Preparando Luisa Miller - 9 - Acto 3

Antes de retomar el argumento de Luisa Miller una pequeña introducción sobre el estado de mi ordenador. He conseguido revivirlo -se apagaba cuando transcurrían unos cuatro minutos encendido- aunque no sé el tiempo que podré mantenerlo, espero que al menos hasta que me traigan el nuevo, si me diera tiempo a trasladar información de uno al otro ya sería la repanocha. Lo he "arreglado" de una manera bastante simple, después de probar distintas soluciones en relación al software utilicé el último recurso posible: UN BUEN GOLPE CON EL PUÑO -no suele tener éxito pero desahoga un montón-, como quiera que no dio resultado pase al plan B: desarmarlo, lo primero que hice fue desmontar el panel lateral que lo cubre a modo de embellecedor, me di cuenta de que aguantaba un poco más sin apagarse, fue entonces cuando se me ha ocurrido una brillante idea: sin la tapa lateral acercarle un ventilador, y ha funcionado, llevo un buen rato y todavía no se ha apagado, eso sí... los pies los tengo helados.

No habíamos dicho que cada uno de los actos de Luisa Miller tiene un título propio: Amor el primero, Intriga el segundo y el tercero, que es del que vamos a hablar ahora se titula Veneno.

Cuando se levanta el telón vemos que Luisa está escribiendo una carta mientras que un grupo de amigas tratan de hacer, inútilmente, que olvide su dolor. La introducción orquestal deriva de la obertura de la ópera, también se deja oír en las flautas la melodía de la cabaletta de los amantes en el primer acto. A esta pequeña introducción orquestal le sigue, como en los dos actos anteriores, el coro de rigor. Algunos han hablado, refiriéndose al momento en el cantan /dialogan Luisa, Laura y el resto de amigas, a "belleza belliniana". No sé si será belliniana, sí que belleza tiene a raudales, la música es delicadísima. Las amigas, no le informan de los preparativos de la boda entre Rodolfo y Federica a pesar de que Luisa observa que algo ocurre en la Iglesia, según la muchacha brilla de una forma especial. Vamos... que se imagina la razón por la que lo hace pero se lo ocultan para protegerla.

Un brusco cambio en lo musical indica que llega Miller. Inmediatamente se retira todo el mundo para dejar a padre e hija solos, él lo sabe todo, se lo ha contado Wurm. Descubre la carta que estaba escribiendo Luisa y la lee en voz alta -vuelve a sonar la obertura de la ópera-, en ella Luisa propone a Rodolfo un doble suicidio.

Se inicia propiamente el dúo, en él Luisa ve la muerte como una liberación. Para explicar sus sentimientos, a pesar de la dramática situación que tenemos delante, Verdi hace cantar a la soprano una melodía alegre plagada de adornos vocales. Al encontrarse con el siguiente: texto "La tumba es... un ángel que abre los cielo donde el amor sonríe eternamente" es casi imposible, si se conoce el desenlace final, no recordar a Tristán e Isolda -obviando el carácter culpable de su amor y sin querer establecer una comparación porque cada obra está en las antípodas de la otra- o en Aida y Radames . Tanta liberación es para Luisa la muerte que al hablar de ella vuelve a ser la Luisa jovial y alegre que conocimos en el primer acto. Por contrario, desde que conoce las intenciones de la hija, Miller está aterrorizado : "Pel suicida non v'ha perdono!". No le queda más remedio que recurrir al chantaje emocional y le recuerda que no tiene a nadie en el mundo que no sea ella, le ruega que siga viviendo por el bien de su padre ya que él soñaba con abandonar la existencia antes que la hija, es la ley natural, triste es para un padre que ocurra lo contrario. La exposición del padre resulta totalmente convincente -no es extraño dada la melodía de la que se vale Verdi, así que doble puya para el espectador: del libretista y del compositor, pero sin alcanzar esos golpes bajos y melodramáticos a los que nos tiene acostumbrados Puccini-, Luisa rompe la carta. Viene entonces una frase clave por lo dramática y por la ruptura que supone en lo musical, a partir de ahí se aceleran los tiempos, se trata de "Il foglio lacero, annullo". Vivirá una nueva vida junto a su padre lejos de la aldea y padre e hija entonan una nueva y bellísima melodía que comienza con las palabras: "Andrem, raminghi e poveri, ove il destin ci porta" (Iremos errantes y pobres donde nos lleve el destino), ahora -al escuchar cómo están cantando padre e hija- por la mente del espectador van rondando alguna escena de Rigoletto. Al terminar el dúo Miller se retira y queda sola Luisa.

Escuchamos a una Montserrat Caballé en plenitud de facultades, era el año 1968 en el Met, la acompaña, como Miller, Sherrill Milnes:

En la segunda parte del último acto lo primero que escuchamos es el sonido del órgano de la iglesia, una alusión evidente a la boda que está a punto de celebrarse entre Rodolfo y Federica. Luisa está sola rezando por última vez en la casa del padre. No escuchamos la plegaria de la joven, ora en silencio. Un hombre cubierto por una capa se detiene en la puerta, es Rodolfo. Echa veneno en una copa y avanza hacia Luisa desafiándola para que confiese su traición. Siempre que escucho este momento me acuerdo del final de Otello, no por la plegaria sino por el diálogo entre los protagonistas. Comprometida con la promesa hecha a Wurm mantiene que ella escribió aquélla famosa carta. Rodolfo bebe de la copa alegando que está sediento, a su vez hace beber a Luisa. Aquél le reprocha su infidelidad, el veneno comienza a hacer efecto así que Rodolfo revela a Luisa que ambos lo han bebido -ya nos extrañaba que este hombre se pudiera cansar con Federica-. Luisa, que ve que la muerte esta próxima, se siente liberada de su juramento y confiesa la verdad, dándose cuenta Rodolfo que acaba de asesinar a la mujer a quien no había dejado nunca de amar. Miller llega en el momento justo para recibir el último adiós de su hija, ésta muere en el momento en que Walter y Wurm entran en la habitación. Empleando la última energía que le queda Rodolfo atraviesa al ayudante de su padre con una espada y después cae muerto junto a Luisa no sin antes decir al padre que mire el castigo que va a sufrir por sus actos.

En este acto encontramos al mejor Verdi experimentando soluciones dramático-musicales que luego veremos en muchas de sus grandes obras posteriores, durante la segunda parte la acción no decae ni un segundo, diferentes ritmos se van alternando, con la aparición de Miller el dúo se convierte en trío, acabado éste los sucesos se desarrollan vertiginosamente resultando un final espectacular y muy teatral en el que, una vez más, la parte más lírica corresponde a la soprano.

Como ilustración de esta segunda parte del acto he elegido una grabación procedente del Met en 1979 con Plácido Domingo, Renata Scotto y Sherrill Milnes bajo la dirección de Levine sobre todo por la Scotto que brilla como pocas en momentos en los que la cantante debe sacar partido a su vena dramática sin dejar de lado el canto, un camino más verista es el que sigue el tenor:

Y terminamos con el acto tercero al completo en la versión de estudio que hemos utilizado durante toda la serie: Bergonzi, Moffo, Macneil y Cleva.