miércoles, 28 de abril de 2010

Brünnhilde es Salome. Varnay.

Cuenta Varnay en sus memorias que Fritz Reiner , con quien llegó a trabajar el personaje de Salomé, era muy escrupuloso a la hora de respetar la partitura, algo que contrastaba con la flexibilidad de Richard Strauss, para ilustrarlo cuenta una anécdota de lo que ocurrió cuando Hans Hotter falló una nota en un ensayo bajo la dirección del propio compositor, la orquesta paró en seco y el director-compositor le dijo: "lo ha cantado Usted tan convencido que debí errar la nota al componerlo". También cuenta algo muy ilustrativo sobre el carácter de Ljuba Welitsch, de quien fue sustituta en los ensayos hasta que aquélla llegó a Nueva York para interpretar esa Salomé que armaría tanto revuelo. Según Varnay, el teatro había preparado a Welitsch un taxi a la salida del aeropuerto para recogerla y hacer un recorrido por los principales museos, edificios, monumentos y atracciones de la ciudad, cuando llevaban aproximadamente media hora de viaje Welitsch le dijo al taxista: "Joven, créame, he venido a Nueva York sólo por tres cosas: música, dinero y hombres". Simpáticas las anécdotas que cuenta Varnay para iniciar una entrada que promete ser apasionada y carente de imparcialidad.



¿Pero qué hace Brünnhilde vestida de Salomé? Esa es un poco la sensación que tengo cuando escucho la Salome de Astrid Varnay: una mujer con la voz de Brünnhilde o de Isolda, nada de una jovencita con la voz de Isolda.
Al fin parece que comienzo a comprender que la voz de Varnay, para algunos, no es hermosa. Lo comprendo pero en absoluto lo comparto, a mí me parece bellísima: carnosa, sensual, cálida, sólo al afrontar el agudos aparece cierta aridez en el timbre que para muchos no será agradable. Cuando un cantante te estruja el corazón como a mí me lo hace Varnay no hay explicación que valga. Pero siempre podemos intentar buscar la razón, necesitamos hacerlo. Y yo pienso que la razón de la atracción que siento por Varnay está sobre todo en su intensidad dramática, su manera de frasear, su sentido de la musicalidad y de la medida. Y también en el dominio técnico de su instrumento: la forma de regular las intensidades, colorear y perfilar la melodía. Quizás sólo sea una sensación pero cuando escucho a Varnay, incluso en grabaciones en las que ya era bastante mayor, parece como si detrás del personaje que interpretaba hubiera un ser todopoderoso que sabía qué hilos había que mover para sacar el máximo partido posible ¿acaso eso no tiene que ver algo con la perfección? Habrá Salomés de timbres mucho más hermosos y brillantes, de mayor potencia vocal -y la voz de Varnay era potente- pero será difícil encontrarlas con capacidad para mostrar el abanico de matices que exhibía Varnay y de hacerlo con esa misma naturalidad, de una manera tan intensa y expresiva, como el que no quiere la cosa, gustándose. Uno ya lleva cierto camino andado y ya no se conforma sólo con una belleza superficial, quiere rascar y gozar con lo que hay detrás.
Consciente la soprano de que su voz, por color, no era la más adecuada para el personaje o por el hecho de coincidir en Nueva York con el terremoto Welitsch, no se prodigó mucho en Salome -aunque digo yo, para qué cantar Salomé si podía cantar Brünnhildes como nadie-, tan sólo lo intepretó en 13 ocasiones desde 1948, muy pocas si tenemos en cuenta sus 81 Electras, sus 213 Herodias -el personaje que más veces interpretó- o sus 121 Clitemnestras. Quizás a usted no le parecerá bella pero a mí me encanta.

lunes, 26 de abril de 2010

Fritz Reiner y dos Salomés:: Welitsch y Borkh.

Fritz Reiner, el director nacionalizado estadounidense pero de origen húngaro (1888-1963) no sólo fue un gran intérprete de las obras de Richard Strauss, con el que colaboró durante una treintena de años, sino que le unía a él una entrañable amistad. Con tan solo 25 años había sido nombrado director de la Ópera de Dresde, allí se estrenaron tres grandes óperas straussianas: Salomé, Electra y El caballero de la rosa, además Reiner dirigió el estreno alemán de La mujer sin sombra en 1919. En 1922 aceptaba el puesto de director musical de la Orquesta de Cincinnati nacionalizándose estadounidense en 1928, tras pasar por la Orquesta de Pittsburg y colaborar durante varios años con el Metropolitan de Nueva York, fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Chicago (1953-1963) sucediendo a Rafael Kubelik, durante estos años en Chicago fue cuando Igor Stravinsky definió a la orquesta de la ciudad como "la más precisa y flexible orquesta del mundo". En 1949, en el Met, protagonizó las que quizás sean las más famosas representaciones de Salomé de la historia, para ello contó con la soprano Ljuba Welitsch en el papel protagonista.

Ljuba Welitsch cantó el papel de Salomé en 1944 en Viena bajo la batuta del propio Richard Strauss con ocasión del ochenta cumpleaños del compositor, también lo cantó con enorme éxito en Londres en 1947 pero realmente causó sensación con este papel con ocasión de su debut en el Met en 1949 bajo la dirección de Fritz Reiner, tanto es así que ese mismo año protagonizó para Columbia una grabación de la escena final con Reiner y la orquesta del Metropolitan, afortunadamente también nos ha llegado el testimonio en vivo de aquellas funciones neoyorkinas. Llama atención, de aquellas representaciones del Met, el extraño emparejamiento de Salomé, una ópera que es más bien corta, con Gianni Schicchi de Puccini. La Salomé de Welitsch se caracterizó, además de por sus dotes escénicas -las crónicas de la época no dejan de hacer hincapié en ello-, por la presencia de un timbre extraodinario: potente, incisivo, penetrante, claro y lírico ,al que quieren bien los micrófonos. Uno no acaba de explicarse cómo esta mujer, cuyos graves carecían de cuerpo, era capaz de componer una Salomé tan eléctrica y convincente en lo dramático resultando a la vez tan musical. No cabe duda de que Welitsch es la encarnación más perfecta de la adolescente caprichosa y depravada. La escuchamos en la grabación de la Columbia, como en el caso de Caballé-Bernstein, una de las versiones que escuchábamos el otro día, se han amputado las intervenciones de Herodes y Herodias.




Siguiendo con Reiner pasamos a otra grabación de estudio realizada en 1954 con la Orquesta Sinfónica de Chicago, en esta ocasión la princesa es encarnada por una voz radicalmente distinta a la de Welitsch pero que tiene en común con ella su arrolladora fuerza dramática: Inge Borkh. No podemos decir que se caracterice por su belleza vocal pero sí que tiene un timbre que me resulta muy atractivo, potente como pocos pero menos acerado que el de Nilsson y, respecto a sopranos más líricas, como Caballé o Welitsch, exhibe unos graves suficientes pero no da con la imagen adolescente del personaje. Siendo por vocalidad más una Elektra, compone una Salomé que no sólo es perversa sino que parece psicológicamente muy compleja, llena de matices: misteriosa, dominada por instintos primarios, alucinada, salvaje, insaciable, trágica, en la escena final termina totalmente fuera de sí, no nos extraña que Herodes termine ordenando su muerte. Y la marca de la casa, no se puede pedir una dicción más clara. También aquí, lamentablemente, se han suprimido las intervenciones de otros personajes.



¡Qué bonito comprobar que las cosas se pueden hacer bien de distinta manera!

domingo, 25 de abril de 2010

La "Ariadne" de Johann Georg Conradi. Obra maestra de finales del XVII.


En 1678 abrió sus puertas en Hamburgo el Theater am Gänsemarkt (Teatro del Mercado de Gansos), la cúpula eclesiástica de la ciudad quiso pero no pudo evitarlo. En este teatro presentaron sus obras compositores como Handel -que fue contratado como violinista en 1703-, Telemann, Mattheson, Keiser y Lully; también Johann Georg Conradi (1645-1699) que fue su director musical entre 1690 y 1693. En 1691 estrenó su primera ópera, titulada "Ariadne" (Die Schöne und Getreue Ariadne / La bella y fiel Ariadna), está basada en un libreto en alemán de Christian Heinrich Postel (1658-1705), de las nueve óperas que compuso Conradi para el teatro de Hamburgo es la única cuya partitura se ha conservado, fue de las más exitosas de su época, sin embargo, como tantas otras, permaneció el olvido durante 300 años -la última representación de que se tiene noticia en el siglo XVIII data de 1722- hasta que fue descubierta en 1972 en la Librería del Congreso de Washington entre un montón de libros adquiridos a un anticuario alemán.

Me ha sorprendido tropezarme con esta ópera -hay quien la califica de singspield- que contiene una música muy bella y variada, con arias encantadoras o plagadas de virtuosismo, exquisitos dúos de amor y extraordinarios momentos instrumentales. En ella se dan cita la ópera italiana con sus arias, la francesa con sus números de ballet y lel folclore alemán en algunos de sus números cómicos, lamentablemente no he podido conseguir el libreto, cuenta la historia de Ariadna, que ayuda a Teseo a escapar del laberinto de Creta tras matar al Minotauro. Teseo había fingido amor por ella, que es cortejada por Evanthes, con objeto de obtener su ayuda. Cuando Ariadna queda abandonada por Teseo en la playa Evanthes le revela que en realidad él es el dios Baco. Ariadna renuncia a Teseo y profesa su amor por Baco.

Escucharemos algunos fragmentos procedentes de la grabación realizada en 2004, el año siguiente a su recuperación, para CPO por la Orquesta y Coros del Boston Early Music Festival bajo la doble dirección de Paul O'Dette y Stephen Stubbs. Lástima que el equipo vocal no esté a la altura, sobresale entre todos Karina Gauvin. Aún así la escucha de esta ópera con sus particulares características es una experiencia maravillosa que os recomiendo encarecidamente, vale la pena, ya lo veréis:





La podéis descargar AQUÍ.


sábado, 24 de abril de 2010

Escena final de Salomé por partida doble. Caballé-Nilsson.


Caballé como Salomé, Basilea, 1959.

Mi primer contacto con Salomé, la ópera de Richard Strauss, se produjo a través de la versión de concierto de la escena final en una grabación efectuada para DG por Montserrat Caballé, si no es la única grabación que realizó la soprano catalana con esta compañía discográfica -recuerdo otro recital dedicado a arias francesas- sí es una de las pocas, era el año 1977 y la acompañaban en el estudio la Orquesta Nacional de Francia bajo la batuta de Leonard Berstein, director con el que tampoco se prodigó mucho la soprano. Caballé, como siempre se dice, juega la baza de una Salomé lírica y naif. Tengo dudas sobre si debemos calificarla como una soprano straussiana, ella siempre ha confesado que Richard Strauss es su compositor preferido pero no al que frecuentemente se la asocia. La crítica, sobre todo la española, le ha echado en cara el sacrificio en expresividad en favor de la búsqueda de la belleza vocal. Quizás sea cierto pero esa es también la carta que le tocó jugar dadas sus condiciones vocales, más difíciles de justificar son sus excesos a la hora de plasmar lo reflejado en la partitura con objeto de lucir su prodigioso fiato, de todas formas no es este el caso. Sí que he observado, siguiendo el texto que, de vez en cuando, no tan frecuentemente como en otras grabaciones, se come algunas sílabas o pronuncia algunas palabras de forma ininteligible, así como que descuida la pronunciación de consonantes finales. Los defectos de pronunciación no son tan graves en mi caso si tenemos en cuenta que yo de alemán ni papa. Escuchar la forma en que los extranjeros pronuncian el castellano cuando cantan me han hecho relativizar mucho la cuestión de la pronunciación, respecto a la articulación de los sonidos me parece que es un problema más grave porque conduce al desentendimiento total del texto que se está interpretando y, aunque uno domine el alemán, siempre disfruta al distinguir con claridad esas "tz", "dt", "st"... finales. La voz de la soprano en aquellos años comienza a adquirir cierta dureza, los agudos son algo tirantes, ya se van notando los años, y los graves forzados pero da la impresión de que evita exagerarlos para no perder homogeneidad. Con los defectos apuntados su Salomé es extraordinaria, por belleza vocal, legato y musicalidad. No entiendo muy bien que en el estudio de grabación se suprimieran las intervenciones del resto de personajes (Herodes y Heodías), es algo que se comprende perfectamente en un concierto y no tanto en un estudio de grabación. Mucho mejor está tanto en la grabación íntegra de estudio efectuada con Leinsdorf en 1968 como en la realizada en directo en Roma el año 1971 con el joven Zubin Mehta. Sin duda es una de las grandes Salomés de la historia, recuperó a su manera el tipo de soprano que buscaba Strauss, angelical y adolescente, ingenua, sin conciencia del pecado, que tan magníficamente había encarnado muchos años antes Ljuba Welitsch. Existe una grabación de su debut en Basilea el año 1957 en el que exhibe una vocalidad deslumbrante. Esta grabación la escuché por primera vez un 28 de diciembre, pensé que me estaban tomando el pelo, al final resultó que no, fue una anécdota que tuvo su gracia. Os dejo la grabación con Bernstein:




Nilsson como Salomé en Munich (¿Debut? ¿1955?).

La versión íntegra de la ópera la conocí a través de la archiconocida grabación de estudio efectuada por Solti con Birgit Nilsson como protagonista en DECCA y publicada en 1962, pronto le cogí tremenda manía porque no soportaba las genialidades del ingeniero de sonido de la casa, John Culshaw. Nilsson, que es casi mi Isolda preferida, me resultaba vocalmente deslumbrante pero distante, inmaterial y un punto histérica. Nilsson articula con total claridad y pronuncia las consonantes finales, los agudos son afiladísimos, lanzados como cañonazos, pero también volátiles si es necesario -en la medida de las posibilidades de la soprano, tengamos en cuenta el pedazo de voz que tenía la Nilsson- y la homogeneidad es tal que desciende al grave de forma casi imperceptible, además, siendo una soprano dramática, su timbre suena juvenil y tiene la voz de una Isolda, sin duda le hubiera gustado a Strauss. Nunca sentí especial aprecio por esta grabación que muchos consideran la referencia y, la verdad es que, a pesar de ser la primera integral que tuve, hasta hace bien poco, no he acudido mucho a ella, si bien he conseguido, con el tiempo, aislarme del sonido artificioso -afortunadamente en la escena final el artificio no está tan presente como en otras partes del disco y se escucha hasta el mínimo detalle orquestal, una de las principales virtudes del trabajo de Culshaw-, y valorar, junto a la soprano, el extraordinario sonido de la Filarmónica de Viena y la dirección de Solti, que sabe ser enérgico pero, cuando hace falta, también es sutil. Al parecer, por lo que he leído, la soprano sueca no se muestra tan distante en la grabación del Colón efectuada en 1965 en vivo, nunca la he escuchado, habrá que hacerse con ella. Cuando escucho la Salomé de Nilsson siempre recuerdo lo que contó Georg Solti en sus Memorias: "en Salomé hallar una soprano apropiada para el papel protagonista se ha convertido en un problema. Hace años, en Chicago, dirigí algunas representaciones en versión de concierto con Birgit Nilsson. Mientras abandonábamos el escenario después del final del primer concierto - triunfo absoluto para ella-, Birgit empezó a cantar una de las arias de la Reina de la Noche de 'La flauta mágica'. Me reí y le pregunté cómo podía ser capaz de semejante proeza justo después de haber cantado un papel tan exigente como Salomé, y ella respondió: "Oh, sólo estoy probando mis cuerdas vocales". Sus cuerdas, después de una interpretación de primera magnitud, seguían notablemente relajadas". Con Nilsson tenemos a otra de las grandes Salomés de la historia:




Victoria de los Ángeles - Canción sefardí

viernes, 23 de abril de 2010

Nina Stemme. Salomé en Madrid.

Estos días en el Teatro Real se está programando Salomé de Richard Strauss, qué envidia los que han podido asistir porque la protagonista es ni más ni menos que la sueca Nina Stemme, quien debutaba el papel el año pasado en el Liceu, aunque ya lo había interpretado en versión concierto en Estrasburgo y París. Una estupenda crónica de la polémica producción de Robert Carsen en Madrid, ambientada en un casino de Las Vegas -no tan radical como la que proponía Guy Joosten en Barcelona centrándose en la pederastia de Herodes- la podéis encontrar en el Blog de Atticus. No he tenido la suerte de escuchar a Stemme en directo, de lo que resulta de la grabación de la Salome madrileña sólo puedo poner una pega,: su acusado vibrato, los que la han escuchado en vivo dicen que en directo esta característica de su voz no está tan presente como en las grabaciones, caprichos de la técnica. Por lo demás la soprano se sale. Sin duda es la Salomé del momento. Aquí en Valencia me parece que no vamos a poder escuchar una Salomé de tal categoría, pero no nos anticipemos ya opinaremos cuando la hayamos escuchado. Os dejo la escena final tal y como sonó el pasado martes 20 de abril, muchos ya la conoceréis porque fue retransmitida por Radio Clásica:

Siguiendo con Violetta: Magda Olivero


Esperando que no se desencadene en mí un ataque de sempreliberalismo, que me conozco, voy a seguir con la misma aria de ayer. Hay un registro legendario en el que la hoy centenaria Magda Olivero interpreta el aria del primer acto de La Traviata, fue realizado por CETRA el 7 de agosto de 1940 con la Orquesta Sinfónica de la RAI bajo la dirección de Ugo Tansini, si lo escucháis con detenimiento entenderéis que, por encima de la calidad tímbrica de la soprano y su característico vibrato, por expresividad y calidad técnica, algunos la consideren como la máxima recreación -no es mi caso- de la gran escena de Violetta en el Acto 1 anticipándose en bastantes años a la mismísima Maria Callas. Es una pena que tengamos testimonios completos de las Traviatas de Olivero durante estos primeros años. Encontrar interpretaciones de esta categoría hoy es toda una utopía:




jueves, 22 de abril de 2010

Una Traviata de Primer Acto: Mercedes Capsir




Siempre se ha dicho que el personaje de Violetta requiere tres tipos de soprano, una por acto: ligera para el primero, lírica para el segundo y dramática para el tercero, siendo Maria Callas, en la era de las grabaciones integrales de la ópera, la encarnación perfecta del personaje porque reunía todas las cualidades requeridas en cada uno de los actos. Pues bien, Mercedes Capsir, la soprano que protagonizó el primer registro comercial de la ópera completa, estaba perfectamente capacitada para afrontar las agilidades y sobreagudos requeridos por la partitura, sobre todo centrándonos en el recitativo aria y cabaletta "E strano... Ah forse lui... Sempre libera", especialmente en la segunda parte, la cabaletta "Sempre libera" puesto que la primera, el aria propiamente dicha, "Ah forse lui" se adapta mejor a una soprano lírica. Continuamente, desde el recitativo previo "E strano, e strano" se van alternando momentos en los que se exige que se cante piano con otros en los que se requiere hacerlo en forte, también se alternan fragmentos que se deben cantar acelerando con otros que deben cantarse retardando. Continuos cambios que requieren un amplio dominio de las intensidades y capacidad en el fiato para mantener notas sostenidas , además hay que dominar los trinos y el canto "staccato", o lo que es lo mismo, la coloratura. Por si fuera poco Violetta, durante el desarrollo de este fragmento, va pasando por diferentes estados de ánimo (amor, duda, esperanza, determinación, deseo de libertad y de placer) y todo eso hay que saber expresarlo. Comprendo que una soprano ligera de las de hoy pueda pasarlo mal una vez ha caído el telón en el primer acto, nunca será la Violetta ideal, se requiere una voz de más peso dramático, pero entre una voz lírica ancha con recursos dramáticos y el desastre en la coloratura siempre cabe una opción intermedia. Y esto lo digo por la soprano que está interpretando La Traviata en Les Arts durante estos días.


miércoles, 21 de abril de 2010

Freni - Manon (Massenet) italiana

Un intenso y emotivo dúo en idioma no original, el público de La Scala no puede reprimir la pasión que genera la interpretación de Freni y a mitad irrumpe en aplausos, no es para menos, si nos arrebata hoy al escuchar la grabación imaginad lo que se podría sentir dentro de la sala, esto es ópera con mayúsculas:

"La tua non e la mano che mi tocca?"
Manon de Massenet
Mirella Freni (Manon)
Luciano Pavarotti (Des Grieux)
O. del teatro de la Scala
Dir.: Peter Maag
Milán - 3 de junio de 1969

martes, 20 de abril de 2010

Una celebración: Finley-Drake-Ives


Decía Titus que teníamos que celebrar algo, así que le tomo la palabra. A ver si he acertado.

Lo celebraremos con el barítono Gerald Finley, el pianista Julius Drake y una canción de Charles Ives: "Memories (A) and (B)", dos caras del recuerdo. Una grabación efectuada en el Wigmore Hall de Londres el 18 de octubre de 2007:




i. Very Pleasant

We're sitting in the opera house;
We're waiting for the curtain to arise
With wonders for our eyes;
We're feeling pretty gay,
And well we may,
"O, Jimmy, look!" I say,
"The band is tuning up
And soon will start to play."
We whistle and we hum,
Beat time with the drum.

We're sitting in the opera house;
We're waiting for the curtain to arise
With wonders for our eyes,
A feeling of expectancy,
A certain kind of ecstasy,
Expectancy and ecstasy... Sh's's's.

ii. Rather Sad

From the street a strain on my ear doth fall,
A tune as threadbare as that "old red shawl,"
It is tattered, it is torn,
It shows signs of being worn,
It's the tune my Uncle hummed from early morn,
'Twas a common little thing and kind 'a sweet,
But 'twas sad and seemed to slow up both his feet;
I can see him shuffling down
To the barn or to the town,
A humming.

lunes, 19 de abril de 2010

Nuevo disco de Max Emanuel Cencic: Mezzo-Soprano


El nuevo disco -horrorosa portada, por cierto- del contratenor Max Emmanuel Cencic para EMI/Virgin Classics tiene un programa atrevido y un título provocador, "Mezzo-Soprano", que seguramente es utilizado, por su ambigüedad, como gancho comercial para captar, más allá del aficionado tradicional a la música barroca -se ve que los de Virgin ya cuentan con ello- a un tipo de público concreto que se guía por consideraciones no estrictamente musicales. Tradicionalmente han sido las mezzos las que se han apropiado de los papeles compuestos para castrados, algo que por otra parte parecía inevitable, hasta que hace unos cuarenta años comenzaron a surgir los contratenores y la apropiación fue compartida entre ambas cuerdas. Cencic, en este nuevo disco, que todavía no he escuchado completo, da en parte la vuelta a la tortilla, pero no penséis que canta sólo arias destinadas a cantantes femeninas, Acompañado de I Barocchisti bajo la dirección de Diego Fasolis, propone un recital dedicado a arias compuestas por Haendel para Margherita Durastanti (Tauride en Arianna in Creta), Diana Vico (Dardano en Amadigi), Francesca Bertolli (Medoro en Orlando), los "castrati", que no todos son mezzosopranos/contaltos, Giovanni Battista Andreoni (Tirinto en Imeneo), Senesino (Andronico en Tamerlano, Floridante, Radamisto), Giovanni Carestini (Teseo en Arianna in Creta), Caffarelli (Serse), Valeriano Pellegrini (Nerone en Agrippina).

No voy a valorar el CD hasta que no lo haya escuchado completo, en principio me parece muy prometedor. He decidido dedicar una entrada al nuevo disco de Cencic porque me he quedado impactado de la capacidad técnica para resolver las agilidades en "Lunga serie d'alti eroi" de la serenata Il Parnasso in festa. Es curioso pero hay fragmentos casi idénticos a partes de "Come nube", el aria de Nerone en Agrippina, que a su vez tiene momentos que se repetirán también en parte en "Vivi tiranno" de Rodelinda, cosas de Haendel.




Os dejo el listado de pistas de "Mezzo-Soprano":

  1. Imeneo (HWV 41, 1740): Sorge nell'alma mia.
  2. Floridante (HWV 14, 1721): Alma mia.
  3. Arianna in Creta (HWV 32, 1734) : Salda quercia, inerta balza.
  4. Tamerlano (HWV 18, 1724): Benché mi sprezzi.
  5. Serse (HWV 40, 1738): Se bramate d'amar chi vi sdegna.
  6. Amadigi di Gaula (HWV 11, 1715): Pena tiranna.
  7. Arianna in Creta (HWV 32, 1734): Qual leon che fere irato.
  8. Parnasso in festa (HWV 73): Non tardate Fauni ancora.
  9. Agrippina (HWV 6, 1709): Come nube, che fugge dal vento.
  10. Radamisto (HWV 12a, 1720): Ombra cara.
  11. Orlando (HWV 31, 1733): Verdi allori.
  12. Parnasso in festa (HWV 73): Lunga serie d'alti eroi.


Cencic llegó a ser conocido en Croacia, su país natal, desde los seis años, cuando en un programa de televisión participó cantando 'Der Hölle Rache' de la Reina de la Noche, después entró a formar parte de los Niños Cantores de Viena (Wiener Sängerknaben), llegando a ser solista de la agrupación y a participar en numerosas grabaciones, aquí os lo traigo cantando el Benedictus de la Misa del Orfanato (Waisenhausmesse) de Mozart:




Y ahora otra curiosidad, cantando un magnífico y creíble Orlofsky en El Murciélago, que tiemblen las mezzos:




domingo, 18 de abril de 2010

No sólo de ópera vive el hombre - Villa-Lobos: Concierto para guitarra

Aunque en un principio pensaba subir los Doce Estudios para guitarra, por cuestiones técnicas, como que Youtube no permite subir vídeos de más de 10 minutos, he cambiado por el Segundo Movimiento (Andantino e Andante) del Concierto para guitarra, también está muy bien pero los Estudios es algo fuera de lo normal, no ya por su dificultad técnica, también por su resultado musical. La versión del concierto elegida ha sido la de Juliam Bream con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de André Previn. Este concierto fue compuesto por insistencia de Andrés Segovia, que no había quedado muy contento con la Fantasia concertante de 1951 por su fala de cadencia. Los 12 Estudios, compuestos en los años veinte, también habían sido destinados a Segovia -wikipedia dixit-.



ACTUALIZACIÓN: Acabo de comprobar que en Youtube se pueden encontrar los Estudios, os dejo el 3 y el 4:





sábado, 17 de abril de 2010

Mis arias favoritas (III) - "O del mio dolce ardor"

Hoy es el turno de "O del mio dolce ardor", aria compuesta por Christoph Willibald von Gluck (1714-1787) para la ópera "Paride ed Elena" (1770) cuyo libreto fue escrito por Raniero de' Calzabigi (1714-1795). La canta Paride, personaje que en su estreno fue interpretado por un castrado soprano, Giuseppe Millico, por lo que parece que una mezzo lírica como Teresa Berganza está perfectamente indicada para hacer justicia a la partitura. Ayer Nibelungo me preguntaba por qué la versión de Berganza -que había aparecido en una entrada del pasado año- ya no se podía escuchar en el blog, la razón de que sea así es la desaparición del servidor en el que había alojado el audio; por lo tanto, es una buena excusa para volverla a traer:



miércoles, 14 de abril de 2010

Ella nunca confesó su amor



Franz Joseph Haydn

"She never told her love"
Hob XXVI a: 34 (English Canzonettas II)
(William Shakespeare)


She never told her love,
But let concealment, like a worm in the bud,
Feed on her damask cheek...;
She sat, like Patience on a monument,
Smiling at grief.

Por Ian Bostridge (voz) y Julius Drake (piano).
Schubertiade, Angelika Kauffmann Hall Schwarzenberg
7 de septiembre 2009
__________

ACTUALIZACIÓN:

Traducción que propuesta por Titus:

Ella nunca confesó su amor
sino que dejó que el disimulo, como un gusano en el brote,
se alimentara de sus mejillas adamascadas...;
Se sentaba, como la Paciencia en un monumento,
sonriendo a la pena.

martes, 13 de abril de 2010

Adriana Lecouvreur

Vuelvo de unas mini-vacaciones, dispongo de poco tiempo, pero es suficiente para pegar unos youtubes y homenajear a Magda Olivero. Cumplió cien años el pasado mes de marzo, encarnó a muchos personajes, es difícil elegir uno, sin embargo se la recordará por encima de todos por el de Adriana Lecouvreur.








jueves, 8 de abril de 2010

Karina Gauvin - "Il mio crudel martoro"

Hoy podemos escuchar a la soprano canadiense Karina Gauvin interpretando "Il mio crudel martoro" que canta Ginevra en Ariodante de Haendel. Esta ópera tiene arias encomendadas al personaje protagonista que son espectaculares, por su carga expresiva 0 por virtuosismo, estoy pensando en la bellísima "Scherza infida" y en las vertiginosas "Con l'ali di costanza" "Dopo notte", también en "Tu preparati a morire", pero ojo porque el aria que canta Ginevra, sin alcanzar el grado de brillantez de algunas de las anteriores, no puede considerarse inferior, tanto por belleza melódica como por intensidad dramática. Lo difícil es encontrar una intérprete que, como Gauvin, le haga justicia. El vídeo de Youtube lo subió Barbebleue quien, además, tuvo la suerte de asistir a una representación en versión concierto en el Via Stellae 2009.



GINEVRA

Il mio crudel martoro
crescer non può di più;
morte, dove sei tu,
che ancor non moro?
Vieni, de' mali miei,
no, che il peggior non sei,
ma sei ristoro.



lunes, 5 de abril de 2010

Pavana de Ravel con texto de Olga Orozco

He estado indeciso sobre esta entrada durante todo el día, al final he optado por publicarla, el trabajo estaba hecho y, con lo tonto que parece, me ha costado lo suyo, aunque ha sido por mi ineptitud para manejar el editor de vídeo con texto. El resultado es una mezcla extraña, o quizás no tanto, gracias a un encuentro imprevisto: "Pavana del hoy para una infanta difunta que amo y lloro", un texto de Olga Orozco dedicado a la poetisa argentina Alejandra Pizarnik, que se suicidó con barbitúricos en 1972, con tal sólo treinta y seis años de edad, emparejado con la versión orquestal de "Pavana para una infanta difunta" de Maurice Ravel, interpretada a mediados de los ochenta por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Claudio Abbado:

domingo, 4 de abril de 2010

Samba a la manera de Bach ¿...o Haydn?




Los pasados domingo y miércoles, 14 y 17 de marzo respectivamente, bajo el título "Martha Argerich e i suoi amichi" tenía lugar en el Auditorium Parco della musica de Roma un concierto que estaba basado en música elaborada a partir del floclore y de los ritmos latinoamericanos -en especial argentinos- de compositores como, entre otros, Ginastera, Guastavino, Piazzola, Bacalov... y en el que intervenían junto a los amigos de la pianista argentina miembros de la orquesta y el coro de la Academía de Santa Cecilia, como cierre del segundo concierto tocaron una divertida y marchosa pieza de Eduardo Hubert -que también intervenía en el concierto al piano- titulada "Samba Wie Bach ¿...oder Haydn?" para cuatro pianos, xilófono, maracas y percusión, los dos conciertos íntegros los podéis encontrar en Youtube:



Dawn Upshaw canta tres canciones de Golijov



Como anunciaba en la anterior entrada hoy vuelve el argentino Osvaldo Golijov en la voz de la soprano Dawn Upshaw para cantarnos tres canciones compuestas para ella entre 2001 y 2002. Golijov es uno de esos compositores para los que la melodía no tiene secretos y en sus composiciones se puede encontrar influencias musicales de cualquier tipo , en este caso desde Couperin -sí, otra vez, en Lua descolorida aparecen influencias de las Leçons de Tenebres- hasta la música folclórica rumana, pasando por Villalobos, Schubert o la música judía, como titulo la revista Gramophone un artículo que estaba dedicado al compositor: "Un mundo en un hombre". Golijov compone música accesible para todo tipo de públicos, seguramente es algo que no todos le perdonarán. Respecto a la soprano sólo decir que tiene muchos puntos en común con el arte de Victoria de los Ángeles, no tanto por su tesitura vocal como por su belleza tímbrica y su musicalidad extrema, sincera y trascendente:




1. "Night of the Flying Horses", estrenada por Upshaw en el año 2002, comienza con una nana en Yiddish con reminiscencias de "Je crois entrendre encore" de Los pescadores de perlas de Bizet -especialmente minuto 0,36, 1,08 y 1.28-, tanto esta canción como el aria de Bizet forman parte de la banda sonora de la película "The Man Who Cried" de Sally Potter. Según explica el propio compositor la nana se metamorfosea en un denso y oscuro "donia" (una suave melodía gitana de origen rumano con influencias turcas) para finalmente concluir con un tema que tomó prestado al grupo rumano Taraf de Haïdouks.

Lullaby
by Sally Porter
Yiddish Version by Barry Davis


Mach tsu di eigelech
Un du vest koomen
Tsu yenem zissn land
Fun baley-khloymess

Avoo milch oon honik
Flissn tomid
Un dayn mameh
Hit dir op.

Farshpray dein fligelech
Faygele meins
Mein tochter sertseh
Mein klayn zingfaygele

Hayb oyf dein ponim
Aroyf tsoom himmel
Ich vel dich onkookn
Vee doo fleegst.

Gedenkshe (teirinke)
Az koomt der morgn
vet zein der tatte
Ahaym gefloygn

Dos land foon chloymess
mooztoo aveklozn
Dein eign zisser haym
vaystoo iz doh.
Cierra los ojos
y entrarás
a esa tierra dulce
que todos los soñadores conocen

en la que la leche y la miel
siempre fluyen
y mamá
te protege.

Despliega tus alas
Mi pitusa
Mi querida niña
Mi pájaro cantor

Levanta su rostro
hacia el cielo
y veremos
como eres capaz de volar.

Recuerda cariño
Cuando amanezca
Que mamá esta aquí:
vuela hacia mí.

La tierra de los sueños
debe dejarte ir
Tu dulce hogar,
está aquí, ya sabes.


2. "Lua descolorida" sobre un texto de Rosalia de Castro, cuya versión para voz y piano se estrenó en 1999. Esta canción forma parte de La Pasión según San Mateo que estrenó Golijov por encargo de la Internationale Bachakademie Stuttgart en el año 2000. Según Upshaw es la canción más triste en do mayor que ella ha conocido nunca.

Lúa descolorida
como cor de ouro pálido,
vesme i eu non quixera
me vises de tan alto.
Ó espaso que recorres,
lévame, caladiña, nun teu raio.

Astro das almas orfas,
lúa descolorida,
eu ben sei que n'alumas
tristeza cal a miña.
Vai contalo ó teu dono,
e dille que me leve adonde habita.

Mais non lle contes nada,
descolorida lúa,
pois nin neste nin noutros
mundos teréis fertuna.
Se sabe onde a morte
ten a morada escura,
dille que corpo e alma xuntamente
me leve adonde non recorden nunca,
nin no mundo en que estóu nin nas alturas.

Luna descolorida / como color de oro pálido, / me ves y yo no quisiera / que me vieses desde tan alto. / Al espacio que recorres, / llévame, muy callada, en tu rayo.
Astro de las almas huérfanas, / luna descolorida, / yo sé bien que no alumbras / tristeza cual la mía. / Ve y cuéntaselo a tu dueño, / y dile que me lleve adonde habita.
Mas no le cuentes nada, / descolorida luna, / pues ni en este ni en otros / mundos trendré fortuna. / Si sabes dónde la muerte / tiene la morada oscura, / dile que cuerpo y alma juntamente / me lleve adonde no recuerden nunca / ni el mundo en el que estoy ni las alturas.



3) "How Slow the Wind" (2001), basada en dos poemas cortos de Emily dickinson, fue la respuesta de Golijov a la muerte en accidente de su amigo Mariel Stubrin.

How slow the Wind—
how slow the sea—
how late their Fathers be!

Is it too late to touch you, Dear?
We this moment knew—
Love Marine and Love terrene—
Love celestial too—

Cambios en La Traviata de Les Arts


Según ha aparecido anunciado por la agencia EFE la soprano que dará vida a Violetta Valery en La Traviata que estrenará el Palau de les Arts el próximo día 10 de abril no será Marina Rebeka, como estaba anunciado, sino Hibla Gerzmava. Mientras tanto la página web del Palau de les Arts sigue anunciando a la letona. No tengo ni idea del motivo del cambio, ni si afectará a todas las funciones o sólo a algunas. La información brilla por su ausencia en Les Arts, nada nuevo bajo el sol. Mientras tanto los técnicos del teatro siguen peleando por mejorar sus condiciones laborales a base de protestas y reparto de octavillas -como en el estreno de La vida breve y Cavalleria rusticana- en las puertas del coliseo.

Muchos éramos los que entonábamos el "E strano, e strano..." Y es que uno parecía no dar crédito a lo que estaba pasando, a punto de concluir la temporada y en los repartos no había habido prácticamente cambios significativos, algo a lo que no estábamos muy acostumbrados, pero al final la cabra tira al monte y la incertidumbre en los repartos, marca de la casa hasta hace bien poquito, vuelve a hacer aparición, espero que por poco tiempo. De todas formas, lo que me molesta no son propiamente los cambios sino la falta de información al respecto.

Quien también va a entonar el "E strano, e strano" es nuestra futura Violetta Valéry, la rusa Hibla Gerzmava. Lo que le he escuchado en Youtube, porque es una soprano totalmente desconocida para mí, no tiene mala pinta:

sábado, 3 de abril de 2010

Golijov - Tenebrae




"Escribí Tenebrae como consecuencia de ser testigo de dos realidades contrastantes en un corto período de tiempo en el mes septiembre de 2000. Estuve en Israel al comienzo de la nueva ola de violencia que todavía continúa hoy, y una semana más tarde llevé a mi hijo al nuevo planetario en Nueva York, donde pudimos ver la Tierra como un punto azul hermoso en el espacio. Quería escribir una pieza que se pudiera escuchar desde diferentes perspectivas. Es decir, si se opta por escucharlo "de lejos" , la música probablemente ofrecería una "hermosa" superficie pero, desde un sentido metafórico, más próximo se escucharía que, debajo de esa superficie, la música está llena de dolor. Me sentí impulsado por algunos de los inquietantes melismas de la Troisième Leçon de Tenebrae, de Couperin (...) siempre dentro de una palpitante textura etérea. El desafío que me planteaba esta composición era escribir una música que sonara como una nave espacial en órbita que nunca llega a tocar tierra ".

Escuchamos Tenebrae de Golijov por el Kronos Quartet:


En la próxima entrada seguramente habrá más cosas de Golijov.

Las 7 últimas palabras de Cristo en la Cruz - Séptima y Final


Hoy finalizamos el recorrido por Las Siete Últimas Palabras de Nuestro Señor en la Cruz (Die sieben letzten Worte unseres Erlösers am Kreuze) de Haydn, el transcurrir de la Semana Santa, desde el Domingo de Ramos hasta hoy ha servido de excusa para ir recreándonos día a día en cada uno de sus movimientos, aunque cualquier época es buena para escuchar este tipo de música parece que es ahora cuando más apetece.


7 Vater! in deine Hände
empfehle ich meinen Geist.

In deine Händ’ o Herr,
empfehle ich meinen Geist.
Nun steigt sein Leiden höher nicht,
nun triumphiert er laut und spricht:
nimm, Vater, meine Seele,
dir empfehl’ ich meinen Geist.
Und dann neigt er sein Haupt, und stirbt.
Vom ewigen Verderben

El oratorio finaliza con Il Terremoto en tiempo "presto e con tutta la forza", un fragmento que -en realidad podría decirse que la obra al completo- en las versiones orquestales, para cuarteto de cuerdas o en la reducción a piano podría calificarse como música programática, en un sentido más descriptivo que evocador, y que en su versión oratorial viene a decir más o menos: Ya se ha ido, desde las profundidades de la tierra resuena: ya se ha ido. ¡Tiembla Gólgota! ¡Tiembla! Ha muerto en tus alturas. O Sol, huye y no ilumines este día, Tierra, ábrete, pues sobre tí permanecen los asesinos; antepasados, ascended a la luz desde vuestras tumbas porque la tierra que os cubre está manchada de sangre.


Il Terremoto

Er ist nicht mehr
Er ist nich mehr
Der Erde Tiefen schallen wieder:
Erzittre Golgatha, erzittre,
Er starb auf deinen Hönen,
o Sonne fleuch,
und leuchte diesem Tage nicht;
zerreisse, Land, worauf die Mörder stehen;
ihr Gräber thut euch suf,
ihr Väter steigt an’s Licht,
das Erdreich das euch deckt
ist ganz mit Blut befleckt.

viernes, 2 de abril de 2010

Las 7 últimas palabras de Cristo en la Cruz - Sexta


Llegamos, en el Viernes Santo, a la Sexta Palabra, aquí Haydn vuelve al esquema que había dejado de lado en el fragmento anterior y un coro a capella introduce el texto sobre el que versará el movimiento: "Es ist vollbracht!" (Todo se ha cumplido o todo ha acabado).




6) Es ist vollbracht!

Es ist vollbracht!
An das Opferholz geheftet,
hanget Jesus in der Nacht;
Und dann ruft er laut:
Es ist vollbracht.
Was us jenes Holz geschadet,
wird durch dieses gut gemacht.
Weh euch Bösen,
Weh euch Blinden,
Weh euch allen,
die ihr Sünden immer häuft auf Sünden!
Menschen denket nach!
werdet ihr Erbarmung finden,
wenn er kommt in seiner Herrlichkeit
und seiner Macht!
Rett’ uns, Mittler, vom Verderben.
Höre, Gottmensch, unser Schrei’n!
Lass dein Leiden und dein Sterben
nicht an uns verloren sein.
Lass uns einst den Himmel erben
Und mit dir uns ewig freu’n.

jueves, 1 de abril de 2010

Las 7 últimas palabras de Cristo en la Cruz - Quinta palabra



La quinta palabra, que inaugura la Segunda Parte del Oratorio, viene precedida de una introducción orquestal en tiempo largo e cantabile para instrumentos de viento:



Jesús dijo: Tengo sed (Jn 19,28)

„Ach. Mich dürstet.“



Había allí un jarro lleno de vino agridulce. Pusieron en una caña una esponja llena de esta bebida y la acercaron a sus labios. (Jn 19, 29)

5. Jesus rufet: ach! mich dürstet!
Hemmt nun die Rache, stillt eure Wut!
Menschen, lasset Mitleid euch erweichen,
Ruft Erbarmung in das Herz!
Jesus rufet: ach! mich dürstet!
Ihm reicht man Wein,
Den man mit Galle mischet,
So labt man ihn.
Kann Grausamkeit noch weiter geh’n?
Nun kann er nicht mehr fassen
den Schmerz, der Wohltun war.
Ach! im Durst vor seinem Ende
reichet man ihm Galle dar!

Músicas para un poema de Verlaine y otra cosa


Llueve en mi corazón
como llueve en la ciudad.
¿qué languidez es ésta
que entra en mi corazón?

¡Suave rumor de lluvia
sobre suelo y tejado!
Para un corazón que se aburre.
¡oh el cantar de la lluvia!

Llueve sin razón
en este corazón desanimado.
¿Qué? ¿No ocurrió nada?
No hay razón de estar triste.

¡Es una pena pues
no saber el porqué
sin odio y sin amor,
mi corazón tanto pena!


"Il pleure dans mon coeur" de Paul Verlaine se ha musicado en numerosas ocasiones, lo podéis consultar aquí, yo conozco dos versiones, la de Gabriel Fauré: "Spleen", Op. 51 número 3, y la compuesta por Claude Debussy dentro del ciclo "Aiettes Oubliées" con el mismo título que el poema original. Vamos a escucharlas:

Gerard Souzay, acompañado al piano por Jacqueline Bonneau, interpreta "Spleen" de Gabriel Fauré:


Il pleure dans mon coeur
Comme il pleut sur la ville;
Quelle est cette langueur
Qui pénètre mon coeur ?

Ô bruit doux de la pluie
Par terre et sur les toits !
Pour un coeur qui s'ennuie,
Ô le chant de la pluie !

Il pleure sans raison
Dans ce coeur qui s'écoeure.
Quoi ! nulle trahison ?...
Ce deuil est sans raison.

C'est bien la pire peine
De ne savoir pourquoi
Sans amour et sans haine
Mon coeur a tant de peine !

En un principio la encargada de cantar la composición de Debussy iba a ser Dawn Upshaw pero al viajar por Youtube no he podido resistir la tentación de sustituirla por la belga Suzanne Danco, cuya interpretación me ha parecido extraordinaria:



Y, lo que son las cosas, buscando la traducción del poema de Verlaine he tropezado con una canción de Caetano Veloso, "Coração Vagabundo", cantada por él mismo en compañía de Gal Costa, excepto el término corazón no tiene prácticamente nada que ver con el poema de Verlaine, pero me he quedado pegado a ella un buen rato, así que al final también se ha venido al blog:



Meu coração não se cansa
De ter esperança
De um dia ser tudo o que quer
Meu coração de criança
Não é só a lembrança
De um vulto feliz de mulher
Que passou por meus sonhos sem dizer adeus
Sem dizer adeus
E fez dos olhos meus
Um chorar mais sem fim
Meu coração vagabundo
Quer guardar o mundo
Em mim
Meu coração vagabundo
Quer guardar o mundo
Em mim