tag:blogger.com,1999:blog-85548620703774570252024-03-19T04:47:36.134+01:00Cantan ellas / El blog de maacNo solo de ópera vive el hombre, que también.maachttp://www.blogger.com/profile/08851886617410734151noreply@blogger.comBlogger1432125tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-22610544826666103362018-04-02T13:33:00.000+02:002018-04-04T00:58:30.141+02:00"Il corsaro" en Les Arts - 01/04/2018<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.diarilaveu.com/imatges/noticies/img_9100.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="460" data-original-width="800" height="367" src="https://www.diarilaveu.com/imatges/noticies/img_9100.jpg" width="640"></a></div>
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El primer deseo de componer una ópera sobre un libreto basado en <i>The corsair</i> de Byron fue del propio Verdi, él encargó a Piave escribirlo, pasó el tiempo y Piave quiso dárselo a otro compositor pero Verdi se opuso y al final decidió emplearlo en una de sus óperas, por lo tanto, a Verdi, cuyo talento dramático está fuera de toda duda, parece ser que la historia le gustaba. Quizás el principal problema que tuvo, junto a las prisas por componer la ópera y hacerlo seguramente a disgusto por su malestar con el editor, fue el hecho de no ir colaborando con el libretista y poder dar órdenes para cambiar escenas o algunos versos de las arias, o incluso pedirle nuevas arias que definieran mejor los conflictos o la diferente psicología de los personajes, cosa que sí hizo en muchísimas de sus óperas. El resultado fue una obra que, en lo dramático, no funciona bien y en lo musical no llega a ser genial en ninguno de sus números cerrados pero que tiene cierto interés en momentos muy puntuales (el aria de entrada de Medora, la introducción a la escena en la prisión, el concertante o el trío final, por citar algunos). Además el hecho de contar con dos sopranos protagonistas y rivales, aunque no enfrentadas, dota a la ópera de un morboso atractivo. Es difícil poner en escena <i>Il corsaro</i>, Nicola Raab no lo tenía fácil. Cuando escribía sobre <i>Peter Grimes</i> decía que era fácil ponerla en escena porque Britten lo da todo, aquí estamos en el ejemplo contrario, en <i>Il corsaro</i> todo son escollos para el director de escena; por eso mi opinión sobre esta coproducción del Palau de les Arts y la Ópera de Monte-Carlo es contradictoria. Valoro positivamente hacer otra cosa con esta disparatada historia en la que los héroes quieren morir y se niegan a ser salvados para después erigirse en salvadores; recurrir a la fuente del libreto y plantear la ópera como una visión onírica del Lord Byron mientras escribe su poema justifica las incongruencias en la trama de la ópera, eso está ya visto pero es un recurso y aquí es útil pero en conjunto no parece que esté bien resuelto, quizás por problemas del propio libreto y de su estructura acartonada en números cerrados. El carácter onírico e irreal de ese mundo de fantasía de Byron se ve reforzado al recurrir en el vestuario de George Souglides a una estética trillada, kitsch, o incluso vulgar, propia de la factoria Pixar y a vistosas y sencillas videocreaciones de Miguel Bosch que rompen la monotonía de la escenografía del citado Souglides.</div>
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El nivel vocal de esta producción es de gran altura. Fantástico el Corrado de Michael Fabiano, un tenor lírico de potente y atractivo timbre, que abre ligeramente en los agudos, su canto muy bien articulado, seguramente nos dará muchas satisfacciones en el futuro, dota al personaje de un ímpetu apasionado que le va como anillo al dedo al corsario. Kristina Mkhitaryan derrocha musicalidad y buen gusto como Medora, mientras que el ajustado canto de Oksana Dyka se ve ensombrecido por un timbre muy poco agradable y tendencia al grito, como de muñeca diabólica, más propio de una bruja que de una heroína, especialmente cacofónica fue su aria de entrada junto a las odaliscas, conforme avanzaba la representación me fue gustando más. Disfruté muchísimo con el canto de Vito Priante, no es el típico barítono verdiano, no tiene un timbre contundente, qué placer tener un cantante que frasea, que domina el legato y que es pura musicalidad, su timbre no es grande pero recorre la sala con suficiencia, es de esos cantantes que parece que pueden parar el tiempo para que nos recreemos en su canto. El Coro de la Generalitat y la Orquesta de la Comunitat Valenciana siguen manteniendo el alto nivel al que nos tienen acostumbrados y Fabio Biondi los condujo muy bien, no me sorprendió porque, dentro de este estilo romántico italiano, hace años ya ofreció una estupenda <i>Norma</i> en versión concierto en el Palau de la Música.</div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-48562536693689812632018-03-19T02:04:00.003+01:002018-03-19T18:38:40.925+01:00Verdi - "Il corsaro" - Acto 3.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.immac.it/wp-content/uploads/2013/07/Corsaro.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="210" height="320" src="https://www.immac.it/wp-content/uploads/2013/07/Corsaro.jpg" width="198"></a></div>
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<a href="http://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-acto-1-y-homenaje.html" target="_blank">Ir al Primer acto.</a> Comienza el tercer acto en los apartamentos de Said en Corone con una muy breve introducción orquestal y un recurso muy común en Verdi que consiste en la utilización de golpes de percusión para crear tensión, le sigue el recitativo del bajá Said, a través del mismo podemos ratificar que Corrado, el jefe de los corsarios, ha sido hecho prisionero después de haber intentado quemar el palacio del bajá e intentado raptar a Gulnara -raptar según el bajá, nosotros sabemos que solo quería liberara las odaliscas-, a Corrado le espera una muerte agónica, conocemos también los celos del bajá ("dubbia ed ama...sospetta ed adora"). El aria no muy elaborada, está entre lo mejor de la ópera, una bonita melodía que perfila muy bien el personaje del bajá, que como muchos barítonos verdianos (Said es un conde de Luna en ciernes), no es nada cándido y además, vive atormentado por la sospecha. Una vez finalizada el aria hace llamar a Gulnara a su presencia en un dúo recitado con Selim y, para no perder las formas, seguidamente llega una cabaletta que yo driría que tiene aires mariales, con su repetición (S'avvicina il tuo tormento"). Entra Gulnara y en su tenso dúo con Said intercede por Corrado pidiendo que lo deje con vida, el celoso bajá intuye, acertadamente, que está enamorada del corsario, entonces le amenaza con la muerte y se va, por las últimas palabras que pronuncia Gulnara ya intuimos que se vengará. También este dúo, que se adentra en el registro grave de la soprano, acaba con cabaletta, Verdi sigue atado a las formalidades donizettianas.<br>
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Seguimos con la misma versión de Frankfurt 1971 que está francamente bien, con un joven López-Cobos en la dirección, un entregado Casellato-Lamberti como Corrado, la no menos entregada Gulín, el estilista Bruson y la joven Ricciarelli:</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="400" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/pfd2dv8mcj9pjie442k802eukdwvh4ub?sortColumn=name&view=list" webkitallowfullscreen="" width="330"></iframe></div>
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En la segunda escena la acción se traslada a una celda en una torre de la fortaleza del bajá donde se encuentra encadenado Corrado, tras una dilatada introducción orquestal -un preludio- a cargo de las cuerdas con intervenciones solistas de violín y violonchelo, comienza un recitativo de Corrado que recupera la melodía de la introducción (todo este principio de la segunda escena es también de lo mejor de toda la ópera), aparece Gulnara, que ha llegado a escondidas, dispuesta a salvarlo incluso conociendo que él está enamorado de otra mujer, la esclava ha sobornado a los guardias y tiene dispuesta una nave para escapar, pretende que Corrado empuñe una daga contra Said; sin embargo, inexplicablemente, Corrado se opone -¡Y eso que en el primer acto exclamaba: "All'armi, all'armi"!-, se siente derrotado y tiene asumido que va a morir, esta obsesión por la muerte del protagonista, pasando olímpicamente de Medora -a la que por otra parte recuerda-, es difícil de entender. Ante la negativa de Corrado al asesinato del bajá, Gulnara sale dispuesta a hacerlo en su lugar, mientras Corrado sigue con su pasividad y pide a Dios desaparecer de este mundo. Regresa Gulnara después de que hayamos escuchado un agitado tema en la orquesta que ya había aparecido en la obertura, ha asesinado a Said y asegura que si no puede amar a Corrado al menos podrá salvarlo, entonces Corrado cambia de parecer y decide huir con Gulnara asegurando que si no puede amarla al menos podrá salvarla, esto ya es el colmo de la contradicción: el salvado dice ser el salvador, una manera de aprovecharse del trabajo ajeno. La pareja sale huyendo.</div>
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Termina la ópera en el mismo lugar que comenzó, la escena tercera se desarrolla en la playa en la isla de los corsarios, la introducción a esta escena recupera la melodía del aria de Medora "Non son le tertre imagine", ha llegado la nave corsaria pero Corrado no ha regresado con ellos; Medora, en un recitativo de un lirismo plemo, se lamenta, entonces se ve aparecer una nave en la lejanía, es Corrado y Gulnara que llegan a la isla, son recibidos por Medora, su impaciencia y funestos presentimientos le han hecho ingerir veneno y tras conocer los acontecimientos sucedidos en Corone muere en brazos de Corrado, éste se arroja al mar, un grupo de corsarios va tras él para salvarlo y Gulnara se desmaya. Muy hermoso el trío final con intervención del coro con desarrollo vertiginoso de los últimos acontecimientos, un efecto cien por cien verdiano.</div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-70436395156334454252018-03-14T23:44:00.000+01:002018-03-19T02:07:31.415+01:00Verdi - "Il corsaro" - Acto 2 - Gulín, Bruson, López Cobos 1971.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://i.pinimg.com/564x/53/63/a7/5363a7f7873f80a43152907be4c29236.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="531" height="400" src="https://i.pinimg.com/564x/53/63/a7/5363a7f7873f80a43152907be4c29236.jpg" width="265" /></a></div>
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El segundo acto de <i>Il corsaro</i> transcurre en la ciudad de Corone, situada en la península del Peloponeso, que hoy forma parte de Grecia pero que en el momento en que transcurre la acción está en manos del Imperio Otomano. Comienza el acto con un coro de odaliscas del harén del bajá Said que presentan a la favorita del bajá, Gulnara. Es un coro introductorio muy breve que tiene una función parecida a la de la entrada de Éboli en <i>Don Carlos</i>, que el espectador se sumerja en la acción, esto ya había pasado en el principio del primer acto con la presentación de Corrado y el coro de corsarios y pasará otra vez más adelante con la entrada de Seid y el coro de musulmanes. Gulnara nos cuenta en su aria que se siente desgraciada, está en tierra extraña y odia a Said. Aparece un eunuco con una invitación para asistir a la celebración de la victoria del bajá sobre los corsarios, el bajá va de sobrado, celebra la victoria antes de que tenga lugar la batalla, ella acepta la invitación, pero no irá sola, le acompañarán la otras esclavas del harén.</div>
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Esta escena tiene una estructura muy tradicional, un coro de odaliscas que sirve de presentación de Gulnara al que sigue Recitativo-Aria-Cabaletta con coro. Entre el aria y la cabaletta tiene lugar el ofrecimiento del eunuco para asistir a la fiesta.El aria no es my vistosa, está acompañada por las cuerdas en pizzicato y la parte más complicada está en las vocalizaciones de la sección conclusiva; la cabaletta, como es lo habitual, sí es más complicada en lo vocal, con ascensiones al agudo, notas en staccato, escalas y la intervención del coro de odaliscas (Recitativo:<i> Ne sulla terra creatura alcuna</i>, aria: <i>Vola talor dal carcere </i>y cabaletta: <i>Ah conforto é sol la speme</i>)</div>
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Escuchamos la escena en la grabación en vivo efectuada en Frankfurt en 1971 con dirección de Jesús López Cobos y con la soprano Ángeles Gulín interpretando a Gulnara. </div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="400" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/6wrli34bc9p5tdvtefo09968jk4pg742?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="330"></iframe></div>
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El papel de Gulnara fue escrito para ser interpretado por Marianna Barbieri Nini, alumna de Giuditta Pasta, fueron famosas sus prestaciones en papeles como los de Anna Bolena de Donizetti o Semiramide de Rossini, estrenó dos papeles más de Verdi, Lucrezia Contarini en<i> I due foscari </i>y Lady Macbeth, era por lo tanto una soprano dramática de agilidad de canto potente y muy resuelto en la zona media y grave de la tesitura. </div>
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Solo queda que Verdi nos presente al cuarto y último personaje principal, el cruel y sanguinario bajá Seid. En la escena segunda del segundo acto vemos el puerto de Corone con toda la flota musulmana y el dispositivo para la celebración de la presunta victoria sobre los corsarios. Un coro de soldados musulmanes precede la entrada de Said, todos se postran y hace acto de aparición el bajá con un recitativo y un aria solemne con intervención del coro y un acompañamiento instrumental bastante sencillo. Aparece un esclavo anunciando que un derviche (un religioso musulmán) ha escapado de los corsarios y quiere hablar con el bajá. Mientras mantienen una conversación en recitativo acompañado que muta en un dúo, un barco estalla en llamas y el fuego comienza a arrasar la flota turca y las tiendas del harén (se supone que el ataque corsario se ha precipitado a lo previsto pero nada de eso se desprende del libreto). Said adivina por arte de magia que el derviche que dice haber escapado de los piratas es un espía y manda detenerlo, en ese momento Corrado se quita el disfraz, debajo, sorprendentemente, tenía puesto tanto el casco como la armadura y da ánimo a sus corsarios, escucha voces que vienen del harén pidiendo socorro, son las odaliscas, Corrado decide volver para salvarlas y rescata a Gulnara, los turcos aprovechan para recuperarse y hacerse con el control de la situación, Corrado es detenido, mientras Gulnara, que ha presenciado el enfrentamiento entre Corrado y Said, se cae rendida ante el jefe de los corsarios, amor a primera vista. Los turcos cantan su victoria sobre los corsarios, algunos de éstos han sido detenidos, otros han logrado escapar, Said se da por satisfecho, no piensa perseguirlos, preparará una muerte lenta para Corrado, mientras Gulnara y las esclavas del harén intentan interceder por él. Termina el acto en un gran concertante en el que intervienen Said, Corrado, Gulnara, Giovanni (otro corsario apresado) y el coro que se divide entre odaliscas y musulmanes, como traca final una espectacular <i>stretta </i>con intervención de los citados.</div>
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Seguimos con la misma versión, ahora se incorpora el barítono Renato Bruson como el bajá Seid.</div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="400" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/lrfqo9t314v1wcleu0lmf1x6rbq9wb64?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="330"></iframe></div>
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El primer intérprete del bajá Seid también fue muy famoso en su época, se trataba de Achille de Bassini, que interpretó también por primera vez los papeles de Francesco Foscari en <i>I due foscari</i>, Miller en <i>Luisa Miller</i> y Fra Melitone en <i>La forza del destino</i>, debió ser un barítono noble, de notable extensión y con facilidad para el agudo; parede ser que Verdi llegó a pensar en él para estrenar el papel de Rigoletto. </div>
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<a href="https://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-tercer-y-ultimo-acto.html" target="_blank"><br /></a></div>
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<a href="https://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-tercer-y-ultimo-acto.html" target="_blank">I al tercer acto.</a></div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-80658561094215480162018-03-13T20:32:00.000+01:002018-03-19T02:08:22.719+01:00Verdi: Il corsaro; - Acto 1 - y homenaje a Jesús López Cobos.<div style="text-align: justify;">
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<img height="293" src="https://www.oscyl.com/assets/05-lopez-cobos-630x463.jpg" width="400" /></div>
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El primer acto de <i>Il corsaro </i>comienza en una zona rocosa junto a inmensos acantilados en una isla del mar Egeo donde tienen su refugio los corsarios. Está anocheciendo y un coro interno de corsarios bebe y canta las alabanzas a su modo de vida, su patria es el mar, su existencia está sometida a peligros y batallas con objeto de alcanzar grandes botines. Entra en escena Corrado y se muestra orgulloso del canto de sus camaradas. A través de su aria de entrada conocemos que está enfrentado a la sociedad entera a causa de un efímero amor juvenil, no entra en muchos detalles pero ya vemos que nuestro héroe se ha visto forzado, por la razón que sea, a situarse al margen de la sociedad y que su corazón está lleno de resentimiento y ansia de venganza hacia ella. Entran unos corsarios y le dan una misiva enviada por un explorador, sin explicar exactamente de que se trata Corrado dispone que zarparán a la lucha contra los musulmanes en una hora. Es de suponer que ha tenido noticias de que van a ser atacados por la flota turca y ha decidido anticiparse, pero nada de esto permite asegurar con certeza el texto del libreto.</div>
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Vamos a escuchar un fragmento de esta escena incluyendo también el Preludio del acto que introduce el tema de la muerte de Medora y es muy breve, apenas llega a los tres minutos, sigue el coro interno, también breve y la intervención de Corrado resuelta en un recitativo (<i>Ah! si, ben dite ... </i>) al que sigue el aria (<i>Tutto parea sorridere)</i>, que tiene la particularidad de que en su zona central Verdi inserta una especie de recitativo acompañado; tras el aria viene un pasaje de transición con la presentación de la misiva del mensajero por un bajo y, como broche final, para no perder la tradición, la belicosa <i>cabaletta </i>con coro (<i>Si: de' corsari il fulmine) </i>en la que los corsarios encabezados por Corrado se muestran dispuestos a tomar las armas contra los musulmanes, tras la preceptiva repetición de la <i>cabaletta </i>con ímpetu y determinación termina esta vertiginosa escena, acaba de comenzar la ópera y ya nos vemos abocados a la guerra.</div>
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Haremos un homenaje al recientemente fallecido <b>Jesús López Cobo</b>s con una grabación efectuada en Frankfurt 1971 con Giorgio Castellato-Lamberti, Katia Ricciarelli, Ángeles Gulín y Renato Bruson.<br />
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El papel de Corrado fue estrenado por el tenor Gaetano Fraschini, uno de los más famosos de su generación habiendo cantado en óperas de Rossini, Bellini, Mercadante y sobre todo de Pacini, Donizetti y Verdi (estrenó Zamoro en <i>Alzira, </i>Arrigo en <i>La battaglia di Legano,</i> Stiffelio, Riccardo en <i>Un ballo in maschera</i>, e interpretó también los papeles de tenor protagonista en <i>Oberto</i>, <i>Ernani</i>, <i>I Lombardi</i>, <i>I masnadieri</i>, <i>Luisa Miller</i>, <i>Il trovatore, Simon Boccanegra, Las vísperas sicilianas</i> y <i>La forza del destino</i>), muchos lo consideran el tenor que marca la transición de Donizetti a Verdi, uno de los sucesores de Duprez, por lo tanto, prototipo del tenor <i>di forza</i> romántico. Tenía una voz <i>squillante</i>, con metal, brillo y fuerza, Donizetti lo recomendó para alguna de sus óperas pero también llegó a quejarse de que cantaba siempre <i>en forte</i> (las críticas confirman que con el tiempo mejoró en el uso de la media voz)<i>, </i>Verdi lo consideraba en una carta al libretista Cammarano un "Manrico naturale", uno de sus caballos de batalla fue el papel de Edgardo en <i>Lucia di Lammermoor</i>, gracias a este personaje y a su interpretación de la escena final era conocido como el tenor de la <i>"maledizione"</i>.<br />
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Segunda Escena. Encontramos a Medora en su habitación, situada en un torreón de la fortaleza de los corsarios, desde un balcón se puede contemplar el mar, mientras espera la llegada de Corrado, que se retrasa, echa mano al arpa y comienza a cantar su lamento <i>"Non so le tetre immagini" </i>el fragmento más conocido de la época gracias a su aparición en recitales de sopranos. Medora es agorera desde la primera vez que abre la boca, en ese mismo momento ya está pensando en un hipotético suicidio si se diera el caso de la duda sobre la existencia de Corrado. La introducción y primera parte del recitativo previo nos pueden hacer recordar algún momento de<i> La traviata </i>y en toda esta primera parte de la escena se respira un ambiente de nocturnidad que casa perfectamente con algunas partes de<i> Il trovatore</i> en las que interviene Leonora. De la soprano que estrenó el papel de Medora, Carolina Rapazzini, no sé nada, su aria está plagada de delicadas ornamentaciones y exigencias dinámicas que exigen el uso de la media voz y pianísimos, pero en modo alguno estamos ante una soprano ligera.<br />
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Cuando Medora termina la canción Corrado hace acto de aparición y también insiste en esa idea de que ante la desaparición de Medora no queda más remedio que el suicidio. Sin ninguna explicación comunica a Medora que debe partir en ese mismo instante por un breve período de tiempo, ella insiste en sus nefastos presentimientos (es una especie de Casandra pero de irregular tino), se oye un golpe de cañón que avisa que el barco de los corsarios debe zarpar, un segundo golpe y Corrado se marcha mientras Medora cae desmayada. Así finaliza el primer acto.<br />
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Escuchamos el lamento de Medora que en la partitura se denomina "romanza" y el dúo con el concluye el acto en las voces de Cassellato-Lamberti y Ricciarelli, Frankfut 1971, con dirección de <b>López-Cobos</b>.<br />
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<a href="https://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-acto-ii.html" target="_blank">Ir al acto segundo.</a></div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-63731170136758973902018-03-12T17:10:00.000+01:002018-03-19T02:08:59.006+01:00Il corsaro - Una cosa rara que va de piratas y rescates.<div style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;">
<img alt="Genova: un galeone e un articolo sulla prigionia del corsaro Dragut." height="400" src="https://i.pinimg.com/564x/4c/5d/44/4c5d443ce093d82e91db0a9bb4168955.jpg" width="300" /></div>
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Como en la mayoría de los teatros de ópera, las óperas de Verdi fichan cada año en el Palau de les Arts y este año le ha tocado a <i>Don Carlo </i>y también a <i><b>Il corsaro</b></i>, ópera, que atendiendo a las veces que ser programa, es una auténtica rareza. Pertenece a la época "de las galeras" y se sitúa detrás de otras óperas más conocidas, como <i>I lombardi, I due foscari, Nabucco, Attila</i> y <i>Macbeth </i>y justo antes de otra rareza, <i>La bataglia di Legnano</i>, y de las muchísimo más conocidas <i>Luisa Miller</i> y <i>Rigoletto</i>, su primera obra maestra absoluta, de la que solo la separan tres años. La ópera trata de los amores de Corrado, un héroe que vive al margen de la sociedad y que está obsesionado con el suicidio.</div>
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Corrado es un corsario que, advertido que va a ser atacado por el bajá Seid y pese al consejo y pesimismo de su amada Medora, se infiltra en el puerto de Corone para anticiparse al ataque turco. Se presenta disfrazado ante Seid y no es reconocido, pero los corsarios atacan antes de hora y el pobre Corrado es decubierto, terminando herido y arrestado al entretenerse por intentar salvar a las esclavas del harén del bajá. Gulnara, esclava y concubina a la fuerza del bajá, que ha sido salvada de las llamas por Corrado, se enamora del corsario y, tras matar al bajá, salva a Corrado. Cuando éste, acompañado por Gulnara, regresa a la isla del Egeo donde tienen su refugio los corsarios, se reencuentra con Medora que, creyendo que éste ha muerto, ha ingerido veneno. Corrado, que no puede soportar el dolor por la muerte de Medora se tira al mar y desaparece delante de todos, mientras Gulnara se lamenta.</div>
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Verdi había encargado en 1845 un libreto sobre <i>The Corsair </i>de Byron a Francesco Maria Piave, libretista de muchas otras óperas verdianas: <i>Ernani, I due fuscari, Attila, Macbeth, Stiffelio, Rigoletto, La traviata, Simon Boccanegra, La forza del destino, </i>Piave hubiera sido también el libretista de <i>Aida </i>si no lo hubera impedido un ataque cardíaco. Como es de sobras conocido en aquellos años "de galeras" Verdi era una máquina de hacer óperas, y ésta fue compuesta en su mayor parte con especial premura porque el compositor estaba muy atareado por la producción de <i>I masnadieri, </i>en Londres y <i>Jérusalem </i>en París.<br />
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En 1846 ya había escrito el dúo de la prisión entre Corrado y Gulnara y el trío del último acto entre éstos y Medora; pero Verdi no se encontraba a gusto con la obra. Aunque tanto el tema como el libretista lo había elegido el mismo Verdi, encontraba el libreto de Piave frío y carente de efectos teatrales, además la compuso sin saber dónde se estrenaría y los cantantes que la iban a representar. Por otra parte, Verdi estaba muy disgustado con los modos y maneras de Lucca, el editor con quien había efectuado el contrato, porque se había visto presionado para terminar <i>Attila</i> y para cumplir a desgana su contrato en Londres, también le había enfadado el hecho de que Lucca le enviara a finales de 1847 un cheque de 1000 francos (no sé exactamente por qué pero se queja de ello en una carta), lo consideraba insensible e ingrato. Parece que Verdi había firmado el contrato con Lucca un poco por despecho con Ricordi que había autorizado la publicación en la revista "La Gazzetta Musicale di Milano" una crítica un tanto mordaz sobre <i>Giovanna d'Arco</i>, este contrato le obligaba a ceder los derechos de tres óperas, una de ella debía representarse en Londres, en principio iba a ser <i>Il corsaro</i> la destinada a Londres pero no fue así, al final la estrenada en Londres en 1847 fue <i>I masnadieri</i>.<br />
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La partitura se terminó en París en febrero de 1848. El estreno, que tuvo lugar en el Teatro Grande de Trieste el día 25 de octubre de 1848, fue elección de Lucca pues el editor tenía todos los derechos sobre la obra. Verdi no acudió al estreno, supongo que más porque no pudo que porque no quiso pero hay opiniones para todos los gustos. La ópera tuvo muy poco éxito ("si el público tuvo la amabilidad de no silbar, solo fue a causa de su bondad innata" escribía<i> Il constituzionale</i>.), presentándose muy poco en el resto de Italia (Milán, Módena y Turín en 1852, Novare, Venecia y Malta en 1853 y Nápoles en 1854). Se recuperó un siglo más tarde en Venecia, concretamente en 1963.</div>
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De Il corsaro no hay muchas grabaciones pero afortunadamente una de las grabaciones que existen, con el panorama actual, parace insuperable, reunía a tres grandes cantantes del momento, Montserrat Caballe como Gulnara, Jessye Norman como Medora y José Carreras como Corrado, bajo la dirección del siempre eficiente Lamberto Gardelli y la publicó Philips a mediados de los años setenta, el único lunar que tiene es la presencia de Gian Piero Mastromei como bajá Seid, que tampoco lo hace tan mal pero no está a la altura del resto del reparto. En la biografía de Caballé ponen esta grabación a caer de un burro, pero no es para tanto, si bien es cierto que no es el mejor testimonio del arte de la soprano catalana, quizás hubiera resuelto con más soltura el papel de Medora, pero Jessye Norman, no siendo una belcantista nata, lo hace estupendamente.<br />
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<a href="https://img.discogs.com/zWmgtkAzbCGoimLU_YHSKYIekXc=/fit-in/600x593/filters:strip_icc():format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-9285979-1477959383-3059.jpeg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="600" height="316" src="https://img.discogs.com/zWmgtkAzbCGoimLU_YHSKYIekXc=/fit-in/600x593/filters:strip_icc():format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-9285979-1477959383-3059.jpeg.jpg" width="320" /></a></div>
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Yo creo que es una de las mejores grabaciones que nos ha dejado José Carreras, con un papel que le iba especialmente bien, aquí tenemos un testimonio en directo de cómo el tenor cantaba el aria de entrada de Corrado:<br />
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<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/8UQwMRaCyBw" width="560"></iframe></div>
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Para los amantes de las grabaciones en vivo es muy buena opción la publicada por Opera Gala, Opera d'Oro y otros sellos grabada en Frankfurt en 1971 con Giorgio Castellato-Lamberti, Katia Ricciarelli, Angeles Gulin, Renato Bruson, bajo la dirección del recientemente fallecido Jesús López Cobos.</div>
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<img height="400" src="https://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/716SleXr4QL._SL1075_.jpg" width="397" /><br />
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<a href="https://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-acto-1-y-homenaje.html" target="_blank">Il corsaro -Acto 1</a><br />
<a href="https://cantanellas.blogspot.com.es/2018/03/verdi-il-corsaro-acto-ii.html" target="_blank">Il corsaro - Acto 2</a></div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-44471199609138910882018-03-11T00:26:00.002+01:002018-03-11T00:50:59.651+01:00ROSA, ROSAEComo no solo de ópera vive el hombre y como no solo cantan ellas, hoy traigo al blog una canción que se quedó conmigo desde el primer día que la escuché. Vincio Capossela es italiano, cantante, curiosamente nació en Hanóver, pero Capossela es más que un cantante, es poeta.<br />
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<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/_TBP6BiYyn4" width="560"></iframe></div>
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<div style="text-align: center;">
Con una rosa hai detto</div>
<div style="text-align: center;">
Vienimi a cercare</div>
<div style="text-align: center;">
Tutta la sera io restero' da sola</div>
<div style="text-align: center;">
Ed io per te...</div>
<div style="text-align: center;">
Muoio per te...</div>
<div style="text-align: center;">
Con una rosa sono venuto a te</div>
<div style="text-align: center;">
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<a name='more'></a><br /></div>
<div style="text-align: center;">
Bianca come le nuvole di lontano</div>
<div style="text-align: center;">
Come la notte amara passata invano</div>
<div style="text-align: center;">
Come la schiuma che sopra il mare spuma</div>
<div style="text-align: center;">
Bianca non e' la rosa che porto a te</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Gialla come la febbre che mi consuma</div>
<div style="text-align: center;">
Come il liquore che strega le parole</div>
<div style="text-align: center;">
Come il veleno che stilla dal tuo seno</div>
<div style="text-align: center;">
Gialla non e' la rosa che porto a te</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Sospirano le rose nell'aria spirano</div>
<div style="text-align: center;">
Petalo a petalo mostrano il color</div>
<div style="text-align: center;">
Ma il fiore che da solo cresce nel rovo</div>
<div style="text-align: center;">
Rosso non e' l'amore</div>
<div style="text-align: center;">
Bianco non e' dolore</div>
<div style="text-align: center;">
Il fiore e' solo il dono che porto a te</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Rosa come un romanzo di poca cosa</div>
<div style="text-align: center;">
Come la resa che affiora sopra il viso</div>
<div style="text-align: center;">
Come l'attesa che sulle labbra pesa</div>
<div style="text-align: center;">
Rosa non e' la rosa che porto a te</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Come la porpora che infiamma il mattino</div>
<div style="text-align: center;">
Come la lama che scalda il tuo cuscino</div>
<div style="text-align: center;">
Come la spina che al cuore si avvicina</div>
<div style="text-align: center;">
Rossa cosi' e' la rosa che porto a te</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Lacrime di cristallo l'hanno bagnata</div>
<div style="text-align: center;">
Lacrime e vino versate nel cammino</div>
<div style="text-align: center;">
Goccia su goccia, perdute nella pioggia</div>
<div style="text-align: center;">
Goccia su goccia le hanno asciugato il cuor</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Portami allora portami il piu' bel fiore</div>
<div style="text-align: center;">
Quello che duri piu' dell'amor per se'</div>
<div style="text-align: center;">
Il fiore che da solo non specchia il rovo</div>
<div style="text-align: center;">
Perfetto dal suo cuore</div>
<div style="text-align: center;">
Perfetto dal dolore</div>
<div style="text-align: center;">
Perfetto dal dono che fa di se'</div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-42857433251226740492018-03-09T17:24:00.001+01:002018-03-09T18:22:16.954+01:00Il mondo della luna en el Palau de les Arts - 8 de marzo de 2017<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.plateamagazine.com/images/fotos/noticias/Il_mondo_della_luna_LesArts.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="534" data-original-width="800" height="266" src="https://www.plateamagazine.com/images/fotos/noticias/Il_mondo_della_luna_LesArts.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Ayer quedó demostrado que una buena dirección escénica puede salvar toda una representación. Se estrenaba en el Palau de les Arts <i>Il mondo </i>della luna de Haydn. Durante todo el día me había asaltado la duda sobre si, dada la jornada reivindicativa que vivíamos ayer, tendríamos o no función de ópera esa tarde, el personal, orquesta y cantantes no se sumaron a la huelga pero antes del comienzo de la función dos miembros que dijeron pertenecer a la comisión de igualdad del Palau de les Arts leyeron un comunicado en defensa de los derechos de la mujer y contra la violencia machista. La verdad es que me daba mucha pereza aguantar una ópera de Haydn que se me había atragantado tres veces al intentar escucharla en casa, más todavía al ver la duración que marcaba el programa de mano, 2 horas y 50 minutos, y la pereza estaba justificada, aunque la ópera tiene algún aria, dúo o número de conjunto de grata escucha y momentos orquestales muy interesantes y disfrutables en conjunto es muy pesada y monótona. Los cantantes que, salvo la intérprete de Lisetta, pertenecen al Centro de Perfeccionamiento se movieron dentro de un nivel de corrección general, sin que hubiera grandes pifias y sin que nadie destacara especialmente, la dirección también me pareció correcta, muy divertida la intervención de parte del Cor de la Generalitat, precisamente fue el director de escena, Emilio Sagi, el principal responsable de que esto fuera así. Su propuesta es muy imaginativa y, aunque traslada la acción a momentos recientes, muy fiel al libreto de Goldoni, no chirría en ningún momento, destaca sobre todo la escenografía que ha preparado Daniel Bianco para los actos segundo y tercero, con una gran escalinata que se despliega al final del primer acto y que da lugar a la irrupción de un mundo lunático de fantasía que recuerda al musical o la revista, plagado de momentos imaginativos y divertidos, como esos boys del coro bajando las escaleras y toda una serie de recursos inagotables (globos negros cayendo del cielo, bolas de discoteca, sillas de corazones, labios o piernas...). Estupendos también junto a dirección escénica de Sagi y coreografía de Nuria Castejón, el colorista vestuario de Peja Ojanguren y la iluminación de Albert Faura. La inteligencia al servicio de la ópera. </div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-33790283931858612942018-03-04T02:20:00.001+01:002018-03-04T10:02:27.274+01:00maac-chorrada: ¿Y el mejor dúo soprano-tenor de Verdi?<div style="text-align: justify;">
El otro día puse la que pienso que podría ser la mejor aria escrita para soprano por Verdi, lo que es más que un atrevimiento por mi parte, y hoy (o ayer porque escribo esto a las dos de la mañana), como era sábado y no tenía nada más importante en lo que pensar, lo que es de agradecer, he estado todo el día dándole vueltas a cuál es el mejor dúo entre tenor y soprano compuesto por Verdi, En realidad ha sido un pensamiento que me ha venido de forma intermitente, dos o tres veces, y que no ha sido hoy la primera vez que ha aparecido, lleva ya unos días yendo y viniendo, así que para quitármelo del medio, porque decidir cuál es el mejor dúo es una estupidez, y de las grades, he decidido escribir una entrada en el blog. Seguro que así logro dar por zanjado el asunto y dedicarme a otra bobada. Menos problemas tengo si hay que decidir entre soprano y barítono, en ese caso <i>La traviata</i> tiene todos los números. Por lo tanto, la autoasamblea de maac-jaras ha decidido que, con perdón de Radamés-Aida, Elisabetta-Carlo, Gilda-Duca, Alfredo-Violetta y Otello-Desdemona, el mejor dúo está en el segundo acto de <i>Un ballo in maschera. </i>De todos los personajes verdianos que interpretó Pavarotti me quedo con el de Riccardo en Un ballo, acompañado magníficamente en este explosivo dúo por la poco conocida soprano Gabriele Lechner con dirección de Abbado, por cierto que Pavarotti actoralmente está menos mal que de costumbre:</div>
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<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Gtk_MtI8bSM" width="560"></iframe></div>
</div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-29122232450319048102018-02-19T00:41:00.001+01:002018-02-23T09:03:10.026+01:00ARIAS FAVORITAS - "Ombra fedele anch'io" de Riccardo Broschi.<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: sans-serif;">El compositor napolitano Riccardo Broschi no nos suena mucho, pero seguro que nos suena un poco más si decimos que es el hermano del mítico castrado soprano Farinelli, Carlo Broschi. ambos hijos del compositor Salvatore Broschi. Ricardo estudió composición en el Conservatorio de Santa Maria di Loreto, en Nápoles. No conozco íntegramente ninguna de sus óperas pero parece ser que no fue un gran compositor y que vivió durante bastante tiempo a la sombra del hermano, quien estrenó muchísimas de sus obras. Riccardo estuvo con Farinelli en Londres y, al final de su vida, en Madrid, donde Farinelli, que tenía 7 años menos, había entrado al servicio de Felipe V con objeto de curarlo de la depresión mediante su canto. </span>Es posible que la decisión de castrar a Carlo la tomara su propio hermano Riccardo, con objeto de liberar a la familia de tensiones económicas, tras el fallecimiento del padre de ambos con 36 años de edad, aunque la tradición dice que Carlo fue castrado forzosamente tras una caída de un caballo, desde luego no sé cuál de las dos versiones es real pero es más romántica la segunda.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
Hoy en día lo conocemos musicalmente gracias a la película <i>Farinelli, il castrato</i> de Gérard Corbiau, en ella hay un momento en el que Farinelli aparece desde lo alto del escenario subido a una carroza tirada por dos animales mitológicos luciendo una especie de casquete adornado con grandes plumas de colores y entona un aria compuesta por su hermano para la ópera Idaspe, se trata de "Ombra fedele anch'io"; el aria ciertamente se despliega en una melodía bellísima, como era habitual es <i>da capo </i>por lo que tiene una sección central contrastante y resulta ideal para lucimiento de la voz del cantante de turno, al que exige especial destreza en su ejecución con gran control de la respiración, el <i>legato</i>, el uso de portamentos, regulaciones de intensidad y agilidades como trinos, escalas... en definitiva: imaginativas variaciones sobre todo en el<i> da capo</i> a gusto de la mezzosoprano o el contratenor<i>,</i> que son las voces a las que hoy se les suele encomendar interpretar los papeles escritos para castrado. También es conocida este aria por formar parte del magnífico disco que la estadounidense Vivica Genaux y René Jacobs realizaron en los primeros años de este siglo en homenaje al castrado y que se titulaba<i> Arias for Farinelli, </i>en este disco las ornamentaciones no fueron libres sino previamente escritas por René Jacobs; pero antes que la película y que el disco dedicado a Farinelli ya había recuperado el aria la mezzosoprano también estadounidense Frederica von Stade, con más intuición que estilo barroco, sobre todo en el apartado orquestal, en un recital para Decca a finales de los años setenta del siglo XX bajo el título <i>Italian Opera Arias</i>, no tengo noticias de que se haya grabado antes, sí de otros cantantes que la han grabado después como Ann Hallemberg.</div>
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Os voy a dejar las tres primeras opciones citadas, la de la película que hace una pequeña trampa al utilizar la mezcla de una voz de soprano (Ewa Malas-Goldewska) y otra de contratenor (Derek Lee Ragin) y así conseguir un efecto que pudiera recrear lo que pudiera ser la voz de un castrado, es pura ficción; la de Vivica Genaux con Jacobs, muy cuidada en lo orquestal e intentando diferenciar ornamentalmente el<i> da capo</i> de la primera parte del aria; y la de Von Stade por la belleza tímbrica e innata musicalidad de la mezzo que utiliza tiempos más ligeros y que en conjunto, y a mi modo de ver, es más expresiva y elegante que las anteriores.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/y3fzhMnGs5E" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: justify;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/P-7UcxE3ETI" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: justify;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/LJ2DHNCPPRI" width="560"></iframe></div>
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<br></div>
<div style="text-align: justify;">
Ombra fedele anch'io</div>
<div style="text-align: justify;">
Sul margine di lete</div>
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Seguir vo' l'Idol mio</div>
<div style="text-align: justify;">
Che tanto adoro,</div>
<div style="text-align: justify;">
Che bella pace e questa</div>
<div style="text-align: justify;">
Che a consolar sen resta</div>
<div style="text-align: justify;">
Il mio martoro. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
"Ombra fedele anch'io" pertenece a la ópera <i>Idaspe</i>, cuyo papel principal fue desempeñado por otro célebre castrado de la época, Nicola Grimaldi, más conocido como Nicolino, mientras que Farinelli interpretaba el papel de Dario, que es quien canta el aria tras sentirse despreciado por su enamorada cuando ésta le confiesa que su deseo es ser reina y para ello debe casarse con Artaserse; es por lo tanto un canto triste, un desesperado lamento que viene a decir que sólo en la muerte encontrará la paz. Seguramente sirvió para resaltar la suficiencia del registro grave del castrado, teniendo en cuenta que, dentro de los castrados, Farinelli era soprano. A mí me llama la atención la presencia entre los instrumentos de los cuernos de caza, instrumento que lo he visto varias veces utilizado en el barroco en arias <i>da caccia</i>, entre ellas, y como ejemplo, la genial "Va tacito e nascosto" de Giulio Cesare.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
<i></i><i></i><br></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-72320734112081022252018-02-13T00:24:00.000+01:002018-02-13T00:26:16.810+01:00¿Cuál es la mejor aria para soprano de Verdi? - maac-chorrada 1/2018<div style="text-align: justify;">
Esto está al borde de la maac-chorrada, el caso es que yo lo tengo clarísimo y para mí es indiscutible porque es la que más me gusta y no hay más que hablar, la mejor aria de Verdi para soprano está en <i>Il trovatore </i>y es "D'amor sull'ali rosee... Tu vedrai che amore in terra", con Miserere y cabaletta incluída por supuesto, y no lo pienso defender porque el aria se defiende sola, no hay más que escuchar. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Mis Leonoras son tres: Callas, Gencer y Caballé así que voy a poner la tres, aunque si soy totalmente sincero hay una y luego están dos más, jajaja. Al final esto ha terminado siendo una maac-chorrada como un piano así que cambiaré el título.</div>
<br />
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<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/sNByJiJqPxg" width="560"></iframe><br /></div>
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<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/f8NHS4kFucw" width="560"></iframe><br /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/VbBC3TTN5R0?start=4528" width="560"></iframe><br /></div>
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<br />maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-5553699120177384482018-02-03T01:19:00.001+01:002018-02-11T23:42:45.690+01:00Un Peter Grimes humanizado - Palau de les Arts, 1 de febrero 2018<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoAdchFKfj9GraNGucOth0r0qSeHrbanOrzJxJmD1HaspQV09jF_vFI9drIaOd77JEwULCG26DmDd04r66huPkj36pM0C5gSN2oFzVxhCEnf9XzGoXZ5Jo_Wkk7K6NiZmkYp8JeAQ4ORc/s1600/016Peter_Grimes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1600" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoAdchFKfj9GraNGucOth0r0qSeHrbanOrzJxJmD1HaspQV09jF_vFI9drIaOd77JEwULCG26DmDd04r66huPkj36pM0C5gSN2oFzVxhCEnf9XzGoXZ5Jo_Wkk7K6NiZmkYp8JeAQ4ORc/s400/016Peter_Grimes.jpg" width="400"></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br></div>
<div style="text-align: justify;">
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Uno no entiende que se estrene Peter Grimes por primera vez en Les Arts y el teatro esté medio vacío cuando piensa que es una de las óperas más importantes que nos ha dado el siglo XX por su perfección dramática y una calidad musical que hace converger lo moderno con lo tradicional, pero así son las cosas, no está cantada en italiano y seguramente el hecho de pertenecer al siglo XX asusta a la masa que es poco dada a arriesgarse, pero una vez más se equivoca, como se equivocan los habitantes del Borough en la ópera de Britten según la lectura que ofrece el alemán Willy Decker. Si Britten deja algún lugar a la duda, quizás por empeño de Slater, el libretista, Decker lo deja bien claro desde el principio, su Grimes aparece en escena apesadumbrado portando el ataúd de su aprendiz, más tarde acariciará a su último aprendiz, que lo abraza; es un hombre víctima de una sociedad que va a la caza del hombre que no se adapta a las convenciones establecidas, el único problema de esta lectura es que conduce de alguna manera a la justificación del maltrato y eso, hoy en día, nos chirría bastante, pero igual me equivoco y el tema caricias va entroncado con el de la pederastia. La lectura de Decker funciona muy bien pero os voy a decir una cosa: Peter Grimes es una ópera que por sí sola funciona muy bien, los personajes están perfectamente caracterizados y la música traduce a la perfección tanto el ambiente como las situaciones dramáticas que se dan en cada momento, es fácil poner en escena Peter Gimes, sólo tienes que dejar que todo se desarrolle conforme lo ha previsto Britten, tampoco es que haya que restar méritos a Decker que pone todo en práctica con sobresaliente incluso tomándose algunas licencias, la principal es que acentúa el fanático pensamiento único religioso. La escenografía y el vestuario de John Macfarlane son muy austeros, oscuros y minimalistas (cuando se estrenó la producción en los noventa era algo en pleno apogeo, ahota también se lleva pero está más que vsito), de indudable belleza plástica, que es realzada por la iluminación y cierto expresionismo creado al situar los personajes en un plano inclinado, sobre todo en la escena en la cabaña de Peter. Pero hay cosas que no entiendo, cuando Grimes dice "ayudadme a arrastrar el bote", no dice a aguantar la cuerda, ¿tanto cuesta arrastrar el bote en vez de estar ahí parados sujetando una cuerda? Son tonterías pero por culpa de estas tonterías muchas veces me desconcentro y salgo de la acción dramática.</div>
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El tenor Gregory Kunde, asiduo visitante a Les Arts, debutaba el papel principal en escena, lo hizo en versión concierto hace cinco años en Roma con dirección de Pappano, circulan por ahí grabaciones gracias a que se retransmitió por televisión, no hay más que visitar Youtube para comprobarlo, entonces fue una grata e inesperada sorpresa, hoy ya no lo es tanto, ya hemos asistido con anterioridad a importantes cambios en el repertorio del que fuera tenor rossiniano. La salud vocal del tenor puede que estuviera mejor en Roma, en todo caso hace un buen retrato de Grimes, una tercera vía, no es el psicópata que mostraba el monolítico Vickers ni es tan atormentado como el de Pears, lleno de contrastes, supongo que algo tendrán que ver en ello las directrices de Decker, pero en un plano exclusivamente vocal también van por ahí los tiros. Temía que, como tiene un timbre tan característico y lo hemos visto tanto últimamente por aquí, viera más al cantante que a Grimes, pero no fue así, resulto totalmente convincente pero algo plano en lo dramático, curiosamente en los agudos le salió su vena más ligera. Para mí fue lo mejor de la noche junto con algunos momentos gloriosos que nos proporcionaron los músicos de la orquesta.</div>
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El capitán Balstrode estuvo correctamente servido por Robert Bork, su timbre es atractivo pero su estilo de canto no me lo pareció tanto, y hemos llegado al talón de Aquiles de este Peter Grimes. Es cierto que la interpretación y dirección de actores está muy bien pero nadie dio la talla a la hora de cantar, porque, señores, Britten se canta, y en Peter Grimes hay melancolía y hay lirismo, hay melodías, señores y, sobre todo, señoras cantantes, y el que no se lo crea que recurra a la versión que dejó grabada el propio Britten y lo comprobará. Leah Patridge como Ellen Orford, la viuda y maestra, no tiene un timbre muy atractivo y sus agudos son gritados, careció de lirismo en los momentos más melancólicos; Dalia Schaechter, no despertó en mí el menor interés, es un personaje que tiene una vis cómica al que no lo va mal un ligero histrionismo que en la interpretación de Schaechter estuvo ausente; correctas estuvieron sus sobrinas, alumnas del Centro de Perfeccionamiento; el metodista, que interpertaba el tenor Richard Cox, no destacó precisamente por su hermoso timbre, tampoco es algo que le vaya mal a este personaje; sin embargo estuvieron bien Charles Rice como el boticario Ned Keene y Lukas Jakobski como el cochero Hobson, decepción total con respecto a Rosalind Plowight, la conocía por algunos discos que dejó grabados cuando era soprano, su impostación fue nula en un personaje, el de la obsesiva viuda Sedley, al que se le puede sacar mucho más partido. </div>
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Peter Grimes es una ópera en la que el coro es importantísimo, está presente en todo momento, es el antagonista de Grimes, la masa, y sus intervenciones plantean muchísimas dificultades, es un auténtico reto, el Cor de la Genrealitat me ha gustado menos que otras veces, lo encontré demasiado desmadrado, sin control alguno del volumen como si Britten hubiera plagado la partitura de fortísimos (confieso que no me he tomado la molestía de comprobarlo), notar un poquito más de contraste entre los diferentes grupos de voces hubiera estado bien. En todo caso hay que reconocer que nos tienen acostumbrados a un nivel de calidad tan alto que cualquier desajuste lo magnificamos, ya quisieran en otros teatros que reciben grandes subvenciones del Estado tener este coro. Excelente la orquesta, no así la dirección de Christopher Franklin, bien por la firmeza con la que dirige, mal porque parece que para este director todo Grimes es abrupto, como si quisiera destacar las aristas de la partitura, pero vuelvo a repetir que en Grimes hay muchos momentos expansivos, melancólicos, que no fueron realzados debidamente.</div>
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A pesar de todo lo que no me gustó tengo que reconocer que se me pasó el tiempo volando y disfruté muchísimo de la obra de Britten, una auténtica joya. Afortunadamente asistiré a más representaciones.</div><div style="text-align: justify;"><br></div><div style="text-align: justify;">ACTUALIZACIÓN. En la función del sábado 10 de febrero todo ha cambiado a mejor. He encontrado mayor equilibrio de volumen entre orquesta y coro, todo más transparente. Y a Kunde con el papel más interiorizado, más suelto y matizado que en el estreno. </div>
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-53616894087472193142018-01-29T22:59:00.002+01:002018-01-31T22:53:26.851+01:00SACA LAS TIJERAS, ERNESTO, QUE YO NO PUEDO CON ESTO - Werther de Massenet<div style="text-align: justify;">
Hay momentos de algunas óperas que se me hacen odiosos, por breves que sean se me hacen insoportables hasta el punto de desear tener unas tijeras y hacerlos desaparecer, si no de la partitura, al menos de las representaciones, y entre todos esos fragmentos hay uno que nunca escucho, tengo la suerte de que está al principio de la ópera, apenas dura dos minutos y suele ser la pinta núm. 2 del primer CD, así que normalmente comienzo a escuchar a partir de la pista 3, se trata del coro de seis niños ensayando un villancico al principio de <i>Werther</i> de Massenet. El texto que cantan <i>les enfants</i> es el siguiente:</div>
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<i>Noël! Noël! / Jésus vient de naître / Voici notre divin maître / Rois et bergers d'Israël! / Dans le firmament / Des anges gardiens fidèles / Ont ouvert grandes leurs ailes / Et s'en vont partout chantant: /Noël!</i><br />
<i><br /></i>
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<i><iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/cGojBxdrq_M" width="560"></iframe></i></div>
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La letra no tiene nada de particular, es una letra típica de Navidad que nos sitúa en un momento determinado del año al comenzar la ópera, estamos en Navidad, ha nacido Jesús, conoced la buena nueva, los ángeles lo anuncian. El origen de mi animadversión se encuentra en la misma música de Massenet y esos seis niños berreando: Noël, Noël, Noël... Al principio se supone que deben desafinar y después se corrigen al pensar que Charlotte, la encantadora y abnegada protagonista femenina de la ópera, les está escuchando. Pero ni afinados ni desafinados, no puedo con ellos. Y para más desgracia Massenet los vuelve a meter justo antes del final con toda la tensión del momento, a veces el director musical tiene la delicadeza de hacer que en los últimos compases de la ópera los niños pasen casi desapercibidos y suenan lejanos, lejanos, es de agradecer.<br />
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maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-68459180179871905612018-01-27T19:50:00.002+01:002018-01-27T19:51:45.386+01:00Mado Robin. Un fenómeno de la naturaleza. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg28kd_yJpvxf6afLADzttHe7f-MC1S09HtOTnVwUSOZpmd8WGHgkTaDN4CNUZWg0BjDF3VKFNSFgNUBTC_blDQZxB67cwwFkIZPpTUX53bOLyfK8VLl8TPa67b2Khzz8D-Z3t4Tanbhho/s1600/Robin2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="406" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg28kd_yJpvxf6afLADzttHe7f-MC1S09HtOTnVwUSOZpmd8WGHgkTaDN4CNUZWg0BjDF3VKFNSFgNUBTC_blDQZxB67cwwFkIZPpTUX53bOLyfK8VLl8TPa67b2Khzz8D-Z3t4Tanbhho/s320/Robin2.jpg" width="203" /></a></div>
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Tiene toda larzón del mundo George Hall cuando dice que Mado Robin tiene a un mismo tiempo algo de anacrónico y algo de prodigioso, anacrónico por su estilo de canto, su coloratura, estaba en desuso en los años cincuenta del siglo XX, y prodigioso por su materia vocal, un auténtico fenómeno de la naturaleza, una de las voces más extensas por arriba de las que se han dado en la historia de la música, y tiene el record Guiness por las notas más altas ofrecidas por una soprano en una grabación. Fue descubierta cuando tenía 16 años por el barítono Titta Ruffo y tuvo una carrera muy corta, falleciendo casi a los 42 años, a pesar de todo algunos testimonios discográficos nos han llegado, entre ellos una versión integra de la ópera <i>Lakmé </i>de Leo Delibes. Su timbre, caracterizado por su dulzura y suavidad más que por su intensidad, no era muy atractivo desde un punto de vista dramático, era poco dado a los contrastes, pero sí lo podemos calificar de bonito, más aterciopelado que eléctrico en la zona central, sus interpetaciones respiran musicalidad por todos lados, prestando siempre atención al fraseo y trabazón entre cada sílaba y la que sigue, sin problemas de fiato ni de regulación de intensidades, su dicción es muy nítida, ninguna objeción vamos a poner a su técnica y yo diría que dramáticamente la soprano no podía dar más de lo que daba, el timbre era demasiado infantil, uno de los paradigmas de la llamada soprano jilguero, un tanto exótica y un tanto circense. Y entre lo más exótico y circense que conozco de ella, aunque para mí no es lo mejor de ella (podéis buscar en Youtube <a href="https://www.youtube.com/watch?v=3CR7Q215S4o" target="_blank">"Ah non credea mirarti.... Ah! non giunge" de <i>La Sonnambula</i></a>), está la canción <i>Le Rossignol </i>de Alabiev. </div>
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="400" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/utf1dbtumn85bit8httndja6wjn0xh92" webkitallowfullscreen="" width="330"></iframe><br /></div>
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<br />maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-71310503437271557592018-01-21T23:02:00.000+01:002018-01-21T23:24:33.176+01:00ARIAS FAVORITAS - La canción de la luna de Rusalka<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://img00.deviantart.net/9fb8/i/2013/185/d/d/slavic_mythology__rusalka_by_masiani-d6bxjkg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="618" height="320" src="https://img00.deviantart.net/9fb8/i/2013/185/d/d/slavic_mythology__rusalka_by_masiani-d6bxjkg.jpg" width="247" /></a></div><div style="text-align: justify;">Hoy ha llegado la hora de un aria con la que, desgraciadamente, nos emborrachan a dos por tres, me lo he pensado un tiempo antes de decidirme por incluirla en este serie, suena y suena y suena por todos lados, creo que solo es superada por <i>Casta Diva </i>y por <i>Lascia ch'io pianga</i>, vamos... que es la típica canción de anuncio de colonia femenina, y uno al final se cansa de tanto torpedeo de tan famosas melodías, pero la realidad es la que es y es que esta ondulante melodía, como las otras citadas, es bellísima y funciona a la perfección dentro de la dramaturgia de la ópera, imposible que esta muchacha no seduzca, a la luna para que ejerza de mediadora y a quien se le ponga por delante.</div><br />
No es raro que a esta canción se la conozca como <i>Song of the moon</i> o<i> Canción de la luna</i> porque le título en checo es bastante complicado: <i>Pisen Rusalky O Mesiku (Mesiku na nebi hlubokem). </i>Y aunque este aria es muy conocida yo creo que la ópera no lo es tanto, sí que es de repertorio pero no se representa con mucha frecuencia, salvo en la República Checa.<br />
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<div style="text-align: justify;">Rusalka es una ópera de Anton Dvorak cuyo libreto, de Jaroslav Kvapil, se inspira, entre otras cosas en la mitología eslava y en el célebre cuento de Andersen <i>La sirenita</i>, así que el que no sepa de que va la ópera ya se puede hacer una idea aproximada. Se desarrolla en una época mitológica en un bosque junto a un lago donde habita Rusalka, una ninfa de los lagos que se ha enamorado de un Príncipe que se suele bañar allí pero que no puede verla, por eso Rusalka, para conocer al Príncipe, desea convertirse en mujer dejando de ser un espíritu; al poco de comenzar la ópera se lo comenta a su padre, el duende del agua, y éste le recomienda, después de escandalizarse y antes de desaparecer, que visite a la hechicera. Es entonces cuando Rusalka, en una escena de nocturna, imbuida por la melancolía, utiliza a la luna como interlocutora con su amado, es el momento de la canción de la luna, en la que le suplica que traslade sus pensamientos al príncipe, de pronto la luna se oculta tras una nube y Rusalka deja ese mundo de ensoñación y con gritos desgarradores llama a la hechicera. </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">He tenido mis dudas sobre qué cantante elegir, tenía sobre todo tres opciones: <b>Lucia Popp</b>, una soprano eslovaca con un timbre y un sentido melódico que me puede, <b>Gabriela Beňačková</b>, otra soprano también eslovaca de sonidos un pelín más agresivos, imprescindidible si hablamos de Janacek, y la norteamericana <b>Renee Fleming</b>, también de espléndido timbre, pero no tan idiomática. Y buscando y decidiendo en Youtube cuál ponía he tropezado con la de una soprano que no conocía de nada y cuya versión me ha parecido delicadísima y además era checa, <b>Milada Subrtova</b>, soprano que, aunque prefiero a la plateada Popp, elijo y cuyo nombre me apunto para escuchar más cosas de ella en el futuro:</div><br />
<div style="text-align: center;"><iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/eRLUY2HEgIc" width="560"></iframe></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Y al final no me voy a resistir y pondré también la de Lucia Popp:</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/YSLMRtUi_dI" frameborder="0" allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen></iframe></div><br />
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-58976720892788107142018-01-16T22:59:00.000+01:002018-01-16T22:59:04.192+01:00Los temas de "Peter Grimes"<div style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: black; font-family: Times New Roman; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;">
Muchísimas son las virtudes de<b><i> Peter Grimes</i></b>, desde la calidad de un libreto sin fisuras, escrito por Montagu Slater con aportaciones del propio Britten o del tenor que estrenaría el papel principal, Peter Pears, compañero sentimental del compositor, hasta el empleo de un lenguaje musical moderno, ni ultra-vanguardista ni conservador (lo que le permite llegar a tanto a un público sofisticado como a otro más tradicional), que se adapta perfectamente a la prosodia inglesa y que sabe reflejar tanto las situaciones más dramáticas como las más líricas, así como la psicología no sólo de los dos protagonistas principales, sino también la de cada uno de los personajes secundarios y de las masas, asimismo son magníficas las descripciones de los fenómenos de la naturaleza y su influencia en el ambiente que se respira en la ópera (especialmente el estado del mar en las zonas costeras del este de Inglaterra). Si tuviera que elegir un momento me quedo con la totalidad de la segunda parte del tercer acto me parece una obra maestra absoluta, con momentos de un lirismo arrebatador a la vez que trágico y profundo. </div>
<div style="font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; margin: 0px;">
<div style="background-color: transparent; color: black; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-decoration-line: none; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;">
<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i><b style="font-style: normal;"><i>Peter Grimes</i></b><span style="font-style: normal; font-weight: 400;"> nos habla sobre la soledad, la compasión, la injusticia social, el día a día de una sociedad provinciana, con sus prejuicios, sus curanderos, su abogado, su párroco, sus chismosos y sus prostitutas. También sobrevuela durante toda la obra el tema del amor y algunos han querido ver el de la homosexualidad, en el New Grove se dijo que la ópera era una "alegoría de la opresión hacia la homesexualidad", pensemos que en los años cuarenta del siglo XX todavía no se podía hablar abiertamente de este tema. Y, evidentemente, el tema "butterflairiano" del suicidio con el que acaba la ópera cuando el individuo es incapaz de controlar su situación personal. Cuando acaba la ópera a uno le queda el desasosiego por no saber si Grimes es en realidad ese monstruo que cree la población del Borough, un pederasta atormentado por una conciencia culpable (tal y como se muestra Grimes en el poema de George Grabbe, </span><i style="font-weight: 400;">The Borough</i><span style="font-style: normal; font-weight: 400;">, en el que se basa la ópera), o un producto derivado de un entorno social corrupto que lo considera un criminal, un ser inadaptado, estigmatizado y excluido, no exento de cierta fiereza e incapaz de recibir ayuda, que es destruido por la propia sociedad, y ahí tenemos las dos opciones que tiene el cantante que interprete el protagonista principal, se puede decantar por la primera, más ruda, o la segunda, más rica o matizada (seguramente la opción preferida de Britten y Pears), aunque lo ideal tendría que ser moverse en ambos terrenos. Como dijo Britten en una entrevista para la revista Time: "cuanto más cruel es la sociedad, más cruel es el individuo". Pero no podemos dejar de observar que Grimes, y curiosamente el mundo en el que vive que vive no condena esta actitud, utiliza a los niños como un medio de incrementar su riqueza, como una mercancía más, y en ese sentido tampoco es un ser que despierte nuestras simpatías. Al final de la ópera, muerto Grimes, parecerá que no ha pasado nada, se levanta un nuevo día y del Borough ha olvidado todo, el coro canta la misma melodía con la que comienza el primer acto, pasado ya el prólogo, aquí no ha pasado nada.</span></i></b></div>
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<div style="font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; margin: 0px;">
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<b>Peter</b>: <i>¿En qué puerto es posible encontrar la paz, lejos del oleaje, lejos de la tormenta? ¿Qué puerto puede abrigarnos de los terrores y las tragedias? Su pecho es un puerto donde la noche se hace día.</i></div>
<b></b><i></i><u></u><sub></sub><sup></sup><strike></strike><br />
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/WCU6kT2_bRs" width="560"></iframe></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-32376637787740309432018-01-15T16:11:00.000+01:002018-01-15T16:11:02.601+01:00Veremos "Peter Grimes" en el Palau de les Arts<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.operamusica.com/upload/image/59/42/73/59427367599cc.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="641" height="200" src="https://www.operamusica.com/upload/image/59/42/73/59427367599cc.jpg" width="160" /></a></div>
La verdad es que no entiendo cómo el Palau de les Arts, que viene programando cada año, durante las últimas temporadas, una ópera de Britten no ha aprovechado la ocasión para promocionar por todo lo alto una integral de la obra de Britten, sería todo un hito en nuestro país ya que las obras de este compositor se ofrecen con cuentagotas. Repasemos las óperas que ya se han programado: Durante la temporada 2015-2016 pudimos ver<i> <b>A midsummer night dream</b></i> en una producción propia con dirección escénica del escocés Paul Curran, en la temporada 2016-2017 fue<b> <i>The turn of the screw</i> </b>también con una producción propia y dirección escénica del hoy ex-intendente del teatro, David Livermore. Ahora, 2017-2018, le toca el turno a una de las obras capitales de todo el siglo XX,<i> <b>Peter Grimes</b></i> en una producción procedente del Teatro de la Monnaie de Bruselas que firma Willy Decker (el mismo que realizó <i>La traviata</i> del reloj procedente de Salzburgo que pudimos ver con Mehta en 2012-2013) procedente del Teatro de la Monnaie de Bruselas. El año que viene podría ser el turno de<b> <i>Billy Bud</i></b><i>, <b>Albert Herring</b>, <b>La violación de Lucrecia </b></i>o<b><i> Muerte en Venecia</i></b>, por citar algunas, en total el ciclo duraría 16 años. </div>
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<b></b><b></b><b></b><i></i><b></b><i></i><br /></div>
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Sería interesante, todavía creo que están a tiempo, de promocionar y ofrecer esa integral Britten, sería un buen reclamo para atraer a público aficionado a la obra del compositor británico, que lo hay , y también para que se hablara de Les Arts en los medios de comunicación especializados con más frecuencia y no sólo con motivo de los problemas en su gestión, sería también la primera que se realiza en España un proyecto de este tipo. Dadas las circunstancias en las que se encuentra Les Arts tras la espantada de Livermore veo bastante complicado que este deseo se materialice, pero ahí dejo la idea por si alguien la recoge. </div>
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<br /></div>
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Decía que<b><i> Peter Grimes</i></b>, la segunda ópera que compuso Britten, estrenada en 1945, es una de las obras capitales del siglo XX y seguramente la más importante escrita en inglés si no fuera porque tiene una buena competencia, la de Stravinsky y su<i> <b>The rake's progress</b>,</i> ópera que, por cierto, se estrenó en La Fenice seis años después.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Para ilustrar musicalmente esta entrada escucharemos los <b>Cuatro interludios marinos de Peter Grimes (1. Amanecer. 2. Domingo por la mañana. 3. Claro de luna. 4. Tormenta) </b>en un vídeo con la Orquesta Sinfónica de la BBC y la dirección de Sakari Oramo realizado en los Proms de 2013:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ht9mQE6X0C0" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /><br /><b>Valencia: Palau de les Arts</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="color: #424242; font-family: Arial; font-size: x-small;">FECHAS:</span></b><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: #424242; display: inline !important; float: none; font-family: Arial,Verdana,Helvetica,sans-serif; font-size: 11px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: left; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> 1,4,7,10 y 13 de febrero de 2018
</span><br /><br />Peter Grimes - <b>Gregory Kunde</b><br />Ellen Orford - <b>Leah Partridge</b><br />Balstrode - <b>Robert Bork</b></div>
<div style="text-align: center;">
Auntie - <b>Dalia Schaechter</b><br />Sedley - <b>Rosalind Plowright</b><br />Swallow - <b>Andrew Greenan</b><br />Ned Keene - <b>Charles Rice</b><br />Reverendo Adams - <b>Ted Schmitz</b><br />Bob Boles -<b> Richard Cox</b><br />Hobson -<b> Lukas Jakobski</b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cor de la Generalitat Valenciana</div>
<div style="text-align: center;">
Orquesta de la Comunitat Valenciana</div>
<div style="text-align: center;">
Dir.: <b>Christopher Franklin</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: center;">
Dirección de escena: <b>Willy Decker</b></div>
<div style="text-align: center;">
Producción del Teatro la Monnaie de Bruselas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b></b><i></i><u></u><sub></sub><sup></sup><strike></strike><b></b><br /></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-24979089007767522152018-01-13T19:51:00.001+01:002018-01-13T20:54:13.431+01:00Aria de Giselda en "I lombardi" - Sylvia Sass<div style="text-align: justify;">
<i><b>I lombardi alla prima crociata</b></i> hoy en día es una obra de Verdi desconocida para la mayoría de los aficionados pero en su estreno en La Scala en 1843 el teatro estaba abarrotado, había habido enormes colas para adquirir entradas y la ópera tuvo mucho éxito; algo más conocida es <i><b>Jérusalem</b></i>, que no es otra cosa que el resultado de la adaptación de aquélla a la escena parisina (a la <i>grand opéra</i>), pero fue algo más que una mera adaptación: se utilizó otro texto que además estaba escrito en francés; hubo algunas modificaciones en el argumento, que se situaba en Toulouse y Palestina en vez de en Milán, Antioquía y Jerusalén; se estructuró en cuatro actos y, como no, se introdujo un ballet, ya sabemos que para los franceses el ballet era fundamental en la ópera ya desde los tiempos de Lully y Rameau, que es como decir desde siempre. Lo que son las cosas: la ópera volvió a los escenarios italianos, pero traducida a su propio idioma, con el título de <b><i>Gerusalemme</i> </b>y sin ballet, pues mientras que para los franceses una ópera sin ballet era como un bocadillo sin pan, para los italianos una ópera con ballet era como un bocata de calamares con croquetas de queso y alioli.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><i>I lombardi</i></b> pertenece al período denominado, en palabras del propio Verdi, los<i> "años en las galeras",</i> enmarcado entre 1842 (<i>Nabucco)</i> y 1851<i> (Rigoletto)</i> en los que un Verdi treintañero compuso al menos una ópera por año para cumplir sus compromisos comerciales. El argumento de<b><i> I lombardi</i></b> es un poco rocambolesco, nada nuevo bajo el sol en el mundo de la ópera, pero tiene su gracia, no sé si os acordáis de la serie de TV de finales de los setenta que se llamaba <i>Soap (</i><i>Enredo)</i>, que iba sobre dos familias, una rica y otra pobre, los Campbell y los Tate, unidas porque las cabezas de familia femeninas de cada una de ellas son hermanas, pues es algo parecido, sólo le faltó a Verdi meter algún personaje gay, pero eso era muy fuerte para la época. Resumirla en pocas palabras es tarea de genios así que yo haré lo que pueda: Se trata de dos hermanos que están cabreados entre ellos porque uno de ellos se había casado con la mujer que deseaban ambos y el otro había intentado matarlo y había sido desterrado, al cabo de los años el hermano desterrado vuelve con un arrepentimiento fingido para volver a intentar matarlo, pero cuando se dispone a hacerlo va y se equivoca, mata al padre de ambos, otra vez vuelve a ser desterrado. Así que Pagano, que así se llama el parricida, se marcha a Antioquía y vive como un ermitaño ayudando a los cruzados en lo que puede. En Antioquía está, prisionera, la sobrina de Pagano, Giselda, enamorada del hijo del gobernante de Antioquía, Oronte, que es musulmán. Allí acude también el hermano de Pagano y padre de Giselda, Arvino (que se reúne con Pagano y no lo reconoce), conquista la ciudad y es maldecido por su hija porque piensa que ha matado a Oronte, así que Arvino la repudia por traidora e intenta matarla, Giselda escapa y se encuentra con Oronte ¿pero no había muerto?, pues no, estaba solamente herido, lo conduce a la cabaña de su tío Pagano y allí se convierte al cristianismo antes de morir. Después, en medio de una batalla, Pagano es herido de muerte y ante su hermano confiesa su identidad y recibe el perdón antes de morir también. Resultado: dos muertos, tampoco es tanto.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A<span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> pesar de ser una ópera hoy desconocida para la mayoría de los aficionados, </span><span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;">posee una de las arias digna de figurar en toda antología de piezas verdianas para tenor y que no lo es tanto, aria que popularizó sobre todo Carlo Bergonzi (por lo menos en mi caso pensar en este aria y aparecérseme la voz del gran Bergonzi son una misma cosa), estamos hablando de</span><b style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: black; font-family: Times New Roman; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 700; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> La mia letizia infondere</b><span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> que canta el personaje de Oronte en el segundo acto. Y en este mismo acto hay también un aria para la soprano, Giselda, que no debe pasar desapercibida: </span><b style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: black; font-family: Times New Roman; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 700; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"><i>Oh madre dal cielo soccorri al mio pianto</i></b><span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;">. Todavía es menos conocida que la del tenor y es lógico que así sea. Hay que decir que ninguna de las dos arias aparece en el libro</span><b style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: black; font-family: Times New Roman; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 700; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"><i> Las mejores 50 arias de Verdi</i></b><span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> de Arturo Reverter (debe ser que</span><i style="-webkit-text-stroke-width: 0px; background-color: transparent; color: black; font-family: Times New Roman; font-size: 16px; font-style: italic; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> La mia letizia infondere</i><span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"> hacía la número 51 y no cabía, la de la soprano debía parar bastante más lejos). Ya hemos dicho que la soprano, Giselda, es la enamorada de Oronte, un joven que se convierte al cristianismo poco antes de morir y entonces lo bautizan, no veas la polémica que se montó con el arzobispo de Milán, escandalizado porque se bautizaba a un moribundo, asunto que se solucionó de forma un tanto surrealista: cambiando en otra escena las palabras "Ave María" por "Salve María". Vamos a escuchar el aria en la voz de<b> Sylvia Sass</b>, una soprano húngara de los años setenta que tuvo la desgracia de ser considerada un sucedáneo de Maria Callas y que hizo su debut en el Covent Garden precisamente con el papel de Giselda en 1976, cinco años después del comienzo de su carrera en Sofia. El caso es que el aria es preciosa.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: transparent; color: black; display: inline; float: none; font-family: "times new roman"; font-size: 16px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; text-align: justify; text-decoration: none; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;"><iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/FNRJuEN1IKc" width="560"></iframe></span></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-62624927737196461332018-01-03T00:08:00.003+01:002018-01-03T00:14:32.280+01:00Flagstad y Sibelius, diamante para un diamante.<div>
"Demanten på Marssnön" opus 36 nº6. En esta canción Sibelius nos cuenta cómo durante un minúsculo espacio de tiempo podemos asistir a espectáculos naturales de belleza infinita y algo tan simple como el agua puede convertirse en un efímero diamante, y un diamante era precisamente la voz de Flagstad incluso cuando no estaba en su plenitud.<div style="background-color: white; font-family: georgia, utopia, "palatino linotype", palatino, serif; font-size: 14.85px;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="background-color: white; text-align: center;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: x-small;"><iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/JkI1kYjZ6BU" width="560"></iframe></span></div>
</div>
<div style="background-color: white; font-family: Georgia, Utopia, "Palatino Linotype", Palatino, serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: x-small;"><br /></span></div>
<div style="background-color: white; font-family: Georgia, Utopia, "Palatino Linotype", Palatino, serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;">
<b><i style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif; font-size: small;"><br /></i></b></div>
<br /><b><br /><i>"Demanten på Marssnön" opus 36 nº6,</i></b><i><br /><br />På drivans snö där glimmar / en diamant så klar. / Ej fanns en tår, en pärla,/som högre skimrat har.<br /><br />Utav en hemlig längtan / hon blänker himmelskt så: /hon blickar emot solen, /där skön den ses uppgå.<br /><br />Vid foten av dess stråle /tillbedjande hon står / och kysser den i kärlek / och smälter i en tår.<br /><br />O, sköna lott att älska / det högsta livet ter, / att stråla i dess solblick /och dö, när skönst den ler!</i><br /><br /><div style="text-align: justify;">
<i style="font-size: 14.85px;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: x-small;">_______________________________________________</span></span></i></div>
<div style="background-color: white; font-family: Georgia, Utopia, "Palatino Linotype", Palatino, serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;">
<br /></div>
<i>En el camino de nieve / un diamante brilla tan claramente, / como nunca una lágrima /o una perla brilló. </i><div>
<i><br />Con secreto anhelo / ella brilla celestialmente, / y mira hacia el sol / que hermosamente se eleva.</i></div>
<div>
<i><br />Al pie de un rayo de sol / ella está adorándolo / y lo besa con amor, / y lo deshace en una lágrima. </i></div>
<div>
<i><br />¡Oh, feliz destino el amar / lo más excelso de la vida, / para centellear en la mirada del sol / y morir en su sonrisa!<br /><br /></i>La traducción de esta canción la he obtenido del blog <a href="http://sibeliusencastellano.blogspot.com.es/">Sibelius en español</a>. Allí nos explican que el texto es del poeta finlandés Josef Julius Wecksel, que era suecoparlante, y que la música para acompañamiento de piano fue escrita por Sibelius en el año 1900, que tuvo tanto éxito en sus recitales que en 1917 se dispuso a realizar una versión orquestal, que es la que se puede escuchar en el vídeo. </div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-90526725850705145272018-01-01T00:00:00.000+01:002018-01-01T00:00:22.901+01:00Dando la vuelta a la tortilla para felicitar este nuevo año. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/10/Atget_organ_grinder.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="372" height="200" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/10/Atget_organ_grinder.jpg" width="155" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Entre tanta música alegre que escucharemos hoy para celebrar la llegada del nuevo año nosotros nos decidiremos por esta enigmática canción del Winterreise. La lectura más obvia es que este señor del organillo tocando su monótona música una y otra vez sin solución de continuidad no puede ser otra cosa que la encarnación de la. misma muerte, siempre acechante, y lo más seguro es que sea eso; el ciclo de canciones al que pertenece, con el título <i>Viaje de invierno; </i>la tonalidad empleada: la menor; su ritmo lento y su colocación como elemento de cierre del ciclo también parecen confirmar que sea así. Pero en un día como el de hoy tenemos que hacer otra lectura, aunque tengamos que forzar las cosas y tenemos que encajar todos los elementos que hemos señalado sea como sea para encontrar un sentido optimista. En un paisaje de desolación este lied puede significar también la perseverancia, el esfuerzo y la resolución para conseguir nuestras metas incluso cuando todo parece perdido, hay que seguir siempre adelante y así es como lo vamos a ver este primero de enero de 2018. ¡Feliz Año a todos! Y si no os he convencido siempre podéis recurrir a la intrínseca belleza que desprende <i>Der Leiermann </i>por todas partes, sin necesidad de recurrir a las palabras, estupenda manera de comenzar un año sin necesidad de poner un vals, que, por otra parte, tiene algo entre casposo y decadente..</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/rjYEWmyJ8rY" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<b>Der Leiermann </b><br />
<div>
<br /></div>
<div>
Drüben hinterm Dorfe
steht ein Leiermann</div>
<div>
Und mit starren Fingern dreht er,
was er kann.</div>
<div>
Barfuß auf dem Eise wankt
er hin und her</div>
<div>
Und sein kleiner Teller bleibt
ihm immer leer.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Keiner mag ihn hören,
keiner sieht ihn an,</div>
<div>
Und die Hunde knurren
um den alten Mann.</div>
<div>
Und er läßt es gehen alles, wie es will</div>
<div>
Dreht und seine Leier steht
ihm nimmer still.</div>
<div>
<br /></div>
<div>
Wunderlicher Alter,
soll ich mit dir geh'n? </div>
<div>
Willst zu meinen Liedern
deine Leier dreh'n?<br />
<br />
<br />
<br />
<b>El organillero</b><br />
<br />
Allá, tras la aldea, hay un organillero<br />
y con sus dedos ateridos toca lo que sabe. <br />
Descalzo sobre el hielo camina de un lado a otro<br />
y su pequeño platillo está siempre vacío. <br />
<br />
<br />
Nadie quiere oírle, nadie le mira,<br />
y los perros gruñen alrededor del anciano.<br />
Y él permite que todo ocurra así,<br />
toca y su órgano jamás deja de sonar. <br />
<br />
<br />
¡Maravilloso anciano, ¿puedo ir contigo? <br />
¿Quieres tocar tu organillo para mis canciones? <br />
<br />
<br />
(Traducido por María Nolla)<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br /></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-42501187205449901182017-12-30T09:24:00.002+01:002017-12-30T09:24:34.472+01:00Nos dejaron en 2017Se nos va 2017, y con él también se nos fueron algunos cantantes de ópera como Nicolai Gedda, Kurt Moll, Rita Orlandi Malaspina, Norma Procter, Rosemarie Lang, Enzo Dara, Roberta Peters, Carol Neblett, Kristine Jepson y Dmitri Hvorostovsky, hoy he querido hacerles un pequeño homenaje. Este año se ha cebado especialmente con los varones. De paso me gustaría también rendir homenaje a dos directores de orquesta que también nos abandonaron este año: Jeffrey Tate, Georges Prêtre y Alberto Zedda.<br />
<br />
08/01/2017 - <b>Nicolai Gedda</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/4mJyjq8JNAI" width="560"></iframe><br />
<br />
12/01/2017 - <b>Rosemarie Lang</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Apw4F3ODv-s" width="560"></iframe><br />
<br />
18/01/2017 - <b>Roberta Peters</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/quzDfqx5mgg" width="560"></iframe><br />
<b></b><b></b><br />
05/03/2017- <b>Kurt Moll</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/BGSlaQ736gk" width="560"></iframe><br />
<br />
08/04/2017 - <b>Rita Orlandi Malaspina</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/w09M4mwnlVg" width="560"></iframe><br />
<br />
12/04/2017 -<b> Kathleen Cassello</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/aTIozgRqbXI" width="560"></iframe><br />
<br />
21/04/2017 - <b>Kristine Jepson</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kgDkdhkVh5M" width="560"></iframe><br />
<br />
25/08/2017 -<b> Enzo Dara</b><br />
<b><br /></b>
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/AycfNHFqrqY" width="560"></iframe><br />
<br />
21/11/2017 - <b>Dmitri Hvorostovski </b>-<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/W8zKkvGB7Rw" width="560"></iframe><br />
<br />
23/11/2017 - <b>Carol Neblett</b> .<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ynKMyTzgGrM" width="560"></iframe><br />
<br />
<br />
04/01/2017 - <b>Georges Prêtre</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/y0_LKGp_h10" width="560"></iframe><br />
<br />
06/03/2017 - <b>Alberto Zedda</b> -<br />
<br />
<b></b><iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kBWQ7XPamyQ" width="560"></iframe><br />
<b><br /></b>02/05/2017 - <b>Norma Procter</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/S85WNy9LE6M" width="560"></iframe><br />
<br />
31/05/2017 - <b>Jiří Bělohlávek</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/JHM3zMBQxTQ" width="560"></iframe><br /><br />
02/06/2017 - <b>Jeffrey Tate</b> -<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Q0z5IMm_--4" width="560"></iframe><br />
<br />
<br />maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-56247442704710549582017-12-19T23:00:00.001+01:002017-12-19T23:01:02.141+01:00Fotos que me gustan (6) - La soprano y su perro escuchan la radio en N.Y.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfcI_jhHPSQyEDPwz4Ll1VXd-gZKnusI5kSWQJ3CnBQHO53TaW9EPmDZiy7k33fSqoGBztPGinsCG50LD0Ebth8y_HskN8DWSbXnAlxXyg4vV2SMRMqWrYDe2RI1sHMMeiXZNSATj0Hmc/s1600/Muzio+Perro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1279" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfcI_jhHPSQyEDPwz4Ll1VXd-gZKnusI5kSWQJ3CnBQHO53TaW9EPmDZiy7k33fSqoGBztPGinsCG50LD0Ebth8y_HskN8DWSbXnAlxXyg4vV2SMRMqWrYDe2RI1sHMMeiXZNSATj0Hmc/s640/Muzio+Perro.jpg" width="507" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
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El 18 de abril de 1922, la soprano Claudia Muzio, estrella de la Metropolitan Opera House, se hacía en Nueva York esta foto con su perro y siempre que me tropiezo con ella no puedo evitar esbozar una ligera sonrisa. Qué pretendería la Muzio colocando unos cascos al perro para que oyera la radio, hacer la gracia supongo, hoy quizás fuera acusada de maltrato animal, no sé si obligar al pobre perro a escuchar una retransmisión en directo desde el Met se consideraría una tortura. Esa cajita que vemos en la foto es una radio fabricada por la empresa Freed-Eisemann Radio Corporation, que tenía su sede en Brooklyn (N.Y.) y que salió al mercado en 1922 por el precio de 8 dólares, el modelo creo que se llamaba Marvel y no estamos ante un caso de tortura animal porque según he leído en un foro estas radios necesitaban una antena de cable externa y una toma de tierra que en la foto no aparecen, así que los amantes de los animales podéis estar tranquilos. </div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Pero esto de la radio y la foto no ha sido más que una excusa para escuchar a la gran Claudia Muzio, la soprano que, junto a Rosa Ponselle, podría considerarse el antecedente de Maria Callas; ahora bien, el timbre de la Muzio tiene una calidad muy superior al de Callas; sin embargo el instrumento, por extensión y volumen, según los testimonios que nos han llegado -el volumen es muy difícil de apreciar en grabaciones, no hay más que pensar en el caso Flórez- es muy inferior al de Ponselle y Callas. En todo caso es una de esas cantantes que enlazan con la interpretación de la época de Verdi, su profesora fue la mezzo que estrenó el papel de Madalena en el Rigoletto verdiano, solo por este motivo ya tiene interés escucharla. Es Muzio la Violetta por antonomasia, por su musicalidad, por la expresividad de su canto gracias a la variación en las dinámicas, con todo lo que ello supone de respeto o no a la partitura, que yo sepa no se conserva ninguna grabación íntegra de <i>La traviata</i> en la que intervenga Muzio, donde parece ser que pasaba bastantes apuros era en los pasajes del coloratura del primer acto, y es que el papel de Violetta envenena a las sopranos, a unas al principio y a otras al final, Muzio pertenecía a las primeras. Su etapa más importante es la de los años 20 del siglo pasado y de entonces casi no nos han llegado grabaciones, pero algo hay. Nosotros no vamos a escuchar nada de esta célebre ópera de Verdi sino que escucharemos "Sorgi o padre" de <i>Bianca e Fernando</i> de Bellini. Si alguien encuentra algún parecido en determinado momento con la canción "Alfonsina y el mar" de Ariel Ramírez y Felix Luna que sepa que por el momento somos dos y con ella o él tres:</div>
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<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/-F9Ohbbfpxs" width="560"></iframe></div>
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Y si hay más ganas de escuchar a Muzio, aquí la tenemos en <i>Andrea Chénier </i>de Giordano:</div>
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<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/WxVZL_frj20" width="560"></iframe></div>
maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-78998637099614975872017-12-19T21:37:00.000+01:002017-12-19T21:37:52.492+01:00"Matías el pintor" (Mathis der Maler) próximamente. Pequeño maac-rollete e injerencia política en Les Arts, nos lo han puesto a huevo.<div style="text-align: justify;">
Conocía la existencia de la ópera <i>Mathis der Maler </i> gracias a una colección de fascículos que fui adquiriendo, con bastante sacrificio y mucha ilusión, semana tras semana, en un kiosco-librería de Nuevo Centro, hoy ya desaparecido no recuerdo el nombre, formaba parte de uno de los dos vinilos dedicados a la ópera del siglo XX y venía con unos fragmentos cantandos por el barítono Fischer-Dieskau acompañado del coro de la Radio de Baviera bajo la dirección de Kubelik. No era un fragmento que me gustara escuchar con mucha frecuencia pero sí es cierto que desde un primer momento me impactó, tanto su argumento como una sonoridad que me parecía a la vez arcaica y moderna. En aquellos tiempos no estaba maac para muchas modernidades, tampoco es que fuera un amante de la música de Rossini, nunca lo he sido al 100%, pero tiraba más hacia óperas como<i> Lucia de Lammermoor</i>, que conocí por la colección en una curiosa y fallida versión de Caballé y Carreras con un jovencísimo Ramey, grabada para Philips con dirección de López Cobos; <i>Don Giovanni </i>en grabación de Furt, ahí comenzó mi amor por Schwarzkopf; <i>Otello</i>, que había sido mi primera grabación de una ópera completa, también con el siempre matizado Fischer-Dieskau y dirección de Barbirolli, sonido espectacular y un Otello que no es de referencia pero sí minusvalorado en exceso, el de MacCraken; <i>La bohème</i> en la referencial versión de Karajan con Freni y Pavarotti y, dentro de lo que se puede considerar más moderno no dejaba de escuchar <i>Salomé</i> y me atraía la brutalidad de <i>Elektra, </i>éstas dos con Nilsson y el manipulado sonido de los productores de DECCA, que cada vez me parece más viejuno, sobre todo en lo tocante a la segunda, aunque debo decir que mi primera aproximación a <i>Salomé </i>provenía de la danza de los siete velos y escena final grabada por la pareja Caballé-Bernstein para DG; de <i>Tristán e Isolda</i>, todavía no pasaba del Preludio del primer acto, el dúo de amor del segundo o el liebestod final, en este caso mi vinilo era el de Böhm en Bayreuth, versión que nunca ha dejado de acompañarme, una vez más con Nilsson, cantante que me gusta en unas cosas y en otras no, y mi adorada Christa Ludwig, lo que viene a ser dos Isoldas en una, una auténtica orgía vocal de ritmos por momentos vertiginosos, una lectura honesta, sin ganas de desguazar el intrincado mundo orquestal de la partitura, sin superfluas filosofías, el drama al desnudo pasando por delante de nuestros ojos con total naturalidad; entonces la voz de Callas me producía urticaria, no lograba entender cómo decían que era una soprano de referencia en roles como Norma o Violetta, no cabe duda que todavía tenía mucho que aprender, y lo sigo haciendo. Después llegó el CD y el vinilo ese de la colección fue directo al armario de dónde nunca más ha salido, creo que nunca más escuché nada de esta ópera de Hindemith; sin embargo he retenido esas primeras sensaciones que la escucha me produjo durante unos veinticinco años, por eso pienso que algo debe tener esta obra cuando eso es así, porque de <i>Moses und Aaron</i>, que también tenía su fragmento en el disco, solo recuerdo que me faltó tiempo para saltarlo.</div>
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Bueno, el caso es que pretendía hablar de Hindemith y me he ido por los cerros de Úbeda. La cuestión es que, cuando Hindemith estaba componiendo su ópera <i>Mathis der Maler</i>, recibió un encargo del director de la Filarmónica de Berlín, que no era otro que Wilhelm Furwängler, para componer una sinfonía para ser estrenada por su orquesta, y el compositor reutilizó temas de la ópera <i>Mathis der Maler</i> que, como hemos visto, estaba en proceso de gestación, y bautizó la sinfonía con el mismo nombre, "Matías el pintor".</div>
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La historia de <i>Mathis de Maler </i>es una reflexión sobre la creación artística y esta basada en la obra de un pintor cuya vida cabalgó entre el siglo XV y XVI, se llamaba Mathias Grünewald y se redescubrió a principios del siglo XX causando sorpresa por su individualidad dentro de las corrientes artísticas italianizantes de la época, también y, al margen de su calidad artística, destacó por su compromiso social y el apoyo a las revueltas campesinas antifeudales. Hindemith establece en su obra un paralelismo entre la oposición de Grünewald a la jerarquía de la iglesia católica y su defensa del luteranismo y la situación en la que se encontraba el propio compositor respecto al régimen nazi, en privado lo condenaba mientras que en su vida pública lo toleraba, aunque finalmente adoptó una postura de compromiso que lo llevó a ser considerado por Goebbels como un disidente. Su posicionamiento político, antes que su estética musical, llevó a que se convirtiera, sin ser judío (su mujer sí lo era), en uno de los compositores de "música degenerada" (<i>entartete music</i>) y a que se prohibiera la interpretación de sus obras en público. </div>
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS4jvBjTJkzJ8eNNHX3mQHS0NSgJPxZlYOQS0pFy2jzNIjJ0k2ANo1VPILLcVurP9bAKF7JlHS5eLeSQ_qY9jHPvjkbJ6p87umuugooAiSQQyXEGTwtAW7ks1NiusfwfOyOSyW0MvMqro/s1600/Grunewald_Isenheim2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><br />
</a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><br /></td></tr>
</tbody></table>
</div>
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Furtwängler dirigió la sinfonía con la Filarmónica de Berlín pero no llegaría a estrenar la ópera, ya que en 1934 Furtwängler publicó un polémico artículo titulado <i>Der Fall Hindemith</i> (El caso Hindemith), en este artículo el director alemán se plantea el tema de la peligrosa injerencia de la política en el mundo del arte. Las consecuencias fueron nefastas para la carrera artística de Furtwängler, fue cesado en todos sus cargos. Hoy, paradójicamente, pueden encontrar cierta relación, salvando muchas distancias, con el Palau de les Arts y parece inevitable relacionar el asunto Hindemith con los últimos acontecimientos acaecidos en Les Arts donde parece ser que se pretende, esperemos que al final no sea así, someter la programación a determinados intereses partidistas de índole nacionalista, cuando lo correcto sería ofrecer espectáculos de calidad libres de todo prejuicio nacional o ideológico. Es una pena que el Palau de les Arts, desde el mismo día que comenzó su andadura, no haya podido librarse de injerencias políticas, en uno u otro sentido, una muestra más de la estrechez de miras de nuestros políticos, yo pensaba que, con el cambio de gobierno en la Generalitat, las cosas iban a cambiar, hoy me doy cuenta de que he sido un iluso, si bien es cierto es que a raíz de las últimas declaraciones del conseller Marzà todo se ha suavizado un poco. Volviendo a <i>Mathis de Maler</i>, la ópera se estrenó finalmente en Zúrich en 1938. </div>
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La sinfonía está inspirada en el <i><b>Retablo de Isenheim</b></i>, pintado por <b>Grünewald</b> para la Abadía del mismo nombre, en Alsacia, un políptico formado por 9 paneles.</div>
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<b></b><i></i><u></u><sub></sub><sup></sup><strike></strike><br /></div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijKL3BqmqrgCk7AzR1iSR6gVBby_Gh8oRvPx3kVlxyjX-mTLZLkBLwNurSaD3kECmeM6kzfo7B-RcqHTvyxjGhU9B-FA_51wmx_vUKdM16ik86XPQP3JMDKvPPiTX5dVQ2F2ogAHhWBF0/s1600/Grunewald_Isenheim1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1182" data-original-width="1600" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijKL3BqmqrgCk7AzR1iSR6gVBby_Gh8oRvPx3kVlxyjX-mTLZLkBLwNurSaD3kECmeM6kzfo7B-RcqHTvyxjGhU9B-FA_51wmx_vUKdM16ik86XPQP3JMDKvPPiTX5dVQ2F2ogAHhWBF0/s640/Grunewald_Isenheim1.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div>
El Retablo de Insenheim cerrado: San Sebastián, Crucifixión y San Antonio Abad.</div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS4jvBjTJkzJ8eNNHX3mQHS0NSgJPxZlYOQS0pFy2jzNIjJ0k2ANo1VPILLcVurP9bAKF7JlHS5eLeSQ_qY9jHPvjkbJ6p87umuugooAiSQQyXEGTwtAW7ks1NiusfwfOyOSyW0MvMqro/s1600/Grunewald_Isenheim2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1264" height="361" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS4jvBjTJkzJ8eNNHX3mQHS0NSgJPxZlYOQS0pFy2jzNIjJ0k2ANo1VPILLcVurP9bAKF7JlHS5eLeSQ_qY9jHPvjkbJ6p87umuugooAiSQQyXEGTwtAW7ks1NiusfwfOyOSyW0MvMqro/s640/Grunewald_Isenheim2.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Posición central: Anunciación, Concierto de Ángeles, La Virgen y el Niño y Resurrección.</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcWSGhtZkFuxMyzj2-SkkuXUQcyFXpZrZdLoOv27nGd9zkTeROOE46ndWOVzBzYBnN2C9_gCwP6mZ0Z0pMW0iRxB573gCVTWbYlIPXxODeLzp5mKb_-bsTM4g5WIIiNP6cICHBKU0cV08/s1600/Grunewald_Isenheim3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="978" data-original-width="1600" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcWSGhtZkFuxMyzj2-SkkuXUQcyFXpZrZdLoOv27nGd9zkTeROOE46ndWOVzBzYBnN2C9_gCwP6mZ0Z0pMW0iRxB573gCVTWbYlIPXxODeLzp5mKb_-bsTM4g5WIIiNP6cICHBKU0cV08/s640/Grunewald_Isenheim3.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El retablo abierto: La visita de San Antonio a San Pablo, esculturas de Nicolas de Haguenau y Las tentaciones de San Antonio.</td></tr>
</tbody></table>
</div>
</td></tr>
</tbody></table>
</div>
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Cada movimiento de la sinfonía parte de una parte distinta del retablo, la grabación está efectuada por la Filarmónica de Berlín en 1955 con dirección del propio Hindemith: </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
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<ul>
<li><b>Primer movimiento: <i>Concierto de los Ángeles</i></b><i> (Engelkonzert)</i></li>
</ul>
</div>
<div>
<i><br /></i></div>
<ul>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoojWb0jVeSvmogo6NykGZjqwnU6anWaWRD963ROksjeyJvLMMs6o8jwiFcYI_Pca9RYfG5ebMJNGAbyO6kL-igpLJfYUXCVRD3OXSXmnq7m-jq4xIiX5uokXe8uU8Dtw620-8gvTl9w0/s1600/75bb8ccb05004318ccec2e5c2897ecc9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="1194" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoojWb0jVeSvmogo6NykGZjqwnU6anWaWRD963ROksjeyJvLMMs6o8jwiFcYI_Pca9RYfG5ebMJNGAbyO6kL-igpLJfYUXCVRD3OXSXmnq7m-jq4xIiX5uokXe8uU8Dtw620-8gvTl9w0/s640/75bb8ccb05004318ccec2e5c2897ecc9.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
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<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/w-YT3Rd4ZJg" width="560"></iframe><br />
<br /></div>
<ul>
<li><b>Segundo movimiento: <i>El entierro de Cristo</i></b> <i>(Grablegung)</i></li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr4W6qHf4Z3aTeNLrLwLz4a5f99TPoD6ArTW4ug8Vw7qUYmBazU5q494md8T7K6qIAefCUp3wFZ8Fkjl9DiX1XaFBvo5PNLbFimI-FbasyLKxAlVb_MKmw72z9XalgtFsUPCYSrlihac4/s1600/Grunewald_Isenheim1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="248" data-original-width="916" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr4W6qHf4Z3aTeNLrLwLz4a5f99TPoD6ArTW4ug8Vw7qUYmBazU5q494md8T7K6qIAefCUp3wFZ8Fkjl9DiX1XaFBvo5PNLbFimI-FbasyLKxAlVb_MKmw72z9XalgtFsUPCYSrlihac4/s640/Grunewald_Isenheim1.jpg" width="640" /></a></div>
<div>
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/YtEaVVSuEis" width="560"></iframe><br />
<br /></div>
<ul>
<li><b>Tercer movimiento: </b><i><b>Las tentaciones de San Antonio </b>(Versuchung des heiligen Antonius).</i></li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgNv8D_ukZ7ul0rjxlfMusWzYb3qXZ7rUMUnFYHb9ierLsIdB1mDiIbGB_kKN4MMXgfj38V_tm9MjiIU7dKdBjKpZuaDtvHoIL1YtfG99fqrkq4JWmzU3j78Obl2XjH-ZrVVH06mCmdro/s1600/Grunewald_Isenheim3_WingsLR.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="727" data-original-width="433" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgNv8D_ukZ7ul0rjxlfMusWzYb3qXZ7rUMUnFYHb9ierLsIdB1mDiIbGB_kKN4MMXgfj38V_tm9MjiIU7dKdBjKpZuaDtvHoIL1YtfG99fqrkq4JWmzU3j78Obl2XjH-ZrVVH06mCmdro/s640/Grunewald_Isenheim3_WingsLR.jpg" width="379" /></a></div>
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<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/qafDas_fCTA" width="560"></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/qGl_uWHetR8" width="560"></iframe></div>
<ul>
</ul>
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La podremos escuchar este jueves en el Palau de les Arts por la Orquesta de la Comunitat Valenciana bajo la dirección de Roberto Abbado. El programa se completará con otras dos sinfonías: </div>
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<em>Haydn: </em>Sinfonía número 93 - La primera de las de Londres, en los clásicos 4 movimientos.<br />
<em>Beethoven: </em>Sinfonía número 1, un Beethoven de 30 años que ya despunta, también en 4 movimientos.<br />
<b></b></div>
<ul>
</ul>
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</b> maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-64244839539695550022017-12-10T20:53:00.001+01:002017-12-12T03:22:07.613+01:00"Don Carlos" en Les Arts 09/12/2017 <div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj79OSydj_WCeF3lj2icdSeKGH8qTRWrusJR4JQofB_NHMoj6EU1AvLTqShWaAMS4QdbT1btVhCayQfZdUiLuBjF5A7XRxFen9lVbACx07cCwr41ZwpGARWO1WSIkd9_I4pILSNdBDBB04/s1600/7285_LESARTS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="532" data-original-width="800" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj79OSydj_WCeF3lj2icdSeKGH8qTRWrusJR4JQofB_NHMoj6EU1AvLTqShWaAMS4QdbT1btVhCayQfZdUiLuBjF5A7XRxFen9lVbACx07cCwr41ZwpGARWO1WSIkd9_I4pILSNdBDBB04/s400/7285_LESARTS.jpg" width="400"></a></div>
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Ayer asistimos a un extraño <i>Don Carlo</i> en Les Arts, pero no por cuestiones dramáticas o musicales, si no, como todo el mundo sabe a estas alturas, por motivos políticos. No explica muy bien la consellería de educación qué piensa hacer con este continente destinado a la ópera; abrirlo ¿en canal? a otras actividades culturales, dicen. Mientras tanto el intendente se nos ha pirado y recibió un espontáneo y cerrado aplauso del público al inicio de la representación, de la misma manera que, tras el intermedio, el conseller Vicent Marzà, recibió las protestas del público (que ya le habrán llegado, sin duda) ante la cobardía de no asistir al estreno de la temporada para dar la cara, como hacen los valientes.<br>
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Parece que a partir de ahora, y gracias a este <i>Don Carlo </i>en Les Arts voy a coger el gusto por esta ópera que, entre tanto galimatías de versiones, y algunos números de extraordinaria factura, pero carentes de la auténtica inspiración verdiana a la que estoy tan mal acostumbrado, no me terminaba de llegar.</div>
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<div style="text-align: justify;">
La producción de este <i>Don Carlos</i>, si utilizamos el nombre original de la ópera en francés, provenía de la Deutsche Oper de Berlín y para mí ha sido un total acierto. <b>Marco Arturo Marelli </b>firma tanto la dirección de escena como la escenografía y la iluminación, algunos dirán que es demasiado austera, que no hay prácticamente utilería, y es verdad, pero eso no es nunca un problema si sabes manejar las cartas. Dentro de su sencillez, esas cruces formadas por volúmenes móviles que se van desplazando por el escenario según las necesidades, creando espacios sugestivos, tienen poco de sencillo, al menos para el que esto escribe. Tan complicado era mover toda esa escenografía que, con muy buen criterio, salieron a saludar los operarios que se encargaron de hacerlo. Toda la dramaturgía de la obra quedó perfectamente expuesta, resultando espectacular y sin dejar decaer la tensión en ningún momento en las diferentes escenas que rodean el auto de fe; más discutible, por innecesario, puede que sea el tema de la censura y quema de libros o la alteración del final respecto al final original de Verdi.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Y antes de pasar a hablar de los cantantes, como hago habitualmente, voy a invertir el orden porque ayer la Orquesta de la Comunitat Valenciana sacó el tarro de las esencias y ofreció sutilezas y sonidos que hacía tiempo que habían quedado ocultos, o emborronados (dicho esto dentro del nivel de calidad al que nos tiene acostumbrados). Seguramente gran parte del mérito hay que atribuírselo a <b>Ramón Tebar</b>, al que lo encontré muy seguro e implicado en llevar a buen puerto la ópera. La memoria juega malas pasadas pero yo me atrevería a decir que el <i>Don Carlos</i> de Maazel no estuvo mejor en cuanto a dirección musical, quizás sólo en el Auto de fe la lectura de Maazel la recuerdo como insuperable.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Complicada es la actuación del coro en esta <i>grand opéra</i> y el Cor de la Generalitat no defraudó, junto con la orquesta es un patrimonio del teatro que no debemos descuidar. Conseller Marzà, ¡no me sea miope!, por favor se lo pido, no dinamite la única actividad cultural de Valencia de auténtica relevancia internacional.</div>
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El equipo de cantantes fue desigual y no todos rindieron al 100% en todo momento, en este sentido el único que realizó una interpretación homogénea en cuanto a su calidad fue Felipe II, <b>Alexánder Vinogradov</b>, una voz de auténtico bajo con un timbre muy hermoso al que, salvo un pequeño e insignificante desliz en su aria, pocos peros se le pueden poner, ya nos gustó mucho el año pasado como Procida en <i>I vespri siciliani</i>, el siguiente bajo en importancia es el Gran Inquisidor, que fue interpretado con solvencia por <b>Marco Spotti</b>, al igual que el fraile interpretado por el burgalés <b>Rubén Amoretti</b>, un caso sorprendente de tenor lírico mutado a bajo a los 10 años de carrera por excesiva producción de hormona del crecimiento.</div>
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El tenor <b>Plácido Domingo</b>, por lo que significa en la historia del canto de las últimas décadas, era la gran estrella y el reclamo de la producción, ya es más que evidente su fatiga vocal, ahora hay que añadir sus limitaciones físicas en escena, más todavía representando el papel, no de padre, sino de amigo del protagonista, un joven revolucionario. Realmente no es creíble y en lo vocal no da la talla (esos dúos tenor contra tenor carecen del necesario contraste); sin embargo, como lobo viejo que es, confieso que me sedujo en la escena de su muerte, resuelta con mucha entrega y estilo de canto verdiano.<br>
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Estilo de canto es lo que le falta a <b>Andrea Carè</b>, pero en conjunto me pareció un buen Don Carlos tal y como tenemos el panorama tenoril actual. El timbre es bonito y está bien proyectado. <b>María José Siri</b>, como Domingo, estuvo reservándose durante toda la representación y cuando yo ya no daba un duro por ella nos ofreció un <i>Tu che la vanità </i>extraordinariamente bien cantado e interpretado, con una <i>messa di voce</i> para quitar el hipo, yo no daba crédito. <b>Violeta Urmana</b>, que,<b> </b>tras iniciar su carrera en el repertorio de mezzo, cambió a soprano, vuelve con Éboli a ser mezzo. Es una cantante que otras veces interpretó Elisabetta, un caso parecido, salvando muchísimas distancias, al de Domingo, que ha interpretado tanto Don Carlos como Posa, Urmana no es ya lo ha sido otras veces en Les Arts, extraordinarias fueron su Kundry, su Ifigenia y su Medea; ayer, como Éboli, la voz resultaba muy rígida, sobre todo en el extremo agudo, pero en conjunto, gracias a su actuación y presencia escénica, resultó convincente. También cumplieron bien su cometido <b>Karen Gardeazabal</b> en el breve papel de Tebaldo, Olga Zharikova como una voz del cielo y Matheus Pompe como conde Lerma y heraldo.<br>
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Un buen inicio de temporada que espero que se pueda repetir en los próximos años si el equipo de cultura de la Generalitat puede conectarse los cables en los lugares correctos porque parece que los tienen más que cruzados.maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-88156588862593838852017-11-30T23:34:00.000+01:002017-11-30T23:44:20.743+01:00Digamos alguna cosa sobre "Don Carlos" (2)Si tuviéramos que elegir la mejor aria para soprano de Verdi, algo tan absurdo como tantas otras cosas, podríamos escudriñar en <i>Don Carlos, </i>nuestra intención podría ir por ahí, hay en esta gran ópera una firme candidata. Pero vamos más allá, si tuviéramos que elegir el aria para soprano para llevarse a una isla desierta -seguimos en el absurdo-, podríamos también poner nuestros ojos -¿o debo decir nuestros oídos?- en <i>Don Carlos</i>. Pero yo tengo claro que, para maac, la mejor aria para soprano de Verdi no pertenece a esta ópera, y que el aria para este tipo de voz que maac se llevaría a una isla desierta tampoco está incluida en esta ópera. Por otra parte, tampoco se sorprendería tanto maac de que alguien pudiera elegir, tanto en un caso como en el otro, ese aria de <i>Don Carlos </i>en el que muchos estamos pensando.<br />
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En el último acto de la ópera nos situamos en el claustro del monasterio de Yuste, es de noche pero hay claridad, seguramente la luna está llena. Pero nos asalta una duda ¿de qué claustro estamos hablando? El monasterio de Yuste tiene dos claustros. Como estamos ante una <i>grand opéra </i>quiero pensar que es el llamado claustro nuevo, el del s. XVI de estilo renacentista, una ópera espectacular no puede tener escenas en claustros austeros como el gótico del XV; no hay duda posible, una gran ópera francesa tiene que desarrollarse en el claustro más grande y ornamentado de los dos. La escena está vacía así que lo primero que piensa el espectador es que alguien tendrá que entrar ¿no? Es evidente. Pues sí, entra Isabel de Valois, la esposa de Felipe II que está enamorada, en secreto, de su hijastro, el infante don Carlos. No se os ocurra investigar mucho en fechas históricas porque este trío amoroso, lo mires como lo mires, malo es de cuadrar, estamos en la ficción, por eso al final da igual si Isabel está en un claustro del monasterio de Yuste o en el de Las Huelgas ¿verdad que sí? Pues no, no es lo mismo. Porque Isabel se va desplazando lenta y sigilosamente hacia una tumba y esa tumba tiene que estar en el monasterio de Yuste, porque es la tumba del padre de su marido, Carlos V. ¿Pero qué hace la tumba del Emperador en un claustro del monasterio de Yuste?, ¿acaso no estaría ya enterrado en El Escorial?, ¿no concibió Felipe II un monasterio para ser la tumba de su padre y demás parentela monárquica? El caso es que nosotros, que estamos en nuestras butacas, absortos por la belleza de la fúnebre introducción orquestal ideada por Verdi, nos creemos que ahí está Isabel, en medio de un claustro, que da igual si es el de Yuste o no, y que ahí está enterrado Carlos V, y que ella se arrodilla y comienza una especie de plegaria o un diálogo con su difunto suegro, y aquí comienzan las palabras del aria del que estamos hablando, <i>"Tu che la vanità conocesti del mondo", </i>y cuando las escuchas, desde la butaca, en la oscuridad de la sala, piensas que seguramente es la mejor aria compuesta nunca por nadie en el mundo. Lástima que hay muchas sopranos que la cagan y te bajan a la cruda realidad, eso si no lo hace una señora, o un señor ¿por qué tienen que ser siempre las señoras?, que ha decidido que el momento es tan sublime que merece abrir su caramelito y juntar el placer gustativo con el auditivo. Pero hoy a nosotros no nos agua la fiesta ni la soprano ni ningún señor con caramelitos, hoy es uno de esos días en que los astros se conjuran para que todo salga perfecto y una soprano que podría ser Anja Harteros está ahí para cantar el aria y entonces, tas suplicar al suegro que interceda por ella ante el Señor, sabemos que está ahí esperando al infante Carlos, que ha quedado en secreto, y ahí recuerda el último momento en el fue feliz, en su Francia natal, cuando durante un solo día conoció el amor y la desgracia de saber que ese mismo amor, lejos de cuajar, iba a ser imposible, hoy la juventud ya parece lejana y sólo queda la resignación, el dolor y la paz del sepulcro. <i> </i>Y maac por un instante piensa que en algún momento del aria hay algo de la Amelia-Maria de <i>Simon Boccanegra</i> y siente ese balanceo del mar en la tarde genovesa.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/AE9a_DKbC4s" width="560"></iframe></div>
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Decía Plácido Domingo que hay una representación de <i>Don Carlos </i>que para él es la mejor de toda su carrera. La que cantó en 1969 en la Arena de Verona, donde la atmósfera fue innolvidable. Dirigía Eliahu Inbal, y el resto del reparto estaba formado por Montserrat Caballé como Isabel, Fiorenza Cossotto cantando Éboli, Piero Cappucilli en el papel de Posa y Dimiter Petkov en el de Felipe. Y decía que no hay palabras para describir la sensación de cantar el dueto final "<i>Ma lassù ci vedremo" </i>bajo las estrellas a la una y media de la madrugada con la Caballé llenando el aire de sus mágicos pianísimos que quedaban flotando, antes de alejarse el uno del otro. En un espacio como la Arena, donde el tamaño del escenario es enorme nada podría haber transmitido mejor la imagen de la separación con tal fuerza y convicción.<br />
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<br />maachttp://www.blogger.com/profile/03960590046029828271noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8554862070377457025.post-48598773246912229172017-11-29T23:47:00.000+01:002017-11-30T07:06:27.910+01:00Digamos alguna cosa sobre "Don Carlos" (1)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img height="320" src="https://ring.cdandlp.com/classicalmadness/photo_grande/115006649.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="320"></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Si tienes más de un <i>Don Carlos</i> no te puede faltar el de Giulini.</td></tr>
</tbody></table>
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<i>"En este drama todo resulta falso, a pesar de su forma brillante y sus
nobles ideas. Incluso el mismo Don Carlos era una persona demente, colérica y
repulsiva. Isabel jamás estuvo enamorada de él. Posa es un ser imaginario que
jamás podría haber existido durante el reinado de Felipe II" (Verdi).<o:p></o:p></i><br>
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<i><br></i></div>
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Vuelvo al blog por una sencilla razón, porque hoy me ha apetecido, es el momento de prepararse Don Carlos y esta es una manera de hacerlo que siempre me ha gustado, no voy a ser muy original la verdad, quizás otro día, con ánimo de serlo suelte aquí alguna chorrada o alguna barbaridad de las mías, podría decir, por ejemplo, que <i>Don Carlos</i> es una ópera que tiene muchos problemas y el principal es el nombre del compositor, otra cosa hubiera sido si se hubiera llamado Meyerbeer, Adam, Lortzing, Mercadante, Thomas, Paccini, Ponchielli o Arrieta, pero es que estamos hablando de Verdi. Hoy se trata de hacer un repaso rápido para ubicar temporalmente la composición de la obra y señalar los principales temas o problemas que plantea. Terminaremos escuchando uno de sus mejores momentos en la voz de un actor cantante como pocos ha habido.</div>
</div>
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Verdi
en 1865 aceptó un encargo de la Academia Imperial de Música, lo que después
sería la Ópera de París, para componer una ópera que tendría que formar parte
de las conmemoraciones de la Exposición Universal de 1867. De entre los posibles
argumentos que Verdi baraja para esta futura ópera parisina termina decantándose
por el drama de Schiller titulado <i>Dom
Karlos, Infant von Spanien</i>, que se había publicado en Hamburgo unos ochenta
años antes, antes de que hubiera tenido lugar la Revolución Francesa. Schiller adopta,
más que una actitud de respeto por la realidad histórica, por una actitud, en
palabras de Matthew Boyden, proto-hollywoodiense, al caracterizar al personaje
central, o no tan central como pudiera parecer, como un héroe romántico y no
como lo que en realidad fue, un “psicópata epiléptico”. Schiller nos habla de
la historia de amor entre el infante Don Carlos y la francesa Isabel de Valois,
conviritiendo también la obra en una denuncia de la monarquía absoluta, en un
ataque a la intromisión de la jerarquía católica en los asuntos de Estado y en
una defensa de la libertad. <o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="text-align: justify;">
<br></div>
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De
escribir el libreto la ópera se encargaron Joseph Méry (su libreto más famoso es
el de Sémiramis de Rossini), quien fallecería antes de estar concluso el
libreto, y Camille du Locle. Los libretistas inventan su propio final al hacer
aparecer el fantasma de Carlos V, abuelo del protagonista, vestido de fraile
salvando al nieto; sin embargo, en el drama de Schiller el infante Don Carlos
es entregado a la inquisición por su propio padre, el rey Felipe II.<o:p></o:p></div>
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<br></div>
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A
finales de 1866 ya estaba terminada la partitura y la ópera se estrenó el 11 de
marzo de 1867 en francés bajo la forma de <i>grand
opéra</i>, con cinco actos y un ballet que se titula de <i>La Peregrina</i>; sin embargo, la versión más popular fue traducida al
italiano y tiene cuatro actos (suprime el primer acto, salvo el aria de Don Carlos),
se estrenó en La Scala de Milán en 1884; hay también una versión estrenada en
Módena, también en italiano, con sus cinco actos pero sin ballet. <o:p></o:p></div>
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<br></div>
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Con
<i>Don Carlos </i>Verdi junta tres caminos
que ya había recorrido por separado: el formado por los dramas de Schiller (<i>Giovanna d’Arco </i>y <i>Luisa Miller)</i>, por la temática española (<i>Ernani, Il trovatore </i>y <i>La
forza del destino</i>) y la gran ópera francesa (<i>Jérusalem </i> y <i>Les Vêpres siciliennes). <o:p></o:p></i></div>
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La
ópera contempla varios conflictos:<o:p></o:p></div>
<blockquote class="tr_bq" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p><br></o:p>
<br>
<ul>
<li>El conflicto
del infante don Carlos con su padre, Felipe II, por el amor de una mujer,
Isabel de Valois, hija del rey de Francia y Catalina de Médicis; del que se
deriva el del propio rey al comprobar que no es amado por su esposa y verse
atacado, también en el terreno político, por su hijo, que acoge la causa de Flandes.</li>
</ul>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p><br>
<ul>
<li>El conflicto
del idealista marques de Posa, Rodrigo, con el déspota Felipe II sobre el
problema de Flan.</li>
</ul>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p><br>
<ul>
<li>El de la
reina Isabel, que debe sacrificar su amor por el infante por el cumplimiento de
sus obligaciones reales, lo que hoy denominaríamos ser una reina profesional. Los
datos históricos demuestran que aunque es cierto que don Carlos estuvo
prometido a Isabel de Valois, nunca estuvieron enamorados, y el compromiso se
vio truncado por la firma de la paz entre Francia y España y el compromiso de
la joven adolescente de 13 años con el rey Felipe II, que entonces tenía 32.</li>
</ul>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p><br>
<ul>
<li><span style="text-indent: 0cm;">El conflicto de
la intrigante princesa de Éboli, que fue anteriormente amante del rey pero que ahora
está enamorada del atractivo infante, aunque esto es así tan solo en la ópera, en realidad Carlos era un joven muy poco agraciado (jorobado, tartamudo y arrastraba una pierna). Éboli parece que no lo quiere tanto como para ocultar al
soberano los amoríos del infante con su madrastra.</span></li>
</ul>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p><br>
<ul>
<li><span style="text-indent: 0cm;">Y el del
fanático Gran Inquisidor frente a la monarquía por la lucha por el poder. ¿Terminará
Felipe reconciendo la sumisión de la corona ante la Iglesia?</span></li>
</ul>
</blockquote>
<div class="Normal" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="margin-left: 0cm; mso-list: l0 level1 lfo1; text-align: justify; text-indent: 0cm;">
<o:p></o:p></div>
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<br></div>
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Pero
además de todos estos conflictos y del tema del amor fruto de la atracción sexual, del amor paternofilial o del conyugal,
en <i>Don Carlos</i> es realmente relevante
el tema de la amistad, del amor fraternal entre el protagonista y el marqués de
Posa que se pone de manifiesto en varias ocasiones a lo largo de la ópera y por culpa del cual la vida de Rodrigo se verá sesgada. Seguiremos
otro día hablando de Don Carlos, mientras tanto podemos escuchar una muestra de
este amor entre el infante don Carlos y Rodrigo, precisamente el de la muerte de éste en la voz de Tito Gobbi, no tiene los medios de Milnes o Cappuccilli, ni la extraordinaria técnica y estilazo de Bruson, pero la intención también es muy importante:</div>
<div class="Normal" style="text-align: justify;">
<br></div>
<div class="Normal" style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ieeH0rnbEdE" width="560"></iframe></div>
<div class="Normal" style="text-align: justify;">
<o:p></o:p></div>
<div class="Normal" style="text-align: justify;">
<br></div>
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<br></div>
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