Un día más, un año más

"N'est-ce plus ma main" de Manon (Massenet)
Roberto Alagna (Des Grieux) - Angela Gheorghiu (Manon)

Esto no puede ser, cada vez pasan los años más rápido, que me den la hoja de reclamaciones. Decimos adiós a 2011, a mí me da mucha pena que pase el tiempo, pero no tanta como para querer volver atrás, con lo que nos ha costado llegar adonde estamos. El 2011 no se ha caracterizado por ser un buen año, ni en lo político ni en lo económico, sí ha sido bueno en lo personal -he podido ser bastante feliz-  y en algunos aspectos de lo social, al parecer no estamos tan dormidos como muchos quisieran.

¡FELIZ 2012!

Lo habitual y lógico en el cambio de año es escuchar música alegre y que nos quiten lo bailao, pero voy a hacer una excepción no sea que al final los valses terminen, en vez de entrando, saliendo por nuestras orejas, con el colapso que eso puede suponer... Si nos despedíamos de 2011 con el fin del amor por efectos del inexorable destino propongo comenzar el 2012 con un amor que acaba de nacer; y terminará mal porque no debemos jugar con el tiempo, además la Ópera es así: suele acabar mal, esperemos que la realidad sea muy distinta. También aprovechamos para recordar esa pequeña etapa de esplendor que vivió la ópera francesa con la pareja Alagna-Gheorghiu, que ahora los encontramos luchando contra el tiempo como Faust y Marguerite en "Il se fait tard, adieu" de Faust. Qué pedazo de dúos que os he preparado  ¿¡eh!? A mí me encogen el corazón. 

¡Ojalá fuera todo bueno en este año que comienza! Seguro que no será así, y no lo digo en plan agorero, todos sabemos que el 2012, como todos los años,  nos deparará sorpresas, este año no va a ser una excepción. Yo me he propuesto intentar ser feliz y hacer felices a los que están a mi alrededor, que uno tiene muy "mala llet", y aunque no va a ser fácil conseguirlo por intentarlo que no quede, ¡Faltaría más!.

Prepárense, señoras y señores, que dentro de unas horas daremos el pistoletazo de salida al 2012 y corren malos tiempos para la lírica; lo peor es que para lo demás también.

Para quedarnos con un buen sabor de boca, sin abandonar "la France" escuchamos a la inmensa Regine Crespin en una parodia de la entrada de la protagonista de Manon de Massenet, "Ah, Cher monsieur! excusez-moi" de la opereta Phi-Phi de Henri Christiné:

Ah ! cher monsieur excusez-moi ! Excusez moi ! 

Je suis encore tout étourdie, tout ahurie, tout engourdie ! 

Excusez un moment d'émoi, pardonnez à mon bavardage !

Je suis encore tout étourdie, je suis encore tout engourdie ! 

Excusez un moment d'émoi, pardonnez à mon bavardage !

J'en suis à mon premier tirage ! 

Je reviens d'chez madame de Thèbes, dans mon jeu il y a un homme brun,

Qui m'épousera, je s'rai célèbre, j'aurai mon nom dans le Bottin ! 

Une femme noire me cherchera les noises mais il paraît que ça ne fait rien

C'est une femme mariée, une bourgeoise, et tout c'la finira très bien ! 

Dans mon jeu il y a des tas de piques, il paraît qu'c'est des tas d'argent 

J'serai quelque chose dans la République, qui sait ... la femme du Président !

N'est ce pas que c'est à n'y pas croire, n'est-ce pas qu'c'est beau, n'est-ce pas que c'est fou ! 

Et pour m'apprendre toutes ces histoires on ne m'a pris que 40 sous ! Etc. 

Pilar Lorengar - "Noche hermosa" de Katiuska

En el segundo acto, Katiuska, canta su romanza "Noche hermosa de jazmines perfumada", la escucharemos cantada por Pilar Lorengar:

La zarzuela Katiuska, la mujer rusa es una ópereta (sic) en dos actos, la primera obra lírica compuesta por Pablo Sorozábal (San Sebastián, 1987-Madrid, 1988). Fue estrenada en el Teatro Victoria de Barcelona el 27 de enero de 1931, con libreto escrito por Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso.


El libreto al parecer es bastante endeble -no conozco la zarzuela en su integridad-, es muy sentimental,  se desarrolla en Ucrania en plena revolución rusa con el enfrentamiento entre los nostálgicos del régimen zarista y los revolucionarios. Katiuska es una superviviente de la familia real rusa, rescatada por el Príncipe Sergio, que se enamora de Pedro Stakof, comisario del Soviet.


Para comenzar escucharemos al barítono argentino Renato Cesari, que tanto gustaba a Sorozábal,  cantando la romanza "Calor de nido, paz de hogar" (Pedro Stakof):

Escucharemos a Alfredo Kraus cantando en "Es el príncipe... Mi cabeza han puesto precio... Es delicada flor", una música muy amable con reminiscencias rusas en las que participa el coro, el tenor (el Príncipe Sergio), la soprano (Katiuska) y el bajo (Bruno Brunovich).

Terminamos con Pilar Lorengar, todo un lujo, cantanto la romanza "Vivía sola" (Acto 1):

Ópera de Babel - Arthur Endrèze - L'heure a sonné (Le Hollandais)

Una cosa que me gusta del Wagner cantado en francés es que puedo entender algunas frases, cosa que en alemán es prácticamente imposible, como mucho puedo entender alguna palabra suelta, pero hay una cosa que debo reconocer: que el francés le resta mucha fuerza a pasajes como el que hoy traigo al blog. Además, que me cueste entender el alemán es culpa mía y no de Wagner.

El holandés errante (Die fliegende Holländer)  se estrenó en Dresde en 1943, de esta ópera escucharemos el llamado Monólogo del Holandés "Die Frist ist um", en este caso "L'heure a sonné".  Es la primera intervención del protagonista, hemos visto como su barco  -con mástiles negros y velas de color sangre-  llega al puerto,  la tripulación arría las velas y el Holandés desciende del barco:

"El plazo ha vencido, otra vez transcurrieron siete años. Lleno de hastío me devuelve el mar a tierra... ¡Ah, orgulloso océano! ¡En breve plazo tendrás que soportarme de nuevo! Tu oposición es pasajera... pero mi tormento es eterno.

La salvación que busco en tierra, ¡jamás la encontraré! ¡A vosotras, corrientes de todos los mares, os seré fiel hasta que se rompa vuestra última ola y se sequen vuestras últimas aguas!

Cuán a menudo me precipité anhelante en los más profundos abismos del mar: ¡mas, ay, jamás hallé la muerte! Lancé mi navío contra las escolleras, allí donde yace el espantoso cementerio de barcos: ¡mas, ay, mi tumba no se cerró sobre mí! Provoqué con burlas al pirata, y esperé morir en el brutal combate: "¡Aquí!", gritaba yo "¡muestra aquí tu fama!. ¡Barco y botes están llenos de tesoros!" Mas, ¡ay!, el bárbaro hijo del mar se santiguó y huyó lejos aterrorizado. Cuán a menudo me precipité anheloso en los más profundos abismos del mar. Lancé mi navío contra las escolleras, allí donde yace el espantoso cementerio de barcos: ¡en ninguna parte una tumba!¡Jamás la muerte! Ésta es la terrible sentencia de mi condena.

A ti te pregunto, bendito ángel de Dios, que pusiste las condiciones de mi salvación: ¿fui, desdichado, juguete de tus burlas, cuando me anunciabas la redención? ¡Inútil esperanza! ¡Vana y terrible ilusión! ¡No existe en la tierra la fidelidad eterna! Sólo me queda una esperanza, sólo una, pero siempre inalcanzable: mientras la vida aliente en la tierra, jamás se cumplirá. ¡Día del juicio! ¡Día primero y nuevo! ¿Cuándo romperás en medio de mi noche? ¿Cuándo sonará el golpe exterminador, con el que saltará en pedazos el mundo? Cuando todos los muertos resuciten, entonces me sumiré en la nada.¡Oh, mundos, cesad vuestro curso! ¡Eterna aniquilación, hazme tuyo!"

La traducción pertenece a la página web de Kareol

El intérprete de este fragmento era Arthur Endrèze (1893-1975). Lo primero que sorprende de este barítono es su verdadero nombre, Arthur Kraekmann, y su origen americano, puesto que nació en Chicago. Endrèze era el apellido de soltera de su madre.

Arthur Endrèze, que como tantos otros cantantes, había destacado en los coros de su iglesia, fue enviado al Conservatorio americano de Fontainebleau, allí estudió desde 1918 hasta 1921. El célebre tenor polaco Jean de Reszke lo acogió bajo su tutela en Niza desde 1922 hasta 1925. Este mismo año debutó como Escamillo, comenzando su carrera en teatros del sur de Francia (Niza, Cannes y Deauville). En 1928 debutó en la Salle Favart de Paris, un año después lo haría en la L'Opéra, donde se convirtió en el primer barítono de la compañía hasta su retirada en 1940.

La etapa final de su vida, una vez hubo muerto su esposa, supuso una vuelta a sus orígenes, Chicago, donde falleció en 1975.

El Magníficat navideño de Bach

Hoy propongo dejar volar la imaginación, viajar y trasladarnos a un lugar, la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, y una fecha, el 25 de diciembre de 1723, y para eso podemos contar con la ayuda de un intérprete de la escuela historicista pionera, la holandesa: Ton Koopman.

Bach no compuso sólo cantatas para el día de Navidad, en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig se solía cantar el Magníficat en alemán dos veces por semana, pero en las grandes ocasiones, como en Navidad, Pascua y Pentecostés se cantaba en latín, y para la Navidad de 1723 Bach compuso el Magníficat BWV 243a en el que insertó cuatro textos (himnos) relacionados con el nacimiento de Jesús, dos de ellos referentes a la escena de los ángeles y pastores, el tercero el "Gloria in excelsis..." (ángeles) y finalmente un dúo entre soprano y bajo, "Virga Jesse floruit", que narra el nacimiento. Estas interpolaciones ya las había hecho anteriormente sum predecesor, Kuhnau, por lo que podría ser una tradición de Leipzig.

Diez años después Bach reorquestó el Magníficat y lo cambió de tonalidad  (de mi bemol mayor a re mayor) suprimiendo la parte relacionada con la Navidad para ser tocado en cualquier ocasión que se pudiera presentar.

También es posible que el Magníficat interpretado en la Navidad de 1723 no fuera original, sino que ya se hubiera interpretado antes sin interpolaciones, porque éstas, en el manuscrito de 1723, no figuran secuencialmente en el orden en que deben ser tocadas sino que se añaden al final con indicaciones de dónde debían ser insertadas. Si esto fuera cierto se supone que fue estrenado un mes antes, el primer domingo de Adviento (28 de noviembre de 1723). Sea como fuere en la Navidad de 1723 se interpretó con las cuatro interpolaciones indicadas.

Escucharemos la primera versión del Magnificat,  BWV 243a con unos intérpretes de lujo: Deborah York (soprano), Klaus Mertens (baritono), Bogna Bartosz (alto) y la Amsterdam Baroque Orchestra & Choir  bajo la dirección de Ton Koopman. La grabación está realizada en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde se estrenó en 1723.

La estructura con las interpolaciones navideñas queda así:

1.- MAGNIFICAT (Mi alma engrandece al Señor).Coro.

2.- Solo: ET EXULTAVIT (Y mi espíritu se alegra en Dios, mi Salvador). Soprano.

A.-VON HIMMEL HOCH. Coro.

3.- QUIA RESPEXIT  (Porque ha mirado la humildad de su esclava). Soprano.

4.- OMNES GENERATIONES (Por eso desde ahora me llamarán bienaventurada todas las generaciones). Coro.

5.- QUIA FECIT MIHI MAGNA (Porque el Poderoso ha hecho en mí maravillas, santo es su nombre). Bajo.

B. FREUET EUCH UND JUBILIERT. Coro

6.- ET MISERICORDIA (Y su misericordia alcanza de generación en generación a los que le temen). Contralto y tenor.

7.- FECIT POTENTIAM (Desplegó la fuerza de su brazo, dispersó a los soberbios de corazón). Coro.

C. GLORIA IN EXCELSIS DEO. Coro.

8.- DEPOSUIT (Derribó a los potentados de sus tronos y exaltó a los humildes). Tenor.

9.-  ESURIENTES (A los hambrientos les colmó de bienes y a los ricos les despidió vacíos). Contralto.

D. VIRGA JESSE FLORUIT.  Dúo soprano y bajo.

10.- SUSCEPIT ISRAEL (Acogió a Israel, su siervo, acordándose de su misericordia). Sopranos I y II y contralto.

11.- SICUT LOCUTUS EST (Como había anunciado a nuestros padres-en favor de Abraham y su linaje por los siglos). Coro.

12.- GLORIA (Gloria al Padre, al Hijo…). Coro.

Lo parió una gitana, lo echó a la calle.

Estaba barajando varias opciones para felicitaros la Navidad en este día de Noche Buena pero ninguna me safisfacía. Soy totalmente impermeable a estas fechas, para lo bueno y para lo malo, no las amo pero tampoco las odio, me dan igual,  pero cuando se presenta una ocasión para desear felicidad a todo el mundo pienso que hay que aprovecharla.

Siempre me asalta la duda sobre si la "Nana de Sevilla" de García Lorca se puede considerar un villancico, no lo he investigado,  pero bien pudiera ser. Y si es un villancico debemos reconocer que es un villancico muy bonito, sobre todo si lo canta Teresa Berganza con Narciso Yepes a la guitarra. 

Así que ya tenemos dos cosas idóneas para felicitaros la Navidad, la primera son las ganas de hacerlo y la segunda es una cosa bonita con que hacerlo. 

¡ Feliz Navidad a todos !

La Paloma

Tengo una prima que me saca unos veinte años, cuando era pequeño, para hacerme rabiar, gustaba de cantarme esta canción: "Si a tu ventana llega un perro chato, trátalo con cariño que es tu retrato", y la verdad es que lo conseguía, yo no sé si por el texto o por las veces seguidas que me lo repetía. No sé si ella sabrá que se utilizaba en los campos de concentración Nazzis para conducir a los presos a las cámaras de gas, que en algunos países es utilizada como marcha fúnebre, que en otros es una marcha nupcial o que para algunos se trata de la canción más grabada de la historia (en el Libro Guiness de los Records se dice que tal honor corresponde a Yesterday de los Beatles); a mí, aún sabiendo de su popularidad, me han sorprendido estas noticias, como también la cantidad de versiones que se pueden encontrar en Youtube, algunas muy buenas, por ejemplo la de Charlie Parker:

La Paloma, el canto del alma de un marinero que se reencarna en una paloma blanca para visitar a su amada, fue compuesta, entre 1861-1863 por el alavés Sebastián Iradier (1809-1865) tras haber realizado un viaje a Cuba. Al menos a él se atribuye su autoría puesto que hay quien afirma que la canción ya existía antes de que fuera publicada por Iradier, en todo caso no hay pruebas irrefutables que lo corroboren. 

A Iradier debemos también la célebre habanera de Carmen de Bizet, "L'amour est un oiseau rebelle", el francés al ser "descubierto" afirmó que había pensado que "El arreglito", que así se llamaba la canción de Iradier, era un tema popular. No he encontrado ninguna versión que me gustara y al final me he decidido por la siguiente:

Volviendo a La Paloma, tanto era su éxito que fue una de las primeras canciones que  se grabaron, el tenor Ferruccio Giannini lo hizo en el año 1896, el barítono español Emilio de Gorgoza en el año 1900 -en Youtube dan otras fechas, como la de 1913-:

Amelita Galli-Curci la canto en versión de coloratura:

Elvira de Hidalgo, la profesora de Callas, la cantaba en griego a mediados de los años treinta:

Más o menos por la mismas fechas la cantaba en polaco Tola Mankiewiczówna:

Richard Tauber la cantó en inglés en los años cuarenta, "The Dove":

Beniamino Gigli la cantaba en italiano:

Elvis Presley la cantaba en la película "Blue Hawaii" (1961) bajo el título "No more":

También Paco de Lucia nos ha dejado la suya:

Y en Youtube se pueden encontrar muchas, pero que muchas, más.

Una duda: ¿Es lo mismo agilidad que coloratura?

A veces veo que hay autores (p.ej. Nino Dentici en "La voz en la ópera") que en sus libros utilizan estos dos términos, agilidad  (RAE: cualidad de ágil) y coloratura (adorno virtuosista de una melodía), como sinónimos. Yo creo que son distintos puesto que se pueden encontrar pasajes de coloratura (adorno) que no pueden considerarse de agilidad (rapidez, dinamismo, vivacidad), aunque es verdad que al revés no ocurre lo mismo, toda agilidad lleva implicito el empleo de coloratura ¿Qué os parece? Porque difícilmente un cantante resolverá los pasajes de coloratura si no es ágil, en este sentido podrían ser sinónimos, pero en un sentido estricto yo creo que no lo son.

     Coloratura                            Agilidad + Coloratura

     Coloratura                            Agilidad + Coloratura

Pensando en algún pasaje de agilidad que no tenga coloratura se me ha ocurrido uno de Don Giovanni, pero está traído por los pelos, algo de coloratura hay; sin embargo, se caracteriza más por la velocidad que por el empleo de un canto adornado:

Amber Wagner- Una soprano a seguir

Cuando menos te lo esperas salta la liebre, ayer en la representación en versión concierto de la Ariadnne auf Naxos de R. Strauss, quedamos todos absolutamente impresionados por la voz y buen hacer de esta magnífica soprano, Amber Wagner, una lírico-spinto o dramática procedente de la Ópera de  Chicago que sustituía a Adrianne Pieczonka, y que cautivó al público por su hermoso timbre, expresividad e impecable técnica. Entre su repertorio, además de la prima donna de Ariadne, figuran Aida, Sieglinde, Elsa, Amelia de Un ballo in maschera... El problema que va a tener esta chica es su físico, está rellenita, espero que este motivo no influya en las contrataciones de los grandes teatros porque seguramente, y si no se malogra, va a ser una de las grandes sopranos de la actualidad. Espero que Helga Schmidt haya tomado nota y le haga un hueco en la próxima temporada.

El audio procede del concierto  "Stars of Lyric Opera" at Millennium Park ofrecido por la Orquesta de la Ópera de Chicago bajo la dirección de Andrew Davis, en septiembre de 2010, en el que intervenían Thomas Hampson, Nadja Michael, Ana María Martínez,  Amber Wagner, Leonardo Capalbo, Kyle Ketelsen, Štefan Kocán, Amanda Majeski, Emily Fons y René Barbera. 

Para leer una acertada crónica de lo que fue la Ariadne ofrecida en Les Arts bajo la dirección de Andrew Davies podéis visitar el blog de Fernando: Ya nos queda un día menos.

Gruberova. Grossmächtige Prinzessin (versión de 1912)

Esta tarde en el palomar del Palau de les Arts de Valencia se estrenará por segunda vez una ópera de Richard Strauss, aunque hoy en versión concierto y con cierta polémica, no por la sustitución de Riccardo Chailly, que canceló por enfermedad hace unas semanas anunciándose con antelación suficiente, sino por otros cambios que no se han anunciado como el de la protagonista Adrianne Pieckzonka que de la noche a la mañana desapareció de la página web sin explicación alguna. Estamos hablando de la ópera "Ariadne auf Naxos" y aprovechando que se ha programado en Les Arts vamos a escuchar su fragmento musical más famoso interpretado por la que está considerada por casi todo el mundo como la Zerbinetta por excelencia, Edita Gruberova -habrá quien prefiera la calidez y el encanto de Rita Streich-, y lo haremos en la versión original de 1912.

De Ariadne auf Naxos existen dos versiones. La primera tomaba dos actos de El burgués gentilhombre de Molière e insertaba la ópera Ariadna en Naxos como si fuera un intermedio, se estreno en Stuttgart el 25 de octubre de 1912 y fue un estrepitoso fracaso. Hoffmansthal, autor del libreto, insistió a Strauss una y otra vez sobre una nueva versión de la ópera con cambios radicales: se iniciaría con un prólogo que se desarrolla en un teatro privado de una mansión de la Viena del XVIII en el que se dan cita los personajes de la ópera seria Ariadne auf Naxos más su compositor y los de una obra del estilo de la commedia dell'arte; en la segunda parte, la ópera propiamente dicha, tiene lugar la representación de ambas obras simultáneamente puesto que el mecenas no quiere que se retrasen los fuegos artificiales previstos. Esta nueva versión se estrenó el 4 de octubre de 1916 en Viena, y entonces sí tuvo éxito, en ella Strauss simplificó el aria de Zerbinetta, la acortó y le bajó un tono, aún así siguió siendo un aria de coloratura y agilidad endiabladas.

Richard Strauss. Ariadne auf Naxos: "Grossmächtige Prinzessin" (Versión original de 1912)

Edita Gruberova (Zerbinetta).  

Orquesta Sinfónica de la Radio de Munich

Dir.: Lamberto Gardelli

Munich, 1983.

Ópera de Babel y nunca mejor dicho: Janet Baker - Jon Vickers

Impresionante resulta Janet Baker como Dido en Les Troyens, una cantante que ha mostrado una afinidad especial por la música de Berlioz, se hace raro escucharla cantar en inglés el aria "Adieu fiere cité" con su recitativo previo.

En 1969 durante unas representaciones de Les Troyens en el Covent Garden, Josephine Veasey, que debía cantar el papel de Dido, sufrió una indisposición y tuvo que ser sustituida a última hora por Janet Baker, en aquella representación Baker, como no se sabía su parte en francés, cantó en inglés y el resto del reparto en el idioma original. Algo que quizás en 1969 ya era raro pero que unos veinte años antes no lo era tanto, en Italia, por ejemplo, te podías encontrar con una ópera de Wagner en que los cantantes empleaban el italiano y si entre ellos había algún alemán, éste empleaba el idioma original, también nos han llegado grabaciones de casos así, por ejemplo el Tannhäuser de 1949 en el que Tebaldi encarna a Elisabeth en italiano, al igual que el resto de cantantes, mientras que el protagonista, Hans Beirer, lo hace en alemán y el director era germánico a más no poder, Karl Böhm, ni más ni menos .

"Nuit d'ivresse" es uno de los números más famosos de Les Troyens, un dúo entre Dido y Eneas típicamente berloziano: una amplia y hermosa melodía que funde en un todo las voces con la orquesta como si el tiempo se hubiera detenido y es propicia al abandono y embelesamiento de los personajes, también de los oyentes.

Lo que resulta realmente extraño y paradójico es escuchar el magnífico dúo de amor cantado por ella en inglés y por él en francés. Por fin se entiende por qué el amor entre estos míticos personajes es imposible, así no hay quién se aclare, igual era una premonición de lo que iba a pasar en la Unión Europea entre Mercozy y Cameron.
 

Para terminar sólo decir que poder llegar a disfrutar de este dúo cantando en estas condiciones hace que me entre complejo de auténtico  friqui. Vamos primero con el dúo y luego con el aria de Dido.

Berlioz. Les Troyens:"Nuit d'ivresse"

Janet Baker, Jon Vickers

Orquesta de la ROH, Covent Garden, bajo la dirección de Colin Davis

Londres 1969

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Erbarm dich mein, o Herre Gott

Porque no sólo de ópera vive el hombre hoy traigo al blog un coral de Heinrich Scheidemann, compositor que sucedió a su padre como organista de Santa Catalina en Hamgurgo desde 1625 hasta practicamente su muerte en 1663: "su obra para órgano representa el debut, y al mismo tiempo, el primer apogeo de la escuela norte-alemana del siglo XVIII", al menos eso dice el Dr. Werner Breig en el librito que acompaña al CD, como también dice que "su estilo organístico influenció directamente a Buxtehude e indirectamente también a J.S. Bach...  aparece dominado (su estilo) por dos factores decisivos: la enseñanza de Jan Pieterszoon Sweelinck por un lado, y por otro, por la riqueza tímbrica del órgano barroco en Alemania del Norte". Sweelinck, el organista más prestigioso del momento, estaba en Amsterdam y allí se había desplazado Scheidermann para estudiar con él entre 1611 y 1614. No sólo fue un gran compositor de música para órgano sino que destacó también como virtuoso del instrumento. La verdad es que en lo referente, no ya al órgano barroco, sino al órgano en general soy un completo ignorante, escuché esta pieza, el coral "Erbam dich mein, o Herre Gott" y me gustó, además me recordó mucho a Bach. Os la dejo interpretada por Helmut Winter en el órgano histórico de la iglesia de San Nicolás de Attenbruch. Es una pieza muy lírica y propicia al abandono místico.

 

La construcción del órgano de la iglesia de San Nicolás se inició en 1497, finalizando en 1501, está considerado el órgano más antiguo de Alemania, parece ser que el órgano daba problemas a los ejecutantes así que fue reformado en 1647, otra vez veinte años más tarde, nuevos trabajos de restauración tuvieron lugar entre 1697 y 1700, ahí no quedó la cosa, en el año 1727 fue desmontado para ser trasladado desde el coro a la tribuna oeste sufriendo importantes modificaciones que finalizaron en 1730, desde entonces no ha sufrido cambios de importancia hasta que a partir de los años veinte del siglo XX sufrió varias restauraciones y cambios, afortunadamente en 1962 se restituyó el órgano al estado en que había quedado en 1730, al parecer con  mucho éxito.

Joseph Calleja, de la vieja escuela

Ya tenía ganas de escuchar un tenor que sonara como los de la vieja escuela, Joseph Calleja. Lo escuchamos en el concierto ofrecido en los Premios Nobel el pasado 8 de diciembre intentando llevar un poco de sol a Estocolmo, su primer bis fue "O sole mio":

Como con Italia el chico no consigue llevarles el sol lo intenta con España:

Después les dice que uno de sus tenores favoritos es Jussi Björling, el timbre se le parece un poco y Calleja es listo en hacerlo ver de forma indirecta, de paso los suecos se enorgullecen de su tenor y no es para menos, entonces canta "Because" de Guy d'Hardelot, un tema que solía cantar el tenor sueco:

Y así llega al cuarto bis, el público le pide "Nessun dorma" pero él más o menos dice: "ya lo he dicho fuera, no canto más para ustedes, primero denme de cenar", y se despide con "E lucevan le stelle", aria que canta sin un solo desgarro:

Un tenor al que se le podrán poner pegas, fraseo muy claro pero algo abrupto, que suena como los de la vieja escuela, a tenor; además tiene un timbre privilegiado, muy luminoso y cálido;  un estilo mediterráneo  y un importante dominio de los reguladores. Si estuviéramos en los años sesenta sería uno más pero hoy las cosas son bien distintas.

La Lucia de Albina Shagimuratova

La Lucia de Donizetti es una de esas óperas que me tiran de una manera totalmente irracional porque tiene muchísimas características por las que teóricamente la tendría que odiar, pero mira, no es el caso, y es que cada día me gusta más. Una Lucia que me ha gustado mucho es la de Albina Shagimuratova, soprano rusa que debutó el papel en la Ópera de Houston a principios de año, afortunadamente he tropezado con la grabación y he quedado encantado con el depurado estilo y bella voz de la soprano, a la que sólo le podría reprochar, algunas carcajadas que me parecen de poco gusto -igual fue idea del director de escena-, unas erres -como en "la vita a noi sarà"- que a veces arrastra y otras, inexplicablemente, no; y la carencia de la carga dramática, sobre todo en los dúos, que puede imprimir una Dessay, para no salir de lo que es una soprano ligera, aún así me quedo con Shagimuratova por calidad tímbrica y por esos agudos tan bien colocados, ni que decir tiene que remata la escena de la locura con el mi bemol sobreagudo no escrito, algo que no es imprescindible pero que con este tipo de sopranos nunca está de más. 

El tenor que la acompañó como Edgardo, el greco-americano Dimitri Pittas, tiene un timbre que en absoluto me desagrada, resulta muy juvenil, es todo pasión, aunque le falta dominar mejor el fraseo y un pelín de fuelle en los momentos más comprometidos como  al final del dúo con Lucia. Como Enrico cantaba Scott Hendricks.

Shagimuratova es famosa por sus interpretaciones de la Reina de la Noche en La Flauta Mágica desde que la interpretara en Salzburgo con Riccardo Muti, después ha visitado con este rol grandes teatros (Milán, N.Y., Berlín, Viena...), tiene previsto cantarlo en el Liceu durante esta temporada, en enero debutará en Houston el papel de Violetta (La traviata) y quizás la recordaréis porque participó en la reinauguración del Bolshoi cantando Ludmila. Espero que os guste. Recomendación para los que tengan prisas: acudir directamente a la escena de la locura.

Y el que quiera hacerse con la grabación completa no tiene más que visitar TODOPERA pinchando AQUÍ. El reparto es el siguiente: Gaetano Donizetti: Lucia di Lammermoor. Beau Gibson (Normanno), Scott Hendricks (Enrico), Oren Gradus (Raimondo), Albina Shagimuratova (Lucia), Rachel Willis-Sørensen (Alisa), Dmitri Pittas (Edgardo), Nathaniel Peake (Arturo). Houston Grand Opera Orchestra and Chorus, Antonio Fogliani (conductor). Houston, enero de 2011.

Recitativo, aria y cabaletta: "Ancor non giunse!... Regnava nel silenzio... Quando rapito in estasi"

Albina Shagimuratova (Lucia) y Dimitri Pittas (Edgardo)

Dúo Lucia y Edgardo: "Lucia perdona... Verranno a te"

Albina Shagimuratova (Lucia) y Scott Hendricks (Enrico)

Dúo Lucia y Enrico: "Appressati, Lucia... Il pallor funesto orrendo... Soffriva nel pianto...Se tradirmi tu potrai"

La escena de la locura: "Il dolce suono... Spargi d'amaro pianto"

Ópera de Babel - Wunderlich y Lorengar nos cantan el dúo de Madama Butterfly

No es tiempo de Butterflys en Valencia, pero hoy traigo al blog "Bimba dagli occhi pieni di malia" (Mädchen, in deinen Augen)el dúo del primer acto de "Madama Butterfly" de Puccini cantado en alemán por las voces de Fritz Wunderlich y Pilar Lorengar, procede de una grabación efectuada en Munich en 1965. Cio-Cio-San y Pinkerton cantan juntos pero cada uno tiene pretensiones distintas, mientras ella está embelesada contemplando el cielo nocturno y en éxtasis amoroso, él no desea más que la consumación material de una atracción sexual; algo que se pone más en evidencia, si cabe, cuando se compara con el dúo del primer acto de "La Bohème", en el que la comunión entre los amantes es total. He leído por ahí que hay aficionados que no le hacen caso a esta ópera porque no estaba escrita en alemán, ya sabemos que hay gente "pató", aquí podemos hacernos una idea de como suena Puccini en este idioma, un poco como Korngold:

ARIAS FAVORITAS - "Sol da te, mio dolce amore"

Vivaldi: Orlando Furioso. "Sol per te mio dolce amore" (Ruggiero)
Philippe Jaroussky, Ensemble Matheus
Dir.: Jean-Christophe Spinosi

Sol per te mio dolce amore
Questo core
Avrà pace avrà conforto.
Le tue vaghe luci belle
Son le stelle,
Onde amor mi addita il porto.

Después de la liguilla de Cenerentolas parece que me ha dado un arrebato barroco, no lo he podido evitar, habrá sido una reacción. Siempre se van sucediendo etapas en la que me tira  más un estilo u otro de música, ahora parece que le ha tocado el turno a los Haendel, Porpora, Caldara, Scarlatti, Vivaldi, Bononcini... Y en el apartado "Arias Favoritas" me parece casi lógico que tenga que aparecer un aria de Vivaldi, se trata de un aria que canta Ruggero en la ópera Orlando Furioso, estrenada en Venecia en 1727.  Pero tranquilos, que esto dura unos días -a veces incluso meses- y luego suele pasar, aunque no tengo prisa.

En el estreno el papel de Ruggiero, el caballero que enamora a la hechicera Alcina y que aquí está loquito por ella, ante la estupefacción de Bradamante, gracias a los efectos de un encantamiento, fue interpretado por un castrado contralto, Giovanni Andrea Tasi, nosotros la escucharemos cantada por el contratenor Philippe Jaroussky, no es precisamente contralto, pero bueno, tampoco es castrado, nada que ver con el original, pero suficiente para hacerse una idea porque este hombre canta realmente bien, su dicción y fraseo es impecable, es expresivo, elegante y musical, no tiene problemas de fiato, hasta se marca algún que otro trino. Además, siempre será mejor un contratenor que no un barítono, que es lo que emplea Claudio Scimone en su grabación integral de la ópera, un auténtico atentado aunque el cantante se llame Sesto Bruscantini -no recomiendo acudir a su versión ni como curiosidad-. 

El aria, cuyo ritmo, no sé cómo estará marcado en la partitura, en la versión de Spinosi está entre un largo y un andante, es de considerable extensión y es estructura tripartita, tiene un obligado para flauta travesera bellísimo, "made in" Vivaldi, a veces ésta dobla la voz o juega con ella, mientras que otras veces, como en la entrada, es totalmente independiente, las cuerdas, desde el fondo, como si fuera un eco lejano se dedican a crear un ambiente onírico, un colchón sobre el que flotan voz y flauta. ¡Vaya con esta grabación de 2004, la tenía olvidada y ha valido la pena volverla a escuchar!

Mehta, Pendatchanska - Ottone, Poppea - Una de esas joyitas de Haendel

Bejun Mehta como Ottone (Agrippina)

En el último acto de Agrippina, Haendel nos regala una de sus joyitas -que ya visitó el blog en otra ocasión-, el elegante y sensual duetto entre el general Ottone y su amada Poppea. Lo vamos a escuchar en una excelente versión, la que aparece en la integral de la ópera grabada por Jacobs con Bejun Mehta (Ottone) y Alexandrina Pendatchanska. El dúo en el estreno fure interpretado por dos mujeres, la contralto Francesca Vanini-Boschi (Ottone) y la soprano Margheita Durastanti (Agrippina), quien cantó muchísimo con Haendel tanto en Italia como en Londres, estrenó algunas de sus cantatas y el papel de Maria Magdalena en el oratorio La Resurrezione, estrenado en Roma en 1709, pero en la segunda representación tuvo que ser sustituída por un castrado para cumplir el edicto papal que prohibía que las mujeres participaran en espectáculos públicos, con el tiempo asumiría roles de mezzosoprano. Bejun Mehta se sale en su interpretación de Ottone, por línea de canto y fraseo pero también por la exhibición de un timbre bellísimo, sobre todo si pensamos en que es un contratenor, ya quisieran algunas mezzos tener un timbre así. 

 

Duetto 

OTTONE 

No, no, ch’io non apprezzo 

che te, mio dolce amor, 

tu sei tutt’il mio vezzo, 

di tutt’è il mio cor. 

POPPEA 

Sì, sì, ch’il mio diletto 

fai tu, mio caro ben, 

tu il cor di questo petto, 

l’ardor di questo sen. 

Francesca Vanini-Boschi era esposa del célebre bajo Giuseppe Maria Boschi, hoy seguramente lo consideraríamos un barítono pero entonces no se distinguía entre bajos y barítonos, Boschi cantaba el rol de Pallante. De él escucharemos el aria "Col raggio palido della speranza" por el bajo-barítono Neal Davies:

Del arroyo beberá...

"De torrente in via bibet"

Haendel. Dixit Dominus

Hillevi Martinpelto, soprano
Anne Sofie von Otter, alto
Stockholm Bach Choir
Drottningholm Baroque Ensemble
Dir.: Anders Öhrwall

***

De torrente in via bibet

propterea exaltabit caput.

Del arroyo beberá en el camino:

Por esto levantará su cabeza.

***

"De torrente in via bibet"
Vivaldi. Dixit Dominus
Roberta Invernizzi, soprano
Concerto Italiano
Dir.: Rinaldo Alessandrini

Ópera de Babel - Anders y Cebotari cantan el dúo de La bohème

Por un lado tenemos al tenor alemán Peter Anders (1908-1954). Dicen que fue favorito de Hitler y que gracias a ello se libró de participar en la guerra, a cambio tuvo que cantar para las tropas alemanas y participar en actos de propaganda, esto no favoreció nada en lo que fue su carrera posterior,  cuando terminó la guerra, su voz evolucionó desde lo lírico (Belmonte, Tamino, Lyonel, Hans, Hoffmann, Leukippos, Alfredo, Rodolfo...) hacia lo lirico-spinto o  dramático (Florestan, Max, Tannhäuser, Lohengrin, Walther, Siegmund, Radames, Otello...). Su voz era timbrada y cálida, como podréis comprobar más abajo perdía vuelo al ascender al agudo, como si le faltara presión. Entre sus grabaciones más conocidas figura su Walther en Die Meistersinger con Beecham (1951).

Y por otro, a la soprano rumana Maria Cebotari (1910-1949) que tuvo en común con el tenor su apego artístico al ámbito germánico (aunque Cebotari fue bastante más viajera y fue asidua del Covent Garden y La Scala) , la belleza vocal y versatilidad en el repertorio (Cebotarí cantó Butterfly, Daphne, Mimì, Aminta, Antonida, Carmen , Salome, Turandot, Maddalena, Olympia, Antonia y Giulietta en Les Contes d’Hoffmann, Susanna, Zerlina, Sophie, Condesa Almaviva, Konstanze, Tatyana, Violetta, Arabella,  Euridice y Donna Anna) y una muerte prematura, él de accidente de circulación, ella de cancer. Protagonizó también algunas películas. Karajan dijo de ella, bastantes años después de su muerte, que era la mejor Cio-Cio-San que había dirigido.

Ambos interpretan en alemán el dúo de Mimì y Rodolfo perteneciente al  primer acto de La bohème con un corte en la parte central:

Christie (Jaroussky + Cencic / Cencic + Jaroussky)- Duetti

Cuando se juntan dos de los contratenores estrellas del momento para grabar un disco y deciden hacerlo bajo la dirección de William Christie el resultado es previsible, el repertorio, dentro de lo que es la música barroca, no tanto. El nuevo disco de Jaroussky y Cencic está dedicado a arias y dúos de cámara de compositores italianos del siglo XVIII: Giovanni Bononcini, Francesco Mancini, Francesco Bartolomeo Conti, Nicola Porpora, Benedetto Marcello y Alessandro Scarlatti. Vaya... otro disco que se sale del repertorio más trillado y publicado por una multinacional como Virgin Classics (EMI), por increíble que parezca no hay ni un solo duetto de Haendel.

La idea de juntar a Cencic y Jaroussky fue de Christie, las voces de los dos contratenores casan muy bien, Jaroussky es más soprano mientras que Cencic es má contralto -o más grave-. La musicalidad, el buen gusto y la sensibilidad de ambos está fuera de toda duda, y si alguien tiene alguna lo podrá comprobar inmediatamente:

Benedetto Marcello
Cantata 'Tirsi e Fileno': Duetto No.1: 'Veggio Fille/Parlo a Clori'

Es un disco que los que gustan de los contratenores no deberían perderse, contiene música que ha estado pudriéndose durante más de doscientos años en bibliotecas de distintas ciudades europeas y cuya grabación se convierte en una auténtica primicia. Como es habitual en estos casos, precedió a la grabación una gira de conciertos en la que los cantantes fueron rodando el repertorio; pero más allá de que se trate de una grabación única estamos ante una música distinguida y primorosa en la que las voces, delicadamente acompañadas por un reducido número de instrumentistas (clave/órgano, violines, violonchelo y tiorba), se convierten en las verdaderas protagonistas. 

El Youtube de presentación del disco: 

Daniela Barcellona - Arias de A. Scarlatti

 

Alessandro Scarlatti. Cambise (1719)

 Sinfonia

Aria: Io parto vincitor (Cambise)

Aria: In quelle luci belle (Ernesto)

Aria: Mi cigna la fama (Cambise)

Ayer hablábamos de un disco que se escapaba de los dictados del mercado y ofrecía arias de un compositor, Telemann, olvidado en su  faceta de operista, hoy hablaremos de otro disco de similares características, puesto que gran parte de su música se ha grabado por primera vez. Se trata del que la cantante Daniela Barcellona ha grabado para Deutsche Harmonia Mundi, se titula "Alessandro Scarlatti-Opera Arias" y su grabación, realizada el año pasado, coincidió con la celebración de los 350 años del nacimiento del compositor. Se publicó a mediados del presente año.

Las piezas pertencen a sus seis últimas óperas de Alessandro Scarlatti: Marco Attilio Regolo (Roma, 1719), Telemaco (Roma, 1718), Griselda (Roma 1721), Tigrane (Nápoles, 1715), Carlo Re d'Alemagna (Nápoles, 1716) y Cambise (Nápoles, 1719). De cada ópera se ha elegido la obertura (Sinfonia avanti l'Opera) y tres arias (18 en total).y es la primera entrega del denominado "The Baroque Project" que consistirá en publicaciones monográficas dedicadas a compositores como Pergolesi, Porpora, Vivaldi y Cherubini. Según los creadores de este proyecto, Marcello Di Lisa (director y fundador del conjunto Concerto De'Cavalieri) y el historiador Marco Marcarini, se trata de divulgar una patrimonio musical que se cita muchísimas veces en los libros pero que raramente se interpreta, partituras en su mayor parte inéditas y conservadas en copias únicas y manuscritas en bibliotecas públicas o archivos privados de difícil accceso.
El caso de Alessandro Scarlatti, que estrenó su primera ópera, de las más de cien que compuso, a los diecinueve años, no deja de ser curioso; por un lado, es un compositor muy reconocido por su labor en el desarrollo de la ópera (entre sus logros se encuentra el perfeccionamiento del aria da capo, el recurso al recitativo acompañado y la utilización como obertura de una pieza orquestal dividida en tres movimientos, el segundo de ellos más lento); por otro lado, la divulgación de sus óperas no ha estado a la altura del talento que se le reconoce.

LA INTÉRPRETE: Daniela Barcellona comenzó estudiando piano y su meta era consagrarse como pianista, cantaba como divertimento en el colegio o en la iglesia pero no pensaba que de ahí iba a surgir su profesión, y es que cuando la escucharon en el examen de teoría y solfeo quedaron tan encantados que le sugirieron que estudiara canto. Después conoció al profesor de canto Alessandro Vitiello, con el que se casaría más tarde, y poco a poco se fue tomando lo del canto cada vez más en serio.

La cantante, que no sabe si definirse contralto o mezzosoprano -"depende de qué es lo que canto, normalmente intepreto roles de contralto y mezzosoprano rossinianas"-,  ha colaborado con Marcello Di Lisa a la hora de escoger el repertorio del CD; mientras que  Alessandro Vitiello ha sido el encargado de escribir las variaciones y cadencias. Las arias, a algunas de las cuales se ha bajado medio tono, o incluso uno,  por estar escritas para castrado soprano, pertenecen tanto a roles femeninos como masculinos. y como ya se ha señalado algunas han sido compuestas para castrati. Según Barcellona ni las contraltos ni los contratenores se asemejan a las verdaderas voces de los castrados, son absolutamente distintas "tenían una voz infantil, puesto que el proceso de la castración detenía el tiempo... la capacidad torácica que tenían los castrados les permitía tener respiraciones interminables, como, por ejemplo, en el Salve Regina de Porpora, hoy es imposible que una voz tradicional pueda aguantarlo.... las voces de contraltos, mezzosopranos o contratenores intentamos acercarnos lo máximo posible a su estilo, pero sin reproducirlo tal como era".

Daniela Barcellona, cuyo repertorio básico es el rossiniano (despuntó como cantante en Pesaro cantando el Tancredi en 1999), se ha acercado al barroco esporádicamente y también a otros repertorios bastante dispares, por ejemplo, en Valencia a cantado Amneris (Aida) o Didon (Les Troyens), en el año 2013 tiene previsto debutar Eboli (Don Carlos) en Turín. 

En un primer momento sorprende que una cantante no especializada en la música barroca como es Barcellona se haya decidido por afrontar este repertorio tan poco frecuentado. Su timbre aterciopelado y oscuro, su virtuosismo, la pasión con la quefiende cada aria diluyen todas las dudas que en un principio se nos hubieran podido plantear, otro disco muy recomendable para los amantes de la ópera barroca.