Carmen canaria: Nancy Fabiola Herrera

Este mes de febrero una mezzosoprano canaria, Nancy Fabiola Herrera, ha cantado Carmen en el Met junto al tenor Marcelo Alvarez en la producción de Franco Zefirelly. Sus dos primeras representaciones fueron por indisposición de Olga Borodina (ya tuvo que suplir a Milena Kitic en octubre del año pasado) la tercera porque así lo había contratado con el teatro. En marzo y abril cantará el papel en el Covent Garden, teatro en el que debutó con Suzuki de Madama Butterfly, y después en San Sebastián, Gijón y Los Ángeles.

Estudió en el Real Conservatorio de Madrid, después lo hizo en la Juilliard School of Music de Nueva York y en la Academy of Vocal Arts de Filadelfia, actualmente tiene su residencia en Estados Unidos. Pero Carmen no supuso su debuten el Met, allí ya había cantado en 2006 el papel de Maddalena en Rigoletto, y anteriormente Suzuki de Madama Butterfly (2005). Su debut en ópera fue interpretando la Madre Abadesa de Suor Angelica de Puccini en el Teatro de la Zarzuela. También en Madrid y Peralada ha interpretado Luisa Fernanda con Plácido Domingo. Charlotte de Werther y Orlofsky de El murciélago en Las Palmas de Gran Canaria, Adalgisa de Norma en Montpellier, Rosina de El Barbero de Sevilla en Mexico, Giulietta de Los cuentos de Hoffmann en París (Opéra Bastille) y Dorabella de Così (Tokyo). Ahora tiene sus miras puestas en Romeo (I Capuleti e I Montecchi), Dalila, Oktavian, Sara de Roberto Devereux, L'Italiana in Algeri y Orfeo de Gluck, más adelante piensa en Eboli y dentro de unos años en Azucena.

Nancy se considera a sí misma como una mezzo lírica. También tiene algunos discos grabados, Luisa Fernanda en DVD y en CD en DG, El amor brujo en Naxos y otras cosas en sellos menores como Arte Nova (Tercera de Mahler) o ASV (Dante de Granados). No sé si algunos de los amigos y participantes en el blog que residen en Cataluña (Ximo, Mei, Teresa...) la escucharon en el Requiem de Verdi que cantó en el Palau de la Musica Catalana, si es así podrían darnos su opinión sobre esta cantante, además fue en Sabadell donde debutó el rol de Carmen, también lo ha cantado en Jerez, A Coruña y Santander.

Y esto es lo que escribió Anne Midgette en el New York Times con respecto a su actuación en el Met el pasado 8 de octubre en sustitución de Milena Kitic: "What the audience got was a serviceable, but unremarkable, Carmen. Ms. Herrera has a light instrument that she is adept at making sound heavier, partly by a thickening or coarsening of the sound. Her lack of vocal reserves makes her canny, saving herself for the most obvious climaxes at the expense of some of the musical interest in the lesser ones. She is still a work in progress with regard to stage presence: of the attractive, swing-your-hips and click-your-castanets school of Carmens, she went through all the moves without managing to be particularly distinctive or even effective."

Seguidamente se pueden escuchar fragmentos de la representación del 23F en el Met, el tenor es Marcelo Alvarez.

Diana Damrau. De 2004 a 2008

La verdad es que hace media hora pensaba que esta noche nos quedábamos sin entrada -estoy preparando las de la semana que viene, seguramente estaré ausente durante varios días, pero ya lo comentaré en su momento-, estaba más espeso que espeso, pero al final salió algo, espero que os guste:
El 7 de diciembre de 2004 se reinauguraba el Teatro alla Scala de Milán. Había cerrado sus puertas en diciembre de 2001 con el Otello de Domingo para realizar una limpieza a fondo de la sala, modernizar la maquinaria escénica y mejorar la acústica mediante cambios en el parqué. Para su reapertura se eligió la misma ópera que había inaugurado el teatro, Europa Riconosciuta de Salieri, el 3 de agosto de 1778.

Ese 7 de diciembre de 2004 la función se retransmitió por televisión, en la reventa se pagaba 1.500 euros por una entrada. Podemos decir que es una de las fechas clave para la carrera de la soprano de coloratura alemana Diana Damrau -la Reina de la Noche del siglo XXI- que ese día protagonizaba el papel de Europa. Aunque ya era una soprano reconocida en otros lugares europeos (ya había cantado Zerbinetta en el Convent Garden y aún tendría que saltar al Met y triunfar con éste papel) el éxito conseguido esa noche la catapultó al estrellato. El mundo ya podía contar con dos super sopranos ligeras: la Dessay y la Damrau, aunque ésta me parece algo más que una ligera ¿lírico-ligera?
El pasado 6 de febrero ofreció un recital en Munich en el que cantó "O luce di quest'anima" de Linda de Chamounix de Donizetti.
Se pueden escuchar ambas grabaciones

¿Rossini o Verdi? La canción del Sauce

Hoy regresamos a la ópera italiana para comparar dos arias de dos óperas que basan su libreto en Otello de Shakespeare: El Otello de Rossini y el de Verdi.

El libreto del Otello de Rossini fue escrito por el marqués Francesco Maria Berio di Salsa y no es tan fiel a Shakespeare como el que escribirá Boito para Verdi -por ejemplo, sustituye el famoso pañuelo por una carta de amor-, la ópera se estrenó en Nápoles, Teatro del Fondo, un 4 de diciembre de 1816, gracias a la censura de la época disponemos de dos finales, uno dramático y otro feliz. El de Verdi fue escrito por Arrigo Boito y la ópera se estrenó en La Scala el 5 de febrero de 1887. Setenta y un años separan ambas composiciones, el Otello de Rossini tuvo bastante éxito durante el siglo XIX pero ni que decir tiene que fue desterrado definitivamente por el de Verdi, tanto por el magnífico libreto de Boito, que supo condesar con maestría el desarrollo dramático de la tragedia original, como por la magnífica música escrita por Verdi.

Yo no soy muy amante de las óperas de Rossini, sobre todo de las serias, por esta razón desconozco gran parte de su Otello. Dentro de lo que yo he escuchado, el aria y cabaletta de Desdemona "Assisa al pie d'un salice", con su acompañamiento de arpa, compuesto para Isabella Collbran, cantada después por la Malibran, es uno de los fragmentos que más me gustan. Respecto a la del Otello de Verdi, con su corno inglés, le tengo una especie de amor-odio, a veces pienso que su duración es excesiva y se hace pesada, pero otras veces me parece que como preparatorio del trepidante dúo subsiguiente y el desenlace final es una obra maestra.

Os dejo las dos versiones la de Rossini a cargo de la mezzosoprano estadounidense Frederica von Stade y la de Verdi a cargo de la soprano Mirella Freni en el Festival de Salzburgo de 1971:

Braunfels - Die Vögel

Walter Braunfels (1882-1945) fue un compositor nacido en Frankfurt cuya tercera ópera Die Vögel se estrenó en Munich en 1920 bajo la dirección de Bruno Walter, obteniendo un clamoroso éxito (50 representaciones en las dos primeras temporadas), al año siguiente la estrenó Klemperer en Colonia, la ópera está basada en la comedia de Aristófanes de mismo título y el libreto fue escrito por el mismo compositor, éste llamó a su obra "pieza lírico fantástica en dos actos", pero no nos vamos a engañar, es una ópera en toda regla.

Su música tiene influencias de Wagner, Richard Strauss y Mahler, por lo que la podemos considerar tardo-romántica, amplias melodías, rica instrumentación, tonalidad, en el caso de esta obra emplea recursos imitativos del canto de los pájaros, lo que le permite el empleo de la coloratura y un amplio despliegue lírico, de hecho el personaje principal de la obra es un ruiseñor.

En 1933, Braunfels, que era director de la Academia de música de Colonia, fue destituido del cargo, su música prohibida ¿Qué pecado cometió? No fue por el tipo de música que componía, que no se consideró degenerada, sino por ser de origen judío y oponerse al régimen impuesto por el partido nacional-socialista, además de haberse negado a componer una himno para Hitler. Tras la guerra volvió a ocupar su cargo en Colonia, pero su música ya estaba fuera de la onda imperante y no volvió a recuperarse hasta finales del siglo XX, sobre todo a partir de 1996, año en el que DECCA publicó la primera grabación comercial de la obra bajo la dirección musical de Lothar Zagrosek.

No dispongo del libreto así que me es muy difícil seguirla, conozco la pieza de Aristófanes, esquemáticamente puedo decir que la obra cuenta la llegada al campo de dos humanos que huyen de la vida de la ciudad y convencen a los pájaros para construir una ciudad a medio camino entre la tierra (los hombres) y el cielo (los dioses), una ciudad alejada de los problemas de la existencia humana y donde los dioses no puedan imponer su voluntad, al final -y aquí está la principal diferencia respecto al original de Aristófanes- cuando la ciudad ya está acabada, Prometeo destruye la ciudad.

Si os interesa la siguiente grabación... Es el estreno de la ópera en Italia, en España creo que todavía está pendiente, a ver qué teatro se apunta el tanto pues la obra vale la pena.

Braunfels - Die Vögel (2 acts) - Cagliari , 27 de abril de 2006:
Hoffegut - Lance Ryan
Ratefreund - Giorgio Surian
Nachtigall - Katarzyna Dondalska
Wiedhopf - Markus Werba
Prometeus - Peter Lindroos
Zaunschlüpfer - Annamaria Dell'Oste
Adler / Zeus - Riccardo Ferrari

Orquesta y coro del Teatro Lirico di Cagliari. Roberto Abbado.

...podéis descargarla aquí:

Die Vögel 01 No contiene música, es la presentación radiofónica en italiano.
Die Vögel 02
Die Vögel 03
Die Vögel 04

Muchos ya la conoceréis pero si aquellos que no la conozcan quieren escuchar un fragmento para disipar dudas... (en realidad es una trampa, es fácil caer en sus redes):

Ya sabemos con qué se abrirá la Sala Martín y Soler de Les Arts

Al final no servirá como ampliación del Oceanogràfic, como algunos habían apuntado. Según información aparecida en el periódico Levante-EMV la ópera Una cosa rara de Martín y Soler será la encargada de inaugurar la Sala homónima del complejo del Palau de Les Arts, el director escénico será Francisco Negrín -responsable también de la puesta en escena del Orlando que se está ofreciendo actualmente en la sala principal-. Francisco Negrín también hará El árbol de Diana (L'arbore di Diana), considerada por todo el mundo como la obra maestra del compositor, para el Liceu.

Estupenda información sobre L'arbore di Diana aquí.

La Sala Martín y Soler, que debía inaugurarse durante la presente temporada, fue la más afectada por las pasadas inundaciones otoñales, el agua llegó hasta la tercera fila del patio de butacas.

El Teatro Martín y Soler es un edificio adyacente e independiente del Palau de Les Arts que tiene una pequeña sala con capacidad para 400 espectadores y en el que se ubicará la Academia de Perfeccionamiento Plácido Domingo, que será financiada por fondos de la Unión Europea porque el Ministerio de Cultura no suelta un euro.

Según Helga Schmidt en abril estarán terminadas las obras y podrá inaugurarse la dichosa sala ¿Quiere esto decir que Una cosa rara se estrenará dentro del Festival del Mediterráneo? ¿Será esta la razón por la cual no han salido todavía las entradas a la venta? ¿Tiene esto algo que ver con una colaboración que se anunció con el Mariinsky y Gergiev y nunca más se supo o será López Banzo el que se encargue de la dirección musical?

Como siempre, aquí vamos andando y viendo. Un buen día veremos un cartel en la calle o recibiremos una carta de Les Arts -a mí me llegan siempre tarde- anunciando la ópera para la semana siguiente...

Confiemos en que la próxima temporada no haya ningún accidente más y no tengan excusas para tanta improvisación.


Y para ambientar la entrada os dejo a la Berganza con tocado de árbol de Navidad y vestida de La Caja Roja de Nestlé cantando una cancioncilla de Martín y Soler.

Sin palabras

El canto francés (3) - Paul Cabanel (1891-1958)

Creo que ser espectador en un teatro de la muerte de Melisande debe ser uno de los momentos más impactantes a los que los aficionados a la ópera podemos asistir. Digo "creo" porque, desgraciadamente, todavía no lo he experimentado. Imbuidos del universo musical de esta ópera de Debussy no hay nada que nos distraiga, lejos del efectismo pucciniano flotamos en un universo onírico y misterioso que ha tejido el compositor, como de fábula; la tristeza y desnudez puestos de manifiesto tanto en la instrumentación como en el canto declamado, la fuerza dramática de la escena -Melisande muere víctima de los celos y del acoso al que se ha visto sometida, como un pajarillo en su jaula- y, como no, la belleza... Debe ser algo grande.

ARKEL
Il ne faut plus l'inquiéter...
L'âme humaine est très silencieuse.
L'âme humaine aime
à s'en aller seule...
Elle souffre si timidement.
Mais la tristesse, Golaud...
Mais la tristesse de tout
ce que l'on voit...
Oh! oh!
Qu'y-a-t'il?

LE MÉDECIN
(s'approchant du lit et tâtant
le corps)
Elles ont raison...

ARKEL
Je n'ai rien vu.
Etes-vous sûr?...

LE MÉDECIN
Oui, oui.

ARKEL
Je n'ai rien entendu...
Si vite, si vite...
Elle s'en va sans rien dire...

GOLAUD
(sanglotant)
Oh! oh!

ARKEL
Ne restez pas ici, Golaud...
Il lui faut le silence, maintenant.
Venez, venez...
C'est terrible,
mais ce n'est pas votre faute...
C'était un petit être
si tranquille,
si timide et si silencieux...
C'était un pauvre petit être
mystérieux comme tout le monde...
Elle est là comme si elle était
la grande soeur de son enfant...
Venez...
Il ne faut pas que l'enfant
reste ici dans cette chambre...
Il faut qu'il vive, maintenant,
à sa place...
C'est au tour de la pauvre petite.

Este fragmento podéis escuchar cantado por Paul Cabanel, un maestro en el canto declamado, un dominio perfecto del francés y una cálida y hermosa voz. También se puede escuchar un fragmento de Thais en el que canta el personaje del atormentado Athanaël .



Paul Cabanel nació en Orán un 29 de junio de 1891, falleció en París el 5 de noviembre de 1958. Es un cantante del que se conservan muy pocos testimonios, comenzó su carrera profesional con casi treinta años, su timbre era muy hermoso, y su articulación perfecta. Estudió derecho en Toulouse pero lo suyo era el canto, así que ingresó en el Conservatorio de Toulouse en 1911, allí estudió hasta 1913, año que ingresa en el Conservatorio de París. Le pilló la guerra y marchó al frente, fue herido de gravedad en Verdún en 1916, hasta 1919 no volvió al Conservatorio, allí obtuvo el primer premio de canto en 1920, no era la primera vez, en Toulouse había obtenido dos primeros premios, además al año siguiente volvería a obtener otro premio, pero de declamación lírica.
Finalizados sus estudios fue contratado por el Teatro Real del Cairo (Herodias, Faust, Thais, Manon...), después realizó diversas giras por Francia, Bélgica, Suiza..., contratos en Burdeos y en Vichy, en estas dos ciudades cantó durante siete temporadas, las de invierno en la primera y las de verano en la segunda. Su nombre comenzó a sonar en París. se presentó en la sala Favart en 1932 con Scarpia, allí cantó durante quince años seguidos (Escamillo, Basilio, Louise, Tonio, Figaro de Mozart, Nilakhanta, Colline, los tres papeles para su cuerda en Los cuentos de Hoffmann).
Debutó en la Ópera de París en 1933 cantando La condenación de Fausto, le seguirían Wotan (La Valkyria), Athanael, Mefisto (lo cantó 995 veces), Papageno, Leporello, Frère Laurent, Boris y Saint Bris.
A partir de 1942 se dedicó a la enseñanza en el Conservatorio de París (entre sus alumnos tuvo a Regine Crespin), pero no abandonó los teatros de ópera hasta su muerte.

Victor Hugo/Bizet - La coccinelle - Sylvia McNair/Cecilia Bartoli

No soy de los que al recordar el pasado se arrepienta de no haber actuado de esta o aquella manera. A lo hecho, pecho. Con la edad y la experiencia que vamos acumulando a lo largo de la vida, decepción tras decepción, nos volvemos menos ingenuos, más descarados, perdemos las vergüenzas acumuladas durante la pubertad. Esto ni es bueno ni es malo, es una fase más por la que hemos de pasar. "Sage ou fou, à seize ans, on est farouche". Todos, alguna vez, lamentamos haber perdido aquella inocencia y hay momentos en los que vuelve, pero la consecuencia es casi siempre la misma, un buen batacazo y un refuerzo en nuestra coraza. A menudo me pregunto, cuando escucho la canción de Bizet, qué hubiera pasado si el protagonista hubiera visto el beso en la boca antes que el insecto en el cuello, quizás se hubiera llevado un bofetón... quizás no... Lo peor que nos puede pasar cuando nos inhibimos de actuar de una forma determinada, más o menos acertada, es quedarnos con la duda de lo que hubiera podido ser y no fue. Lo más gratificante, por mi propia experiencia, es haber actuado conforme a tu conciencia, que algunas veces consiste en no hacer lo que los demás esperan que hagas, entonces, puede ser que descubras que te has equivocado, incluso es posible que aciertes, pero también lo es que aparezca la cruda realidad, las máscaras se caigan al suelo y contemples la putrefacción en los rostros de los demás, esto tiene un efecto beneficioso, y es que te permite ver dónde están los seres humanos de verdad. Si hay algo a lo que aspiro es a desaparecer un día de este mundo con la cabeza bien alta, con más o con menos amigos, pero con la conciencia tranquila. Ojalá lo consiga.

Vaya... qué trascendente me he puesto para presentar algo de tema tan intrascendente como la siguiente canción de Bizet.

La Coccinelle
Elle me dit: "Quelque chose
Me tourmente." Et j'aperçus
Son cou de neige, et, dessus,
Un petit insecte rose.

J'aurais dû — mais, sage ou fou,
À seize ans, on est farouche, —
Voir le baiser sur sa bouche
Plus que l'insecte à son cou.

On eût dit un coquillage;
Dos rose et taché de noir.
Les fauvettes pour nous voir
Se penchaient dans le feuillage.

Sa bouche fraîche était là:
Je me courbai sur la belle,
Et je pris la coccinelle;
Mais le baiser s'envola.

"Fils, apprends comme on me nomme",
Dit l'insecte du ciel bleu,
"Les bêtes sont au bon Dieu;
Mais la bêtise est à l'homme."

Paris, mai 1830.

Victor Hugo. (Les Contemplations, I, 15, 1856)

Este gracioso, erótico y naif poema fue puesto en música por Berlioz (también lo utilizaría Saint-Saëns) a ritmo de vals, lo podéis escuchar cantado por Sylvia McNair y por Cecilia Bartoli, dos interpretaciones antitéticas:

El canto francés (2) - Miguel Villabella (1892-1954)

Miguel Villabella nació en Bilbao el 20 de diciembre de 1892, su padre fue un famoso barítono en España y su primer referente canoro, en 1916 conoció al barítono francés Lucien Fugère, éste le invita a París y allí le da algunas lecciones de canto.

En aquella época llegó a ser recordman mundial en patines sobre ruedas al recorrer en una hora casi 29 kilómetros.

Volvió a España durante la Primera Guerra Mundial, tabajó con el citado barítono Lucien Fugère, debutando en un concierto en San Sebastián en 1917, cantando una selección de Rigloetto. Ese mismo año, finalizada la guerra, volvió a París, allí termina sus estudios con Jacques Isnardon, bajo y profesor de canto del Conservatorio de París, reforzando sus dotes innatas para la escena.

Su debut en una ópera tuvo lugar en Poitiers en 1918 cantando Cavaradossi, dos años después debutó en la Opéra-Comique como Spoletta.

Pronto triunfó como Gérald de Lakmé, en Le Postillon de Longjumeau, Almaviva, Daniel en Chalet, Rodolfo en La bohème, Des Grieux en Manon, Le roi d'Ys, El barbero de Sevilla, Mignon, Tosca, La Traviata, Mireille y sobre todo en Georges Brown de La Dame Blanche. Durante diez años, canta esta obra por todas partes, en el Trocadéro, en la Gaîte-Lyrique, en la Porte-Saint-Martin en 1932, 1934 y 1935, sin contar las emisiones radiofónicas a partir de 1928.

En la Ópera de París debutó cantando Madama Butterfly en 1928, le siguieron Faust, Rodolphe d'Orbel, Roméo, Rigoletto, La Traviata, El Barbero de Sevilla. Estrena Persée et Andromède (Ibert, 1929), Virginie (Bruneau, 1931) y La Illustre Fregona (Raoul Laparra, 1934).

En mayo de 1933 participó en la reposición de Don Giovanni (Ottavio), bajo la dirección de Bruno Walter y a la de Castor et Pollux de Rameau en 1935.

En Bruselas cantó algunas Manon en 1933 y en Monte Carlo desde 1930 participó en Una noche en Venecia (J. Strauss), Le domino Noir de Auber (Horace) y La Fille Madame Angot de Lecoq (Ange Pitou).

En el Maggio Musicale cantó Castor et Pollux en 1935, una de las pocas veces que salió de Francia.

Tras la Segunda Guerra Mundial se dedicó a la enseñanza, falleciendo en París el 28 de junio de 1954 tras una operación quirúrgica.

Villabella, a pesar de no ser francés, está considerado uno de los máximos exponentes de la tradición de canto francesa, fue un tenor lírico muy expresivo, destacando en la mezza-voce, sobre todo sus pianísimos, su control de la respiración y el empleo de la voz mixta ("voix mixte" o "voce di mezzo petto") emblemática en el canto francés. La voz mixta podría definirse como una técnica vocal que consiste en unir los registros de pecho y de cabeza sin que se note la ruptura entre ambos, permitiendo la misma intensidad y homogeneidad tímbrica en toda la tesitura del cantante, se discute si el mecanismo que la produce tiene que ver con la laringe o con los resonadores.

Seguidamente podemos escuchar:

1) Grisélidis (Massenet) : Prologue: Ouvrez - Vous sur mon front, portes du Paradis (Alain).
2) Le postillon de Longjumeau (Adam) : Assis au pied d'un hetre
3) La dame blanche (Boildieu): Viens, gentille Dame
4) L'amant jaloux (Gretry): Serenade de l'amant jaloux
5) Armide (Lully). Plus j'observe ces lieux

Palau de Les Arts - Homenaje a Puccini

Ciento cincuenta años del nacimiento de Puccini, un motivo como otro cualquiera para celebrar un concierto dedicado íntegramente al compositor de Lucca. El Auditorio Superior del Palau de Les Arts -¡ya le pondrían poner un nombre menos impersonal!- a reventar, estaban todos los que creen ser alguien en la vida social de esta ciudad provinciana, y entre ellos también estábamos muchos aficionados a la ópera. La expectación era máxima, Domingo en el podio y un plantel de jóvenes promesas junto cantantes ya consagrados más o menos puccinianos, la orquesta y coros titulares de Les Arts.

A pesar de que antes de comenzar se anunciaba por megafonía la afección gripal del tenor Roberto Alagna, no hubo sorpresas. En el intermedio me comentaban: "bueno... ya se sabe... los divos son así... son excusas", pero no, es cierto que Alagna estaba tocado, lo pude comprobar porque lo tuve muy cerca y vi lo mal que lo pasó, sus pequeñas toses y carraspeos imperceptibles para los que estaban situados en butacas más alejadas del escenario. A pesar de todo estuvo realmente bien ¡Qué digo! Estuvo maravillosamente bien. No sé si hay otro tenor como él en el panorama actual. La calidez de su fraseo, su legato, la naturalidad y belleza de su timbre... Sobre todo cuando se encuentra en su salsa, en su repertorio natural de tenor lírico. Es grande Alagna. Es la segunda vez que lo escucho en directo -la primera fue hace menos de diez días- y me sorprende su entrega en el escenario, su simpatía y la facilidad que tiene para emocionarse ante los aplausos del público, no me lo esperaba dadas las noticias que habitualmente tenemos de él y la frivolidad con que de él se habla en la prensa y en los foros. Se metió al público en el bolsillo. Junto con Flórez, que dio un recital en la Sala Principal el año pasado, ha sido el cantante que más éxito ha obtenido en la corta vida de este Teatro que tantos disgustos nos da. Es cierto que no tiene mucho estilo a la hora de vestir -qué chaqueta, camisa y cinturón más horteras, por Dios-, pero disfruté mucho y llegó a emocionarme ¿Qué más puedo pedir?

Otra cantante que me dejó con la boca abierta fue Violeta Urmana, podría haber estado escuchándola mil años seguidos (I could sleep for thousand years... jeje). No soy capaz de ponerle ni un pero, ni siquiera el de la frialdad, como mucho algún fallo de pronunciación con la "r".
Por Joan Pons han pasado los años y eso se nota, pero no es de esos cantantes que dan lástima, fue un gustazo escuchar al gran barítono español por una vez en la vida. Lo mismo vale para Devia, sensacional su dominio técnico.

La guapa soprano Virgina Tola

El resto estuvo correcto, entregada la búlgara Svetla Vassileva y correcta Daniela Barcellona, ambas cantando Suor Angelica (una ópera que está muy alejada de mi sensibilidad) y la argentina Virgina Tola, bella voz y bella soprano, que, profundizando un poco más en el perfil psicológico del personaje, puede hacer una gran Mimi.
Respecto a la dirección de Domingo, no aprecié ningún rasgo de genialidad. La elección de los fragmentos del programa me pareció excelente -con la matización indicada respecto a Suor Angelica- porque no produjo la sensación de una simple colección de arias sin ton ni son.

Respecto al Auditorio, escribía el otro día que quería esperar antes de pronunciarme, ya son tres los conciertos a los que he asistido y ya puedo aventurarme a decir algunas cosas. Lo primero es que me voy familiarizando con los amplios espacios del Palau de Les Arts, el primer día no descubrí ni el 10% del espacio que rodea la sala. Sí que hay guardarropía independiente (dos) además de los burros colocados en algunos pasillos, me encanta la idea de los dos espacios ajardinado en el exterior, allí la gente puede fumar a sus anchas (por el momento, porque no sé si la Ley Antitabaco lo permite), lo que el otro día me pareció un hall (no entendía su disposición tras la sala y no delante de ella) es la cafetería o pseudo-cafetería -una empresa de catering lleva la bebida y comida preparada de antemano-, necesita mobiliario -acogedores sofás o sillones, como en el Palau de la Música-, porque con las sillas que creo son de plástico no se sabe si estás en un una Sala de Espera de un Aeropuerto o en una sala de consultas de algún Ambulatorio de la Seguridad Social. Además de 6 rápidos ascensores hay grandes escaleras a uno y otro lado para acceder a la sala. Hay aseos suficientes pero en algunos se forman largas colas mientras el resto está vacío, convendría que se indicara mejor cómo llegar a ellos.

La acústica es buena, más cálida que la Sala Principal, si bien en ésta el sonido tanto orquestal como vocal está mucho más presente. El problema es que hay un ruido extraño no identificado, es decir, un RENI, algunos me dicen que es maquinaria, otros pensamos que es una especie de murmullo, casi imperceptible, del tráfico circundante. La apreciación de este sonido depende del lugar de la sala en que te sitúes y del silencio que haya en la misma, lo que está claro es que cuando la ocupación es del 100 % el mismo parece que no se percibe, también desaparece conforme va avanzando la noche y el tráfico exterior disminuye. Esta vez la orquesta tuvo espacio suficiente para colocarse sobre el escenario y sí se pudo pasar de un lado al otro del podio del director. Conclusión, que uno ya le va cogiendo cariño y se está preparando que su matrimonio con el Palau de les Arts sea lo más llevadero posible, nadie ni nada es perfecto.

Bueno... Y así es como lo vio este modesto aficionado a la ópera.


Para finalizar dos videos de Devia cantando dos piezas de Puccini, ambas se pudieron escuchar ayer en Les Arts:

El canto francés (1) - Jane Laval

Hoy comenzamos una serie de entradas que van a estar dedicadas a cantantes franceses o que se han dedicado de una manera especial al repertorio francés. Comenzamos con Jane Laval, una soprano nacida en Niza en 1894 que estudió en el Conservatorio de París, allí obtuvo el premio especial en 1916, debutó en la Opera de París con Castor et Pollux de Rameau, cantó en el Teatro Colón de Buenos Aires (Siebel, Stéphano de Roméo et Juliette, Frasquita y Ellen de Lakmé), también en la Ópera de Monte Carlo (Micaela y Nedda), en 1921 reapareció en París cantando Rebecca de Frack, le siguieron Guercoeur de Magnard, Brocéliande de Bloch, Padmâvati de Roussel, Emma en Khovanchina de Mussorgsky, Ännchen en Der Freischütz de Weber y Sophie en Der Rosenkavalier de R. Strauss. También llegó a cantar Elsa y Sieglinde. Fue también una destacada intérprete de conciertos, llegando a cantar en el funeral de Fauré. Como artista invitada participó en teatros como el Colón de Buenos Aires, el Liceu o el Covent Garden. Falleció en 1986.

Lo siento, pero no dispongo de más información sobre esta soprano, lo poco que he escrito lo he obtenido de www.cantabile-subito.de

Seguidamente se pueden escuchar tres temas cantados por Jane Laval:

1) "Revenez amours" de Thésée de Lully (grabación de 1930)

Thésée es una tragedia lírica en cinco actos y un prólogo, con música de Lully y texto de Quinault estrenada el 11 de enero de 1675 en Saint-Germain en Laye, ante el rey Sol. "Revenez, amours, revenez" es un aria que canta Venus en el Prólogo, la acción de éste transcurre en los jardines de Versalles y en ella la diosa suplica a los amores que regresen al lugar, pues sin ellos la belleza no puede existir.

2) "Tristes Apprets" de Castor et Pollux de Rameau (grabación de 1930)

Castor et Pollux es una tragedia lírica también en cinco actos y un prólogo, compuesta por Rameau con libreto de Peirre-Joseph Gentil-Bernard. Estrenada en la Ópera de París el 14 de octubre de 1737.

Al inicio del primer acto el pueblo de Esparta ante la tumba de los reyes de Esparta llora la muerte en combate de Cástor, su rey. Éste ha muerto ante Linceo por una disputa sobre el amor de Télaïre, hija del sol. Ésta también se lamenta de la muerte de su amado en el aria "Tristes Aprrets", mientras tienen lugar los preparativos para el funeral.

3) Pie Jesu del Requiem de Faure.

Uno de los réquiems más famosos es el Requiem en re menor op. 48 de Gabriel Fauré, se estrenó en la Iglesia de la Maddeleine en 1888, el fragmento más popular de esta misa de réquiem es el Pie Jesu, interpretado por la soprano, destaca por la pureza y sinceridad de su melodía y profunda religiosidad.

En realidad no es muy representativo del canto francés en cuanto está cantado en latín pero tengo tan pocas cosas de esta soprano y la interpretación me parece tan sentida que no me he resistido a ponerla.

Coma lírico

Esta mañana he estado en el médico, no me había levantado demasiado bien, dolor de cabeza, pérdida de apetito, somnolencia. Doctor, le he dicho, creo que tengo depresión. Nada de eso, me espetó, usted está perfectamente, lo único que le pasa es que tiene lo que se conoce como "coma lírico", vaya a su casa, enchufe el equipo de música y póngase lo que quiera pero olvídese de tenores, sopranos, barítonos y bajos por un día, que se le limpien los oídos, verá como mañana se encuentra mucho mejor. Así que le estoy haciendo caso y no he hecho en todo el día otra cosa que escuchar conciertos, sinfonías y también algo de música pop-rock. Hoy dos temas, uno, el de Bach, me lo dedico a mí mismo, es lo más parecido a la Velvet que he encontrado en música clásica, y el otro a Titus, que me lo ha hecho recordar estos días con sus posts sobre la Velvet:

Ayer lo decía y hoy lo reitero

¿Cómo es posible que me encuentre con esta información publicada en la página de ABC? ¿Tengo que esperar al día del concierto para enterarme definitivamente de quién va a cantar? ¿Quién se encarga de filtrar esas informaciones que seguramente son falsas?:

Plácido Domingo: «Todo en Puccini tiene razón de ser»

ABC

VALENCIA. Plácido Domingo expresó ayer su satisfacción por poder participar en el Concierto Extraordinario de Homenaje a Puccini que se celebrará mañana en el Palau de les Arts. El tenor aseguró que interpretar el repertorio de Puccini siempre le motiva e inspira, porque en la obra de este autor «todo tiene razón de ser».

En la Gala Puccini programada por el coliseo valenciano Plácido Domingo dirigirá, al frente de la Orquestra de la Comunidad Valenciana, a algunas de las estrellas líricas internacionales más aclamadas por sus interpretaciones del repertorio pucciniano, entre las que figura Roberto Alagna, Mariella Devia, Violeta Urmana, Daniela Barcellona, Silvia Vázquez, Svetla Vassileva, Vincente Esteve, Juan Pons, Pietro Spagnoli, Rafael Bosca y Nahuel di Pierro.

El programa incluye arias, duetos y fragmentos de las piezas más conocidas del italiano, como «Manon Lescaut», «La Bohéme», «Suor Angelica», «Turandot» o «Tosca».

Palau de les Arts - No se merece el público que tiene

Yo no sé si es por falta de transparencia, por improvisación o una mezcla de las dos cosas pero el Palau de les Arts me está produciendo sensación de cachondeo, no ha dejado de modificar su programación durante los últimos meses, y no lo digo por los cambios forzosos que impusieron las inundaciones, ni por el hecho de que aumente la programación, que en sí es positivo, sino por la falta de información a la que estamos sometidos. Primero fue el Requiem de Verdi en el que debía intervenir Roberto Alagna, se sustituyó poco antes de salir las entradas a la venta por Vittorio Grigolo y aparecía una nueva obra con el famoso tenor, la de su hermano: Le dernier jour d'un condamné en la que debía cantar también Gheorghiu, ésta desapareció no sé muy bien por qué -según su marido por no haber tenido tiempo para aprender su parte-.

Pero eso no es todo, el próximo miércoles 20 de febrero hay una Gala Puccini que dirigirá Plácido Domingo de la que no tuvimos datos de los intérpretes hasta el mismísimo mes de febrero (algunos de los nombres que en principio se barajaban desaparecieron, tal es el caso de Dessi), saber el programa del concierto ya sería pedir demasiado. Ayer me enteré de casualidad -como estoy acostumbrado a que aparezcan espectáculos como surgidos de la nada ya he adquirido la costumbre de pasarme por la página cada dos o tres días- que se hacía una "Noche barroca" con la mezzosoprano Cristina Faus y el contratenor Fabio Oliver el próximo 25 de febrero, con obras de Haendel, Gluck, Rossini, Vivaldi, Paisiello, Cesti, A. Scarlatti, Caldara y Marcello, yo encantado, sobre todo por el precio: 10 euros, pero es que ayer mismo todavía no se podían adquirir localidades -si estos conciertos ya de por sí son minoritarios sólo les faltaba no darles publicidad y dificultar la venta de entradas-. No podría haber menos improvisación, o al menos intentar no trasmitirla si es que no la hay. Faltan cuatro meses para el Festival del Mediterráneo y todavía no sabemos cuándo saldrán a la venta las entradas. Por si fuera poco he leído en el periódico Levante-EMV que Santiago Calatrava ha pedido que cierren el edificio durante los meses de julio y agosto porque necesita hacer obras por enésima vez. Menos mal que se están ofreciendo espectáculos de calidad, es lo que el sufrido público de este teatro se merece porque está respondiendo muy, pero que muy bien.

Callas y Ponselle que vienen de la mano.

Hay dos sopranos que era inevitable que un día u otro aparecieran por aquí, y seguramente lo harán más veces, pero siempre hay una primera vez, y para esta primera vez lo van a hacer de la mano, como no necesitan presentación no la van a tener, basta con decir que ambas fueron las intérpretes más completas del siglo XX en el repertorio italiano del siglo XIX, sin ningún género de dudas, es una opinión personal pero, hoy por hoy, lo considero indiscutible.

Y el fragmento escogido pertenece a una ópera de Gasparo Spontini estrenada en 1807 en la Opera de Paris, La Vestale, con libreto de Etienne de Jouy escrito primero para Boieldieu y después rechazado por Méhul, se trata del aria de Giulia "O Nume tutelar". Es una plegaria que entona la sacerdotisa de Vesta -condenada a ser enterrada vida por su amor culpable con un general romano, Licinio- en la cual Giulia ruega a la diosa que Licinio no corra con la misma suerte que ella.
La soprano debe exhibir un canto ligado y un fraseo inmaculado, que pongan en evidencia la nobleza y belleza de una melodía que en el fondo es muy simple, con algunos descensos a la zona grave que si no se efectúan adecuadamente pueden afear el conjunto. Ambas versiones me gustan pero si tengo que elegir una me quedo con la de Ponselle, tiene mil y un matices.

Ponselle la llevó al Metropolitan de Nueva York con Serafin en 1925 y Callas a La Scala en 1955 con Rossi-Lemeni.

Haendel - Orlando en Les Arts (3) -Eduardo López Banzo

La primera vez que vi a Al Ayre Español y López Banzo fue en la Catedral de Valencia, si no recuerdo mal fue con La Resurrezione de Haendel, nunca me gustó asistir a los conciertos que se dan en este recinto, el sonido es pésimo, muy sucio, pero aquella vez fue aún peor. Resulta que en la plaza de la Virgen, donde da la portada de los Apóstoles de la catedral, había una manifestación, mitín, congregación, no recuerdo muy bien qué, de un grupo político de corte radical, y para animar el ambiente habían contratado a un grupo rock, lo que pudimos escuchar en el templo fue una extraña mezcla entre guitarras eléctricas y música de Haendel, fue horrible. A pesar de todo López Banzo estuvo aguantando como un jabato hasta el final del concierto, me gustaría saber qué es lo que pasaba por su mente aquella tarde.

No es muy habitual para el público valenciano encontrarse con un músico español con cierto prestigio internacional en una de las producciones del Palau de Les Arts, Eduardo López Banzo (Zaragoza,1961) es la excepción. El aragonés, alumno de Gustav Leonhardt, fundó Al Ayre Español en 1988, un conjunto especializado en la música barroca. Comenzó muy fuerte gracias a un contrato con Harmonia Mundi que le permitió dar a conocer, tanto en nuestro país como en el exterior, la música española del XVIII. López Banzo tenía miedo a que se encasillara al grupo en el repertorio español y poco a poco ha ido ensanchando su repertorio (Scarlatti, Bach, Haendel, Vivaldi, Haydn, Mozart). Acaba de dirigir Così fan tutte en Bilbao y, tras Orlando, viajará a Bruselas con La Pasión según San Mateo en el Bozar, mientras que en el Festival de Halle -uno de los más prestigiosos para los aficionados haendelianos- y en París interpretará óperas de Haendel, Rodrigo -ópera que ha grabado recientemente para el sello Ambroisie/Naïve- y Amadigi respectivamente.

Reconoce que una orquesta como la del Palaú de les Arts no es la ideal para interpretar el repertorio barroco, prefiere interpretaciones con instrumentos históricos, por eso se ha llevado algunos músicos de Al Ayre Español a Valencia, sin embargo no duda en afirmar que con la calidad de la orquesta y lo rápido que aprenden sus músicos -esto lleva camino de convertirse en un tópico de tanto que se dice- tampoco representa un problema.

No es la primera vez que López Banzo se enfrenta a una ópera de Haendel, ha trabajado en Rodrigo, Amadigi y Giulio Cesare, pero sí será la primera que lo ha hecho con Orlando.

Seguidamente se puede escuchar a la mezzo Maria Ricarda Wesseling interpretando un aira de Amadigi, "Sento la gioia", con López Banzo a la batuta. En este aria Haendel hace una gloriosa mezcla del estilo italiano con elementos del estilo inglés de Purcell y Blow:

¡Estos arquitectos! - Sin palabras

"El señor Calatrava se olvidó de que un telón sería buena idea"

Francisco Negrín (director de escena de Orlando de Haendel en el Palau de les Arts).

Strauss - Sinfónica de Chicago - Solti - Popp: Engranaje perfecto.

A riesgo de ser monónoto, pues tanto los Cuatro últimos lieder como Lucia Popp ya han aparecido por el blog, no puedo resistir la tentación de dedicarles otro post.

Una combinación espectacular: Sinfónica de Chicago, Solti, Popp y los Viert Letzte Lider de Richard Strauss, considerados por Solti como “milagrosos”. Todo funciona a la perfección. Una interpretación muy emotiva.

Cuenta Solti en sus memorias que a pesar de que sólo estuvo tres veces con Richard Strauss, tuvo una influencia decisiva en su vida profesional. Cuando lo conoció hacía poco que a había compuesto las Cuatro últimas canciones y quedaba muy poco tiempo para que llegara su muerte. El célebre director húngaro dirigió en su funeral el trío final de El caballero de la rosa (Der Rosenkavalier) tal como el compositor había indicado en su testamento y la Marcha fúnebre de la Sinfonía número 3, "Heroica", de Beethoven.

La Orquesta Sinfónica de Chicago es una de las más antiguas de Estados Unidos, sus directores han sido Theodore Thomas (desde su fundación en 1891 hasta 1904), Frederick Stock (1904-42), Désiré Defauw (1943-47), Artur Rodziński (1947-48), Rafael Kubelík (1950-53), Fritz Reiner (1953-63), Jean Martinon (1963-68), Georg Solti (1969-91) y Daniel Barenboim (1991-2006). La lista de directores invitados es impresionante: el mismo Richard Strauss, >Saint-Saëns, Elgar, Slatkin, Previn, Tilson Thomas, Bernstein, Stokowski, Leinsdorf, Ormandy, Szell, Munch, Giulini, Abbado, Boulez...

Lucia Popp, una de las cantantes cuya muerte más me ha impactado, un poco por su carácter prematuro y otro poco porque fue una de las primeras de las que fui consciente como aficionado a la ópera, empezó su carrera estudiando medicina pero la abandonó para dedicarse al teatro. Durante una representación de El burgués gentilhombre de Molière la escucho cantar una profesora de canto, Hrusovska-Pronsenkova, e inmediatamente le ofreció sus servicios, lo que supuso un vuelco en su vida profesional: terminó estudiando en la Academia de Música de Bratislava y en esta ciudad debutó con 23 años interpretando la Reina de la Noche en La Flauta Mágica (Die Zauberflöte). Poco después la escuchó Karajan y la contrató para cantar en la Ópera de Viena, allí comenzó cantando Barbarina en Le nozze di Figaro, le siguió la Reina de la Noche, su éxito fue apoteósico, desde entonces se la considera una de las mejores Reinas de la Noche de todos los tiempos (tampoco es fácil encontrar Paminas que esten a su altura). Walter Legge, que de tonto no tenía un pelo, se la recomendó a Klemperer para su registro de Die Zauberföte en EMI (1964). Cuentan que en la audición con Legge, su esposa, Elisabeth Schwarzkopf exclamó: "What a fantastic creature you are!".

Su repertorio estaba centrado sobre todo en cinco autores: Mozart (Reina de la Noche, Barbarina, Zerlina, Susanna, Despina, Pamina, Ilia, Servilia), Richard Strauss (Sophie, Marschallin, Arabella, la Condesa de Capriccio), Janacek, Dvorak y Mahler. Tambien se dedicó al repertorio barroco (Bach y Haendel) y al lied.

Su voz sufrió una evolución natural desde la tesitura de soprano lírico-ligera hasta la de lírica, pero sin que podamos decir que sufriera ningún deterioro notable en el registro superior. Su timbre, muy penetrante, brillante, me parece más plateado que dorado, su voz, homogénea, sin cambios de color entre los diferentes registros. Su dicción muy cuidada y su canto muy elegante, ligado y expresivo.

Elisabeth Grümmer - Weber. Der Freischütz (El cazador furtivo)

Hoy no he tenido tiempo para escribir una entrada nueva, menos mal que tengo algunas guardadas en la recámara, Elisabeth Grümmer es una cantante que ya ha aparecido en el blog y seguro que vendrá a visitarlo muchas veces más. Esta soprano alemana, cuyo timbre y musicalidad rozaban lo sobrenatural, nació en Niederjetz (Lorena) el 31 de marzo de 1911, falleció hace ya veintiún años en Warendorf/Nordrehein-Westfalen el 6 de noviembre de 1986. En su juventud asistió a clases de teatro en Meiningen y como cantante fue descubierta relativamente tarde por Karajan, que quedó impresionado por su voz, Elisabeth, aconsejada por éste, decidió tomar lecciones de canto, pero el que sería famosísimo director quiso contar con ella desde el principio. En 1940 hizo de una de las Muchachas Flor en Parsifal y en 1941, en el Teatro Municipal de Aquisgrán cantó Oktavian. En 1942 y hasta 1944 fue contratada por la Ópera de Duisburgo como soprano principal para interpretar roles líricos.

En 1944, a consecuencia de un bombardeo, falleció su marido, el violinista Detlev Grümmer y nuestra soprano, para subsistir, tuvo que ponerse a trabajar como empleada de correos hasta que acabó la guerra.
Terminada la guerra los teatros volvieron a entrar en actividad, en 1946 firmó un contrato con la Deutsche Oper (entonces llamada Städtische Oper Berlin), estaría vinculada a ella hasta 1972, año de su retirada.
Durante la postguerra se la empezó a conocer en el resto de Europa y canta en la Scala, la Ópera de Roma, la Monnaie, el Covent Garden, las Óperas de Viena, Munich y Hamburgo, la de París y en America el Teatro Colón de Buenos Aires. Debutó el rol de Eva de Los Maestros Cantores en Londres (1950), cantó en los festivales de Salzburgo (debut en 1953) y Glyndebourne (1956), en el Festival de Bayreuth en 1957 (allí cantó cada año hasta 1961 los papeles de Elsa, Eva, Freia y Gutrune).
A partir de 1965 fue profesora del Conservatorio de Berlín, también enseñó en Hamburgo trasladándose finalmente a la Escuela de Canto de la Ópera de París invitada por Bernard Lefort. Debutó en la New York City Opera en 1967 (La Mariscala de El caballero de la rosa) y al año siguiente en el Met (Elsa de Lohengrin).

No sólo fue una excelente cantante, fue también una gran intérprete dramática, sin duda a consecuencia de sus inicios en el mundo del teatro. Destacó especialmente en la música de Mozart y de Richard Strauss. Su repertorio fue bastante limitado: Pamina (La Flauta Mágica), Donna Anna (Don Giovanni), Ilia y Elettra (Idomeneo), la condesa Almaviva (Las bodas de Figaro), Agathe (Der Freischütz), Hänsel (Hänsel und Gretel), Oktavian y la Mariscala (Der Rosenkavalier), condesa Madeleine (Capriccio), Eva (Los Maestros Cantores), Elsa (Lohengrin), Elisabeth (Tannhäuser), Gutrune (El ocaso de los dioses), Freia (El oro del Rhin) , Desdemona (Otello), Ellen Orford (Peter Grimes, en alemán). Su despedida de los escenarios la hizo cantando la Mariscala en la Deutsche Opera en 1972. También destacó como liederista y como intérprete de las pasiones de Bach o el Réquiem Alemán de Brahms.

No fue una cantante mediática, desgraciadamente no hay demasiados testimonios discográficos de su arte y muchos de ellos no fueron realizados cuando Grümmer estaba en sus mejor condición vocal (por ejemplo los Cuatro últimos lieder de R. Strauss, grabados en 1970), por si fuera poco tuvo la desgracia de coincidir en el tiempo con cantantes como Elisabeth Schwarzkopf, Lisa della Casa, Irmgard Seefried y Sena Jurinac.

Su timbre era bellísimo fresco, dulce, juvenil, y su estilo de canto, muy natural, sin amaneramientos o artificios, pero a la vez aristocrático, ligado, con una musicalidad innata y excelente dicción, capaz de transmitir la emoción interior de los personajes que interpretaba. Pero no era la de Grümmer exclusivamente una voz simplemente exquisita, fue también una gran intérprete dramática, era sin duda una consecuencia lógica de sus inicios en el mundo del teatro.

No hay en Grümmer un personaje que destaque con meridiana claridad sobre los demás, no fue una de esas sopranos que se dedican a ir acumulando roles sin ton ni son por un mero papel coleccionista o váyase usted a saber para qué, es por ello que Grümmer es prácticamente uno de las referentes en cada uno de los papeles que interpretó y nos cuesta seleccionar uno en particular, puede que entre los aficionados a la ópera los más populares sean tres: Donna Ana, Elsa y Agathe.

Der Freischütz

Der Freischütz (El cazador furtivo) es una ópera de Carl Maria von Weber estrenada en Berlín el 18 de junio de 1821, la acción transcurre en un pueblo de Bohemia durante el siglo XVI. La obra narra los avatares de un cazador (Max) que, con el objeto de ganar una prueba de tiro gracias a la que otendrá la mano de su amada (Agathe), acepta las balas mágicas que le ofrece un compañero (Kaspar) dominado por las fuerzas del mal; con ellas podrá alcanzar su diana sin errar. Para que le sean entregadas por Samiel (el diablo) debe asistir con Kaspar a un rito en la Garganta del Lobo, donde recibe siete balas, la última de las cuales está controlada por Samiel, aunque Max lo ignora. Durante el concurso de tiro, el príncipe ordena a Max abatir una paloma con la última bala que le queda: la séptima. El cazador dispara y cae Agathe, pero en realidad es Kaspar quien resulta mortalmente herido. Arrepentido por haber intentado pactar con fuerzas sobrenaturales enemigas, es perdonado gracias a la intercesión de un ermitaño (fuerzas del bien) y puede casarse felizmente con Agathe.

Elisabeth Grümmer como Agathe: "Wie nahte mir der Schlummer... Leise, leise Frome Veise!": Estamos en el segundo acto, Agathe, hija del guardabosque mayor del príncipe, Kuno, está en casa despierta, sus preocupaciones no la dejan dormir y son debidas al extraño comportamiento de su prometido Max. Abre la puerta del balcón y sale al exterior, confiesa a la noche estrellada cuánto desea ver a su amado. De pronto, entre las sombras aparece éste, la muchacha le hace señas con un pañuelo blanco, la alegría le inunda:

Der Freischütz

Szene II
Agathe (Arie)
Wie nahte mir der Schlummer,
Bevor ich ihn gesehn?
Ja, Liebe pflegt mit Kummer
Stets Hand in Hand zu gehn!
Ob Mond auf seinem Pfad wohl lacht?
Welch schöne Nacht!

Leise, leise, Fromme Weise!
Schwing dich auf zum Stemenkreise.
Lied, erschalle! Feiernd walle
Mein Gebet zur Himmelshalle!
O wie hell die goldnen Sterne,
Mit wie reinem Glanz sie glühn!
Nur dort in der Berge Ferne
Scheint ein Wetter aufzuziehn.
Dort am Wald auch schwebt ein Heer
Dunkler Wolken dumpf und schwer.
Zu dir wende Ich die Hände,
Herr ohn' Anfang und ohn' Ende!
Vor Gefahren
Uns zu wahren
Sende deine Engelscharen!
Alles pflegt schon längst der Ruh?
Trauter Freund, wo weilest du?
Ob mein Ohr auch eifrig lauscht,
Nur der Tannen Wipfel rauscht;
Nur das Birkenlaub im Hain
Flüstert durch die hehre Stille;
Nur die Nachtigall und Grille
Scheint der Nachtluft sich zu freun.
Doch wie? Täuscht mich nicht mein Ohr?
Dort klingt's wie Schritte!
Dort aus der Tannen Mitte
Kommt was hervor!
Er ist's! Er ist's!
Die Flagge der Liebe mag wehn!
Dein Mädchen wacht
Noch in der Nacht!
Er scheint mich noch nicht zu sehn!
Gott, täuscht das Licht
Des Monds mich nicht,
So schmückt ein Blumenstrauß den Hut!
Gewiß, er hat den besten Schuß getan!
Das kündet Glück für morgen an!
O süße Hoffnung, neu belebter Mut!
All meine Pulse schlagen,
Und das Herz wallt ungestüm,
Süß entzückt entgegen ihm!
Konnt'ich das zu hoffen wagen?
Ja, es wandte sich da Glück
Zu dem teuren Freund zurück,
Will sich morgen treu bewähren!
Ist's nicht Täuschung? Ist's nicht Wahn?
Himmel, nimm des Dankes Zähren
Für dies Pfand der Hoffnung an!

Trío: Elisabeth Grümmer (Agathe), Lisa Otto (Ännchen) y Rudolf Schock (Max) - Acto 2: "Wie Was Entsetzen".

Seguidamente llega Max y comunica a Agathe y a su prima Ännchen, que ha recobrado la puntería y que debe ir a la Garganta del Lobo a buscar un ciervo que hirió por la tarde. Ellas se oponen alegando que allí mora el cazador enviado por el demonio para tentar a la gente del pueblo pero Max se marcha ya que es parte de su deber el recoger todas las piezas cazadas:

Agathe
Wie? Was? Entsetzen!
Dort in der Schreckensschlucht?

Ännchen
Der wilde Jäger soll dort hetzen,
Und wer ihn hört, ergreift die Flucht.

Max
Darf Furcht im Herz des Weidmanns hausen?

Agathe
Doch sündigt der, der Gott versucht!

Max
Ich bin vertraut mit jenem Grausen,
Das Mitternacht im Walde webt,
Wenn stummbewegt die Eichen sausen,
Der Häher krächzt, die Eule schwebt.

Agathe
Mir ist so bang, o bleibe!
O eile nicht so schnell!
Mir ist so bang!

Ännchen
Ihr ist so bang, o bleibe!
O eile nicht so schnell!

Max
Noch trübt sich nicht die Mondenscheibe,
Noch strahlt ihr Schimmer klar und hell;
Doch bald wird sie den Schein verlieren...

Ännchen
Willst du den Himmel observieren?
Das wär, nun meine Sache nicht!

Agathe
So kann dich meine Angst nicht rühren?

Max
Mich ruft von hinnen Wort und Pflicht!

Agathe, Max, Ännchen
Leb wohl! Lebe wohl!

Max
Doch hast du auch vergeben
Den Vorwurf, den Verdacht?

Agathe
Nichts fühlt mein Herz als Beben,
Nimm meiner Warnung acht!

Ännchen
So ist das Jägerleben!
Nie Ruh?bei Tag und Nacht!

Agathe
Weh mir, ich muß dich lassen!
Denk an Agathes Wort!

Max
Bald wird der Mond erblassen,
Mein Schicksal reißt mich fort!

Ännchen
Such, Beste, dich zu fassen!
Denk an Agathes Wort!

La Reverdie - Insula Feminarum

No tengo ni idea de musica antigua, medieval, renacentista o como la queráis llamar. Pero a veces, por esas casualidades que se dan en la vida, coincides en un momento y un lugar con determinada música, y ocurre que salta la chispa. Y eso es lo que pasó con un tema que aparecía en un disco de La Reverdie llamado Insula Feminarum. Me apunté los datos del tema y los intérpretes y en cuanto pude me hice con el CD, luego resultó que para mí era casi imposible escucharlo de un tirón, no estoy acostumbrado a estos sonidos medievales. Como quiera que es un disco dedicado a la concepción mítica de la mujer en la Edad Media le va que ni pintado a este blog.

El tema que me cautivó es "Nobilis humilis Magne martir" (Anónimo de las Orcadas, siglo XII), una oración a San Magnus Erlendsson, un gobernante de las Islas Orcadas de etnia noruega, cuyo asesinato por su primo Haakon Palson se consideró un martirio, venerado como santo desde su muerte en el siglo XII, no fue canonizado por la Iglesia hasta el siglo XIX. En el texto se hace referencia a su matrimonio con una joven esposa de rango real, inocente y casta.

Según se dice en el librito del CD es un reflejo medieval de un mito celta, y por lo tanto pre-cristiano, de procedencia irlandensa que hace referencia a Banflaith, una "Señora maravillosa del más allá", cuyo beso, su amistad carnal o sus atenciones, en el sentido amplio de la palabra, hacen que un mortal sea automáticamente elevado al rango de los reyes, de puente con lo sobrenatural. En este sentido los reyes no serían tales sino en tanto que son esposos de una diosa que, encarnada o no en una reina mortal, es la verdadera dueña del reino. Pero yo lo traigo aquí por la música. Pongo el texto porque él mismo es pura música.



Nobilis humilis
Magne martir
stabilis abilis utilis
comes venerabilis
et tutor laudabilis
tuos subditos
serva carnis fragilis
mole positos.

Preditus celitus
dono Sancti
Spiritus vivere temere
summa caves opere
carnis motus premere
studes penitus
ut carnis in carcere
regnet spiritus.

Socia regia
tibi viri
nescia traditur subditur
casta casto iungitur
nam neuter illuditur
sic decennio
rubente non coburitur
in incendio.

Turbidus invidus
hostis Haco
callidus struere genere
tua sibi subdere
te cupit et prodere
doli spicula
iuncta fraude fede
paci efecto.

Gravia tedia
ferens pro iusticia
raperis terreris
donec ictu funeris
abymis extolleris
ad celestia
sic Christo coniungeris
per supplicia.

Pura gloria
signorum frequentia
canitur agitur
Christus benedictur
et tibi laus redditur
in ecclesia
o quam felix cernitur
hinc Orchadia.

Gentibus laudibus
tuis insistentibus
graciam veniam
et eternam gemmam
precuum preinstanciam
propter optime
hac salvans familiam
a dicrimine.
Amen.

La Reverdie es un grupo italiano formado a mediados de los años ochenta por dos parejas de hermanas, en "Insula Feminarun" participan dos miembros más. Se dedican sobre todo a la música medieval. El disco se grabó en 1997.

Le dernier jour d'un condamné de los Alagna en Les Arts

Hoy he tenido triple estreno, era la primera vez que visitaba el Auditorio Superior del Palau de les Arts. La sala es impresionante, la sensación es que estás dentro de un esqueleto de una ballena o un dinosaurio. Un gran panel de cerámica la preside en su parte posterior, pero no es muy funcional: los accesos son a través de tres ascensores (supongo que también se podrá subir por las escaleras pero hoy estaban cerradas por una cinta, así que no lo he podido comprobar), el escenario no es muy grande, la orquesta cabe a duras penas, los cantantes para saludar no podían circular cómodamente ya que el podio del director se lo impedía, el acceso a la sala me ha parecido muy estrecho y no hay espacio destinado a guardarropía, así que en medio del pasillo han colocado un perchero con ruedas y una azafata.
En cuanto a la acústica me ha parecido extraña pero prefiero no pronunciarme hasta asistir el viernes al concierto a "capella" y días después a la Gala Puccini.

También era la primera vez que escuchaba a Roberto Alagna en directo y que se representaba Le dernier jour d'un condamné, la ópera de Roberto, Frédérico y David Alagna, en España. Está basada en la obra homónima de Victor Hugo, escrita cuando tenía tan solo 26 años, y se estrenó en el Teatro de los Campos Elíseos el pasado 8 de julio de 2007, la dirección musical ha corrido a cargo de Franck Villard.

¿Realmente tiene sentido en pleno siglo XXI componer una ópera contra la pena de muerte? El rechazo que produce la pena capital en la sociedad occidental es tal que yo creo que no. Cuando Victor Hugo comenzó a escribir su libro hacía un año que se había ejecutado a un hombre tan joven como él, este hecho le impactó profundamente, tuvo que pasar más de un siglo para que la abolición de la pena de muerte fuera una realidad en Francia. Dice mucho más contra la abolición de la pena de muerte el final de Fidelio, entendido en su contexto histórico, que la ópera de los Alagna, y eso que en la ópera de Beethoven no hay ni una sola alusión directa a la pena capital. Es un tema que el público al que va destinada la ópera tiene más que superado, no genera ningún tipo de debate social en los países de nuestro entorno. Pero es un tema que da mucho juego dramático, escuchar al coro gritar “¡Condenado a muerte! ¡Condenado a muerte!” no deja de impresionar.

Los protagonistas principales de la ópera son un hombre y una mujer, ambos condenados a muerte pero en épocas distintas, él vive en la primera mitad del siglo XIX y ella en los primeros años del siglo XXI. La vida ha evolucionado mucho entre uno y otro tiempo pero hay cosas que no han cambiado, y eso es lo que parece que quieren decir los Alagna, pero, como ya he explicado, yo creo que no es del todo cierto.
A lo largo de la obra van apareciendo temas que a mí me parecen muy manidos, la lentitud de la burocracia, la lejanía de la justicia, la hipocresía de la religión, la añoranza de la libertad, la pérdida de la familia, la soledad, el miedo a lo desconocido... Todo aderezado con una música que recuerda a Cyrano de Alfano, a Debussy, al versimo y también a Glass y rematado con dos arias de lucimiento -una para ella y otra para él- y un final muy efectista.

La ópera de David Alagna tiene un marcado carácter oratorial y es posible que funcione mucho mejor en versión concierto que sobre el escenario, la verdad es que no tengo mucho interes en comprobarlo.

Debo decir que no me lo he pasado mal, no me he aburrido, ha habido momentos en los que he disfrutado, es un placer tener a Alagna cantando a sus anchas una parte hecha a su medida, entregado, convencido en lo que hacía, sólo por eso ya ha valido la pena estar ahí. Erwin Schrott se ve que no estaba en buenas condiciones vocales ya que de los cinco papeles que tenía previsto cantar (Primer Forzado, El Cura, Un Desahuciado y El Verdugo) sólo ha cantado el Desahuciado, en el resto ha sido sustituído por el barítono Richard Rittelmann, que ha estado bien pero que no ha dado el juego que podría haber dado Schrott -ha bordado el papel del Desahuciado con sus dotes histriónicas-. También me ha gustado Nathalie Manfrino -Roxane en el Cyrano en DVD de Deutsche Grammophon-, aunque tampoco ha sido como para lanzar cohetes, la próxima primavera sacará un disco de arias francesas para el sello Decca. Bien el Coro Filarmónico de Praga y correcta la dirección de Franck Villard.
Aunque la sala del Auditorio superior de Les Arts tenía numerosos huecos, ha sito un éxito total, el público se ha mostrado muy caluroso con Alagna, el tenor lo ha querido derivar hacia su hermano, pero lo cierto es que sin aquél no creo que la ópera vaya a ningún sitio.

Y así es como yo lo he visto.

Laurie Anderson - Made in America

"Si hablás, te cortan. La gente tiene miedo. Hicimos una lectura de la Constitución de EE.UU. con varios artistas. Tres días después, los que participamos fuimos avisados de una inspección de impuestos, revisando cada centavo. ¿El gobierno presionando gente? ¡Oh, no, cómo se le ocurre, no sería democrático! ¡Y por leer la Constitución! Pero sé que no soy la única que piensa que hay algo mal, que se da cuenta de que esta no es una cultura de consumidores felices. Esa desesperación no se expresa libremente, pero no quiere decir que no exista. Las cosas a veces funcionan de un modo más reposado, pero dejan su marca. Hace treinta años, Bob Dylan no era un número uno, pero cantaba cosas que representaban otra opinión. Y eso quedó."

Esta artista de vanguardia nacida en Illinois siempre me ha gustado por una cuestión que tiene relación con lo que considero el principal problema del arte de vanguardia contemporáneo: su distanciamiento de la sociedad. Laurie Anderson ha sabido encontrar ese punto de equilibrio entre lo intelectual y hermético y lo popular. No es ajena al momento histórico en el que vive y en su obra hay referencias a los principales problemas de de nuestra sociedad: el sexo, al amor, a la guerra, a los problemas humanos del desarrollo tecnológico, al exceso de información, al poder, a las diferencias entre las distintas naciones. Uno de los grandes problemas del arte es el de su perdurabilidad en el tiempo, el trabajo de Laurie Anderson no sólo está perdurando en el tiempo sino que ha ido evolucionando con él, no hay más que analizar el tema "O Superman", no ha perdido nada, al contrario, con el devenir de los acontecimientos siempre ha sido más y más actual, hasta el punto de que se podría decir que se ha anticipado a ellos.

Laurie Anderson comenzó en los años setenta tras estudiar escultura e historia de arte, una de sus primeras actuaciones consistía, en pleno verano, en interpretar música en un violín especial mientras patinaba sobre una superficie de hielo, la música duraba lo mismo que lo que tardaba el hielo en derretirse. Pero se hizo famosa mundialmente en los años ochenta tras publicar un trabajo discográfico, Big Sciencie, cuyo single "O Superman" llegó a alcanzar los primeros puestos de las listas de discos en Inglaterra. Es una artista polifacética, no sólo se dedica a la música y a la escultura, también es cantante, fotógrafa, escritora, profesora y crítica de arte en revistas especializadas, incluso se atreve con la danza en sus espectáculos, se dedica por lo tanto a las artes audiovisuales en general.

Su trabajo se caracteriza por el empleo de la tecnología más actual en sus performances y por el desarrollo e investigación de nuevas herramientas creativas, hecho que no le impide ser crítica con la actual sociedad de la tecnología.

Sus trabajos multimedia más famosos son United States I-V (1983), Empty Places (1990), The Nerve Bilbe (1995) y Songs and Stories for Moby Dick (1999).

Su discografía fundamental es la siguiente:
- Big Science (1982)
- Mister Heartbreak (1984). Con este disco es con el que la conocí yo, en él colaboraba Peter Gabriel.
- Banda sonora de su propia película Home of the Brave (1986)
- Strange Angels (1989)
- Bright Red (1994)
- The Ugly One with the Jewels (1995)
- Life on a String (2001)
- Live in New York (2002)
- Homeland (2007-2008)

También ha colaborado componiendo temas para películas de Win Wenders y de Jonathan Demme, para obras de teatro y de danza.

Nombrada como primera artista en residencia en la NASA realizó el performance "The End of the Moon" (2004).
Realizó instalaciones para la Expo de Sevilla 1992 y para la de Aichi 2005, en Japón. Incluso realizó programas de radio en Francia (Rien dans les poches) y participó en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.

No os perdáis el magnífico artículo de Emma Dors en http://www.amazings.com/articulos/articulo0026.html

Desde mi punto de vista, la situación política en mi país es desastrosa. Hay una desconexión entre lo que la gente hace y lo que cree que está haciendo. La gente normal tiene buena voluntad, hoy llamás a información en New York y lo primero que hacen es pedirte una colaboración con la gente de New Orleans. Y en el mismo país tenés Halliburton: codicia absoluta, corrupción absoluta. Esta última elección fue un shock. Para mí fue un tifón. Una administración que maneja los medios y que dispara un mensaje de “hay una guerra, no cambiemos nada”. Es una situación brutal. Cuando alguien protesta, llega la presión. Tenemos un presidente con medio cerebro. No es una situación muy diferente a la de Reagan: hacen un presidente terrible, pero serían un gran rey. Medio estúpido pero con buenas intenciones, campechano... Son tipos hasta queribles, pero le dieron mucho poder a gente que es mala, codiciosa. Bush dice que “Nuestros padres fundadores creían en Dios y en el país”. ¿Y sabe qué? ¡Es mentira! Usted está equivocado, ¡lo siento! Para los hombres que firmaron la Constitución de EE. UU., el punto era separar la Iglesia del Estado, no crear un estado clerical que decidía lo que estaba bien o lo que estaba mal. Y se inspiraban en la idea francesa de libertad individual y derecho a la libertad de expresión, algo que hoy fue borrado. (Laurie Anderson, 2005)