
Charpentier y el ansia mística.
No, no, esto que habéis escuchado no es la música de ninguna comparsa de los Moros y Cristianos de Alcoy, es una Marcha de Timbales de Philidor el joven (le cadet), que vivió en Francia entre 1657 y 1708 y está interpretado por Marie-Ange Petit ¿Se puede tener una sensación mística con esta música? Yo creo que es difícil pero no imposible.
Estoy atravesando una etapa mística, no lo voy a ocultar, necesito absorber -maldita palabra, no se me ha colado la uve de milagro- unos cuantos ladrillazos, seguramente un Parsifal me dejaría totalmente satisfecho durante un largo tiempo. Parece que estos días disfruto escuchando música que me ayude a trascender lo terrenal para alcanzar un estado puro de contemplación, la unión con algo superior que no sé exactamente qué es, pero que cuando se logra siento un placer que me hace rozar la eternidad ¿Será escapismo? Pues no os voy a decir que no, tal como está el patio por estos lares la huida de todo compromiso puede que sea la mejor solución posible, aunque no muy solidaria; pero es que ya me he cansado de luchar por causas justas y seguramente imposibles, en parte porque los derroteros de esta puta vida me han llevado a tener que luchar por otras causas también justas, posibles y agotadoras, menos heroicas, o de un heroísmo de andar por casa, y nada gratificantes hasta el momento: chocar la cabeza contra el muro un día sí y otro también. El día a día. Mi realidad ante el espejo. Menos mal que uno tropieza siempre con unas tiernas e inocentes sonrisas. Que no, os lo juro, no me he tomado nada. Una "experiencia religiosa", algo que cuando lo dice alguien que se apellida Iglesias es para tomárselo muy en serio, como no es mi caso, haced lo que queráis.
Las Litanies à 6 voix et 2 dessus de violes (H. 83), destinadas a la capilla privada de la rica y piadosa Marie de Lorraine (conocida como Mademoiselle de guise), fueron compuestas por Charpentier hacia 1685. Según H. Wiley Hitchcock "se trata la versión más impresionante, la más evocadora y la más elaborada de las nueve versiones que realizó Charpentier de las Litanies de Notre-Dame de Lorette. En las Litanies lo que se trata es de hacer una larga enumeración de las cualidades místicas de la Virgen; cada estrofa es seguida por una imploración; Charpentier compuso como introducción a las mismas un Kyrie y como conclusión un Agnus Dei. La obra fue compuesta para doce músicos de la capilla de Mademoiselle de Guise: ocho cantantes (entre los cuales figuraba el mismo Charpentier como haute-contre), dos violas da gamba, desempeñando la labor de bajo continuo, un clavecín y un bajo de viola. Los cantantes intervienen juntos en un pseudo-coro a seis voces, en el que las dos voces extremas son dobladas de forma característica; frecuentemente estas seis voces son repartidas en dos grupos de tres -las voces agudas oponiéndose a las graves- produciendo de esta forma un maravilloso efecto de claroscuro. Alternando con este "coro" pasajes para diversos grupos de solistas, en particular tríos (tres soprano, dos sopranos y bajo, haute-contre, tenor y bajo) y dúos (diferentes combinaciones de sopranos). Por lo que la obra ofrece una maravillosa paleta musical; su colorido hace destacar los matices del texto y que la expresión de las emociones sean vivas y muy profundas".
La grabación pertenece a la versión de Les Arts Florissants de William Christie. La he separado en trocitos porque así es mejor seguir el texto, que, más por su sonoridad -viaja la música entre sus sílabas- que por su contenido, es precioso.
KYRIE
Kyrie eleison
Christie eleison
Christie exaudi nos.
Pater de coelis Deus misere nobis.
Fili redemptor mundi Deus,
Miserere nombis.
Spiritus Sancte Deus,
Miserere nobis.
Sancta Trinitas unus Deus
Miserere nobis.
SANCTA MARIA
Sancta Maria,
Sancta Dei genitrix,
Sancta virgo virginum,
Ora pro nobis.
Mater Christi,
Mater divinae gratiae,
Mater purissima, inviolata,
Amabilis, admirabilis,
Mater Creatoris,
Mater Salvatoris,
Ora pro nobis.
Virgo prudentissima,
Virgo praedicanda,
Virgo clemens,
Virgo gotens,
Virgo fidelis,
Ora pro nobis.
Speculum justitiae,
Sedes sapientiae,
Causa nostrae laetitiae,
Ora pro nobis
Vas spirituale,
Vas honorabile,
Vas insigne devotionis,
Ora pro nobis.
Rosa mystica,
Turris clavidica,
Domus aurea,
Foederis arca,
Janua caeli,
Stella matutina,
Ora pro nobis.
Salus infirmorum,
Refugium peccatorum,
Consolatrix afflictorum,
Auxilium christianorum,
Ora pro nobis.
Regina angelorum,
Regina patriarchum,
Regina prophetarum,
Regina martyrum,
Apostolorum,
Regina virginum,
Regina sanctorum omnium
Ora pro nobis.
AGNUS DEI
Agnus Dei,
Qui tollis peccata mundi,
Pace nobis Domine.
Agnus Dei,
Qui tollis peccata mundi,
Exaudi nos Domine.
Agnus Dei,
Qui tollis peccata mundi,
Miserere nobis.
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