Esponsales en el Monasterio en Les Arts

Acabo de llegar del Palau de les Arts, hoy me tocaba Esponsales en el Monasterio (Obrucheniye v Monastïre), una ópera de Prokofiev, estrenada en 1946, basada en una comedia inglesa titulada The Duenna, escrita por Richard Sheridan y ambientada en la Sevilla del siglo XVIII con libreto del mismo compositor y Mira Mendelson , que, voy a decir la verdad, se me atascó desde el primer momento en el DVD que grabaron a finales de los noventa, entre otros, Netrebko y Gergiev en el Mariinsky de San Petersburgo, así que lo fui dejando, lo fui dejando... hasta antes de ayer. Veía que se me echaba encima las fecha y me la puse por obligación y por no ir en blanco al teatro. Y tengo que decir que disfruté como un enano. Y hoy exactamente lo mismo, he disfrutado mucho, por la escenografía, por los cantantes, por la orquesta, y, como no, por la deliciosa música de Prokofiev y lo divertido del argumento, el típico de papá noble busca burgués rico para casar a guapa y joven hija pero al final todo le sale al revés.

La escenografía y el vestuario son de Robert Innes Hopkis, la dirección de escena de Danel Slater y la musical de Dmitri Jurowski (no confundir con su hermano), una producción del Festival de Glyndebourne 2006. Toda la acción, muy divertida -con esas situaciones de enredos y equívocos inverosímiles que se dan en la ópera bufa- se enmarca en la embocadura de un escenario de la época en la que transcurre la acción y los cambios entre los distintos cuadros están resueltos con gran economía de medios, rapidez y magníficos resultados, destacaría la inspiración en los cuadros de Goya para las escenas de carnaval, era como si los cuadros del aragonés hubieran cobrado vida. El público se lo ha pasado en grande, se han escuchado risas varias veces durante la representación, y eso quiere decir mucho cuando lo que se ofrece es una ópera en ruso. Los cantantes, la mayoría rusos, son prácticamente los mismos que los que estrenaron la producción en Glyndeboune, han estado todos a un gran nivel, sobre todo Voynarovski como Don Jerónimo, Matorin como Mendoza, Durseneva como La Dueña, Venteslav Anastasov como Don Carlos y Ljubov Petrova como Luisa, con un timbre muy puro y limpio y buena proyección vocal. En definitiva, un magnífico espectáculo que a mí se me ha pasado volando.

Natalie Dessay - Italian Opera Arias

Durante los meses de julio y agosto del pasado año, Natalie Dessay, grababa un disco y DVD para Virgin de arias de Verdi (La Traviata y Rigoletto), Bellini (I Puritani y I Capuleti e i Montecchi), y Donizetti (Maria Stuarda y Lucia di Lammermoor) con el Concerto Köln, le acompañaba en algunos fragmentos Roberto Alagna, la dirección corrió a cargo de Evelino Pidò.

Esta evolución de su repertorio hacia roles líricos o lírico-ligeros se podía intuir ya desde sus comienzos, preocupada por lo que de teatral tiene el arte lírico nunca estuvo muy conforme con la entidad dramática de los personajes a los que una voz de soprano ligera se ve relegada. Parece que después de la crisis vocal que ha sufrido, afortunadamente superada, quieren hacernos creer que su voz a ensanchado y quizás lo que ha pasado es que ha perdido facilidad para los sobreagudos -me parecería injusto no decir que esto último ella misma lo reconoce-, yo no acabo de quitarme de la cabeza que es una soprano ligera o lírico-ligera antes que lírica pero no quiero aventurarme, nunca la he escuchado en vivo y no conozco su nuevo disco, aunque también es cierto que, exagerando bastante, al lado de Gruberova, que ha tenido la osadía de cantar Norma, Dessay parece una lírico-spinto. Lo que sí parece claro es que los roles más ligeros tienen que desaparecer de su repertorio, lo que conlleva trabajar y perfeccionar el registro central y los que la han escuchado en directo dicen que sí, que ha ensanchado, además es que no creo ni que se lo haya llegado a plantear. Aunque personajes como el de Amina o Lucia ya los interpretaba sobre el escenario, y a pesar de que me parece que es de las cantantes más inteligentes y con las ideas más claras del panorama actual, me pregunto si no andará un poco perdida buscando un nuevo repertorio.

El 9 de diciembre de 2007 cantaba "Ah Fors'e Lui... Sempre Libera" de La Traviata, la parte que más le favorece, en una televisión francesa, ya no tiene aquella, ya legendaria, calidad en los agudos pero, por lo demás, técnicamente es perfecta, su fraseo y su dicción son cuidadísimos y su canto ligado, a algunos os parecerá demasiado estilizada o manierista, para mí los únicos problemas vienen de la entidad de la propia voz, de la materia prima, no deja de parecer una Lucia cantando Violetta:

Lucrecia Bori - Una valenciana en New York (IV)

El episodio que puso sobre la pista del Met a Lucrezia Bori, que fue determinante para su futuro profesional en Nueva York, lo cuenta Harold C. Schonberg en "The lives of the Great Composers". Ricordi mandó una carta a Lucrezia Bori comunicándole que tres señores querían ir a París para escuchar como cantaba y que debería aprenderse las arias de Manon Lescaut. Y efectivamente, se presentaron, eran Giulio Gatti-Casazza, director del Metropolitan, el director Arturo Toscanini y el compositor Giacomo Puccini. "Primero me miraron desde la cabeza a los pies y desde los pies a la cabeza", dijo Bori, "después me estudiaron detenidamente". Debió de satisfacerles bastante porque poco después la soprano estaba ensayando Manon Lescaut con Caruso y Amato bajo la dirección de Toscanini. Cantó por primera vez el rol como artista invitada del Metropolitan Opera en París dentro del tour de la compañía por Europa el día 6 de septiembre de 1910, además era el estreno de la ópera de Puccini en París, se ofrecieron en aquella ocasión un total de cinco representaciones.

Bori contaba una anécdota acaecida antes del estreno. En la función "lucía trajes nuevos que me había hecho expresamente en París", dijo Bori. "Me costaron una fortuna, se lo puede imaginar. Después del ensayo general con vestuario todo el mundo vino a felicitarme. De pronto, Puccini se presentó con una taza de café. "Bori, me dijo, ha salido todo perfecto. Lo único es que en el último acto, cuando Manon está hambrienta y sin nada que llevarse a la boca, su traje parece demasiado limpio. Entonces derramó la taza de café sobre mi vestido".

Bori no volvería a actuar con la compañía del Met hasta dos años después, el 11 de noviembre de 1912, esta vez en el mismo Metropolitan Opera House abriendo la temporada 1912-1913, la ópera sería la misma, Manon Lescaut. Al día siguiente el Evening Globe diría: "La señora Boris pronto alcanzó el éxito que habían profetizado para ella. Es joven y puede parecer aún más joven. (...) Es interesante y expresiva. Es esbelta y elegante, su seguridad y facilidad sobre el escenario son las de una actriz de nacimiento. Su voz es la de una soprano lírica con una frescura encantadora, sobre todo en el registro agudo, y canta mucho mejor de lo que comúnmente se entiende por bien. Tiene temperamento, pero con tanta suficiencia vocal e histriónica como para ser su maestra y no su esclava. Su Manon pronto se metió al público en el bolsillo por la naturalidad, simplicidad, sentimiento carente de afectación con que caracterizó a la joven muchacha enamorada, pero no fue menos efectiva entre la lujuria de la casa de Geronte, y en las últimas escenas, cargadas de muerte y miseria, su patetismo resultó increíblemente cierto. De hecho su Manon la ha situado, sin género de dudas, como uno de los miembros más interesantes de la compañía del Met ".

Henri Krehbiel, en el New York Tribune escribía: "Lo que no consiguió Mme. Cavalieri con la ópera de Puccini parece que terminará haciéndolo la Señorita Bori. No por su actuación, tampoco por su apariencia (en ninguno de estos aspectos resiste comparación con su predecesora), sino por sus actitudes vocales, desplegadas en los momentos cruciales. Durante el primer acto la decepción fue evidente, mezclada con la riqueza instrumental del Señor Caruso, su voz parecía pálida e infantil. No podemos aseverar en absoluto que la falta de vitalidad dada por la pureza de su timbre se debiera a la ruda forma de tocar de la orquesta, el Señor Polacco, nuevo director, intentó controlarla insuficientemente. Sin embargo, cuando en el segundo acto tuvo oportunidad, la cantante sorprendió a la audiencia, tanto a la menos exigente como a la más crítica, por la extraordinaria delicadeza de su arte vocal basado en una dicción exquisita, musicalidad impecable y conmovedor pathos. "

He añadido "In quelle trine morbide" de Manon Lescaut, no me gusta mucho la interpretación, no sé si es defecto de la grabación de la época pero los agudos suenan fijos y algo estridentes. También he añadido algunos temas cantandos en castellano. Entre otros están: La paloma, Clavelitos, La violetera, una estupenda versión de Vivan los que ríen de La vida Breve, Canto andaluz, Confiado Jilguerillo (Acis y Galatea) de Literes, La Cruz de Mayo, en ésta me recuerda algo a su paisana Concha Piquer, claro que Bori es algo más operística y también algunas de las siete canciones populares de Falla.

En el siguiente video se puede escuchar el dúo "Tutto tace" de L'Amico Fritz de Mascagni, grabado en 1924 por Lucrezia Bori y Miguel Fleta.

El vídeo es del usuario de Youtube y del foro Una noche en la ópera GerardoRosavaenge, al que me gustaría darle las gracias por su trabajo:

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Lucrecia Bori - Una valenciana en New York (I)
Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (II)
Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (III)

Barbara Hendricks - El comprador elige lo que quiere pagar.

Barbara Hendricks creó un nuevo sello discográfico, Arte Verum, para producir y comercializar sus propias grabaciones, al parecer Hendricks encontraba muchos problemas para grabar lo que le apetecía. Hace poco acaba de sacar su primer disco con orquesta, la Drottningholms Barockensemble, que además es el primer disco en solitario que dedica la soprano íntegramente a la música barroca, contiene arias y canciones de Purcell y Haendel. Pero le dedico una entrada, no por el disco en sí, que desconozco, además es que tampoco me apetece mucho conocerlo, sino por su iniciativa de ponerlo a la venta por internet. Endless pleasure, que así se llama el disco, se puede descargar de la página web de Hendricks a 320Kbps, lo curioso es que es el propio comprador el que elige cuánto quiere pagar por descargárselo, incluye la portada y librito en pdf. He estado curioseando por su página web y no he podido entrar a las páginas dedicadas a la venta del disco, supongo que seguirá operativo.

Anteriormente publicó a través de esta nueva casa discográfica dos discos, el primero realizado junto al pianista Love Derwinger se titulaba "Spanish songs" y el segundo, con Roland Pontiner, "Robert Schuman Lieder".

Os dejo un documento interesante, Maria Callas dando clases a una joven Barbara Hendricks en la Academia Juilliard, creo que es del año 1962, en Youtube podéis encontrar más:

Ermonela Jaho ¿Netrebko ya tiene competencia?

Netrebko obtuvo mucho éxito el pasado 14 de enero en su Traviata del Covent Garden, no hay más que leer las críticas de los periódicos británicos, no pueden ser mejores. Sin embargo, a causa de una bronquitis, tuvo que ser sustituida por Ermonela Jaho, una joven soprano albanesa con buen físico -de rostro no tan deslumbrante como el de la rusa- que fue ovacionada al final de su primera representación el 17 de enero, no sé si influiría el hecho de que se había presentado en el Covent Garden tras coger un avión desde Nueva York sin tener tiempo ni para una perqueña toma de contacto con la producción, sin haber cantado nunca con Kaufmann (éste en una entrevista en The Independent decía: Thursday. The second performance of La Traviata is tonight and I warm up my voice this morning for half an hour. Then I receive an unfortunate call from the theatre; Anna is not well enough to perform tonight and indeed when I speak to her she is nearly inaudible. Another soprano. Ermonela Jaho, is to fly out all the way from New York to perform tonight. She has very little time to prepare and I have never performed with her before. At first, the audience tonight seems a bit disappointed that it's not Anna on stage, but Ermonela gets better and better and during the Third Act she is outstanding. She improvises so well that no one notices the little mistakes. Her performance turns out to be fantastic.), también la sustituyó los días 20 y 23 del mismo mes, no era una absoluta desconocida, ni mucho menos, participó en el disco de Flórez dedicado a Donizetti y Bellini, además obtuvo mucho éxito el pasado junio cantnado Violetta en el San Carlo de Nápoles, tiene compromisos en Marsella, San Francisco, Glyndebourne y el Met. Circula por Youtube un vídeo de Semiramide de hace cinco o seis años en el que exhibe un acusado vibrato y también otros en los que canta La Traviata. El timbre es bello y lo más importante, tiene un sello particular que lo hace fácilmente reconocible, sus coloraturas son suficientes y no parece que tenga problemas de volumen, lo dicen las crónicas y también dicen, y el video parece confirmarlo, que tiene presencia escénica y es buena actriz, sólo le queda pulir un poquito más su técnica y tener una paleta de colores más variada -según dicen en www.concertonet.com-, veremos si con el tiempo se confirman las esperanzas que algunos han depositado en ella, en algún blog inglés se puede leer el siguiente titular:Brava Ermonela Jaho (Netrebko u can go home now). ¡Cómo me gustaría que hubiera un duelo de sopranos! Sería como en los viejos tiempos, pero me parece que eso es soñar ¡Suerte Ermonela!

Final del Acto I de La Traviata:

Con Ismael Jordi - Amami Alfredo:

Parigi o Cara:

Final:

Gian Carlo Menotti - La Loca - Beverly Sills

Esta tarde, repasando los archivos que tengo en el disco duro me he tropezado con una interpretación de Beverly Sills y Robert Hale de un fragmento de La Loca, una ópera de Gian Carlo Menotti estrenada en 1979, la verdad es que ni sabía que esto estaba en el ordenador y al escucharlo me ha impactado bastante, Sills es una de esas cantantes que además de cantar tienen un innato sentido dramático, si no hubiera sido así igual no hubiera pasado de ser una buena soprano lírico-ligera. Da la casualidad de que pronto, el 1 de febrero, será el primer aniversario de la muerte del compositor así que me ha parecido oportuno dedicarle una entrada.

Beverly Sills, quería retirarse de la escena al cumplir cincuenta años y para ello pidió a Menotti que reescribiera para ella La Loca, la última ópera que había compuesto el italo-americano, se estrenó en San Diego el 3 de junio de 1979 y está basada en la célebre y romántica "locura de amor" de Juana, hija de los Reyes Católicos y esposa de Felipe el Hermoso. También Plácido Domingo quiso que Menotti compusiera una ópera para él, el resultado fue Goya, estrenada en Washington en 1989 y basada en los amores entre el célebre pintor y la duquesa de Alba. Al final creo que no fue la última actuación escénica de la soprano, pero sí una de las últimas. En su autografía, Beverly: An Autobiography escribió "La Loca is the best piece of acting I've ever done".



El reparto fue el siguiente:

Beverly Sills (Juana)
Susanne Marsee (Doña Manuela)
Jane Westbrook (nurse)
Marcia Cope, Martha Jane Howe (ladies-in-waiting)
Joseph Evans (Miguel de Ferrera)
John Bröcheler (Felipe/Fernando/Carlos V)
Vincent Russo (chaplain)
Robert Hale (Ximenes de Cisneros)
Carlos Chausson (Marques de Denia)
Calvin Simmons, director musical
Tito Capobianco, director de escena
Mario Vanarelli, escenografía y vestuario


Gian Carlo Menotti nació el 7 de octubre de 1911 en Cadegliano, Italia. Con sólo once años ya escribía libretos y componía óperas, The Death of Pierrot la primera de ellas, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Milán, en 1928, tras la muerte de su padre, marcho a los Estados Unidos, en Filadelfia completó sus estudios musicales, allí comenzó su amistad con Samuel Barber -para éste escribiría el libreto de Vanessa-.
Su primera obra de madurez fue la opera bufa Amelia al Ballo, estrenada en 1937 e interpretada en el Met cuando el compositor tenía 27 años, comenzó a tener verdadera repercusión internacional tras estrenar The Medium y The Telephone. Con The consul (1954) obtuvo el Premio Pulitzer y el Premio de la crítica de Nueva York como la mejor obra musical del año, su obra más conocida es Amahl and the Night Visitors (Amalia y los visitadores nocturnos) (1951), la primera ópera compuesta expresamente para la televisión.

Todas sus óperas están escritas en Inglés con la excepción de Amelia al Ballo, The Island God y Le dernier sauvage, ésta última un encargo de la Ópera de París -el último encargo que la Opera de París había hecho a un extranjero había sido Don Carlos- pero se estrenó en la Opéra-Comique.

Fue el creador en 1958 del Festival de los Dos Mundos, en Spoleto, Italia, con el objetivo de unir las manifestaciones culturales de los continentes europeo y americano, después lo extendió a Estados Unidos y Australia.

Menotti se consideraba a sí mismo como un músico conservador, su música es tonal pero sin dejar de lado la utilización de técnicas modernas, sobre todo en lo que respecta a la utilización de instrumentos electrónicos, el fragmento de La Loca que se puede escuchar arriba podría denominarse neoverismo, pero su encasillamiento con la música de Puccini y otros compositores italianos de principios del siglo XX es algo que no gustaba nada al compositor, prefería que se relacionara también con Debussy y Mussorgsky. Un sector de la crítica siempre se mostró reacio a reconocerle méritos por considerarlo pasado y convencional, ""pure light entertainment", sobre todo en los años sesenta, aunque veamos lo que se escribía en el New York Times en 1984 a propósito de La Loca: "The music, unfortunately, all too often seemed equally hysterical, equally banal, lacking both repose and dignity. It has sometimes been claimed that Mr. Menotti, with his simple melodies and effusive emotionalism, represents a logical American successor to Puccini; this may be so, but it seems a dubious distinction.."

Las mujeres de El Anillo (3) - ERDA - Schumann-Heink

Nos queda la tercera y última diosa del Anillo, Erda, uno de los personajes más enigmáticos y fascinantes de La Tetralogía. Asciende desde las profundidades en el Prólogo ante la duda de Wotan sobre si entregar el anillo a los gigantes y le advierte "¡Cede, Wotan, cede! ¡Escapa a la maldición del anillo! Sin remedio, a oscura ruina te consagrará su adquisición". Representa la sabiduría inmemorial del mundo y vive en las entrañas de la tierra. Es toda una Pitia, "cómo fue todo... yo sé; cómo es todo, cómo llegará a ser... lo veo también", su aparición en el Oro suspende repentinamente la acción para proyectarse en un futuro de profecía y advierte a Wotan sobre la caída de los dioses y del riesgo que acarrea su voluntad de poder: "¡Todo lo que es... , acaba! Un día sombrío amanecerá para los dioses...: ¡te lo aconsejo, evita el anillo!", de aquí se deriva una consecuencia musical, el motivo del Ocaso de los Dioses surge por la inversión del motivo de Erda. Madre de las Normas, que tejen el destino, es dueña del saber eterno ("Ewiges Weib!" - "Mujer eterna"; "Cuando yo duermo, velan las Normas, ellas tejen la cuerda e hilan devotamente lo que yo sé), pero se trata de un conocimiento pasivo, no actúa ante los acontecimientos: En la primera escena del tercer acto de Siegfried, Wotan la saca de su sueño, Erda aparece "como cubierta de escarcha" y después ella vuelve a él. Pero no es sólo una espectadora visionaria: engendró a Brünnhilde junto a Wotan ("Una virgen del deseo le parí a Wotan: él le ordenó que le eligiera los héroes en el combate. Audaz es ella, y también sabia: ¿por qué me despiertas, y no preguntas nuevas a la hija de Erda y Wotan?"), pertenece al mundo en el que se atiende a la salud del Universo. Su lado prehistórico y letárgico se acentúa con las características de una voz como la de contralto, se adapta mejor este timbre para conferir al personaje de cierto misterio intemporal, la voz de mezzo parece demasiado clara y humana para ello, lástima que no abunden las verdaderas contraltos. Me hubiera gustado que Kathleen Ferrier hubiera encarnado alguna vez este personaje, pero me temo que nunca fue así, por lo menos testimonio fonográfico no hay.

Junto a la Fricka de Ludwig y a la Freia de Grümmer he añadido una de las Erdas más famosas de todos los tiempos, Ernestine Schumann-Heink (1861-1936), una verdadera contralto con una técnica prodigiosa, su facilidad para la ejecución de trinos y toda suerte de coloraturas le permitieron frecuentar otros tipos de repertorio (su célebre Brindisi de Lucrezia Borgia), pero cuando se despidió en el Met en 1932 lo hizo cantando Erda.

Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (III)

En el libro de John Kobler: "Capone: The life and World of Al Capone" (1992) se cuenta una anécdota acaecida entre nuestra soprano y el célebre Rey del hampa en Chicago:

En la sociedad neoyorkina en la que normalmente se desenvolvía la diva no estaba mal visto codearse con personajes como Al Capone, cuya imagen en aquella época tenía cierto halo de héroe romántico, sobre todo si tenemos en cuenta que Capone, aunque vivía en Chicago, había tenido sus comienzos en Brooklyn. Cuando Bori supo que el actor George Jessel conocía a Capone personalmente, le preguntó si para la próxima actuación de la soprano en Chicago podría concertar una cita. Jessel, que sabía que el capo era un amante de la ópera, escribió a éste contándole lo sucedido. No parece que se llegara a producir nunca el encuentro entre la diva y el gángster pero en una de las temporadas veraniegas de ópera en Ravinia Park la Bori recibió una caja de un buen champagne "con los mejores deseos de Al Capone".

He añadido dos audios más, la Gavota: "Obeissons" y "Adieu notre petite table" de Manon de Massenet, la fotografía pertenece al programa de mano de una representación dada en el Colón de Buenos Aires bajo la dirección de Toscanini.











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Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (II)

Leyla Gencer canta Mozart

La turca Leyla Gencer ha pasado a la historia por sus interpretaciones belcantistas, principalmente de las heroínas donizettianas y también por algunos grandes papeles de Bellini y Verdi, pero cantó más de setenta roles distintos, y entre ellos algunos de Mozart.

El primer papel mozartiano que interpretó fue Fiordiligi de Così fan tutte en 1953 en el teatro nacional de Ankara, tenía veinticinco años. Seis años tendrían que pasar hasta que volviera a interpretar una ópera de este compositor, fue en 5 de febrero de 1960 en la Ópera de Roma interpretó Doña Elvira, dos meses después lo cantaría para la RAI dirigida por Molinari-Pradelli y acompañada por Bruscantini, Stich-Randall, Sciutti, Petri y Cesari, al año siguiente cambió de personaje, intepretando Doña Ana en Turín, y en 1962 en la ROH Londres con un reparto casi de campanillas: Siepi, Jurinac, Evans, Freni y dirección de Solti, ese mismo año, en el Festival de Glyndebourne interpretó La Condesa de Las bodas de Figaro y después lo haría en Oslo.

En 1963 cantó Doña Ana en Montecarlo y otra vez La Condesa en Glyndebourne. Hasta 1968 no volvió a Mozart, fue en La Scala e interpretó Electra de Idomeneo dirigida por Sawallisch. Hubo otra interrupción hasta 1978, año en el que interpretó por última vez una ópera de Mozart, se trataba del papel de Doña Elvira en Turin.

La vamos a poder escuchar en todos estos papeles y además en una fabulosa Tutte le torture de El rapto en el Serrallo. Quizás sobren algunos sonidos guturales y echemos en falta la limpidez de intérpretes como Popp, Schwarzkopf, Della Casa, Grümmer y nos parezca que está fuera de estilo, no es muy habitual que voces cálidas y potentes, mediterráneas, como la de Gencer, se acerquen a este tipo de repertorio por lo que estas interpretaciones tienen su morbo, independientemente de ello, los resultados obtenidos por la turca son más que notables con algunos detalles magistrales. Quizás no sea el mejor Mozart pero sí uno de los más personales.

Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (II)

Unos dicen que Lucrecia Borja González de Riancebo, conocida como Lucrezia Bori, nació en la calle Pelayo de Valencia en 1888, otros que en la calle de La Paz, los hay que dicen que fue en Gandía, pero lo cierto es que nació en Burriana un 27 de diciembre de 1887, falleció en Nueva York el 12 de mayo de 1960.

Era hija de un oficial y de una cantante aficionada, estudió piano y armonía en el Conservatorio de Valencia. Comenzó a estudiar canto en Milán con el compositor Grabiele Sibella, esposo de la catalana Graziella Pareto, y Melchiorre Vidal en 1905. Es allí donde escapando de la leyenda negra de la famosa familia de origen valenciano cambió su apellido Borja por Bori.

Sus comienzos en la ópera tuvieron lugar en Roma (Teatro Adriano) con Micaela (1908), dos años después ya estaba cantando Manon Lescaut en Nápoles junto con Pascuale Amato y Enrico Caruso, ese mismo año también la cantó en París, su Des Grieux fue Caruso y el resto del elenco la compañía del Met. Al año siguiente debutó en el propio escenario del Met con la misma ópera, obtuvo un éxito rotundo, sería la primera de más de seiscientas representaciones en casi una treintena de óperas diferentes.

Desde 1911 cantó con asiduidad en el Teatro Colón de Buenos Aires, en el que debutó con Manon Lescaut, suponía también el estreno de la ópera en el Colón. Ese mismo año cantó por primera vez en La Scala el papel de Octavian en el estreno en dicho teatro de El Caballero de la Rosa, también cantó allí Il matrimonio segreto de Cimarosa, Las alegres comadres de Windsor y Falstaff.

En 1913 participó en las representaciones del centenario del nacimiento de Verdi en Italia.

En 1914 estrenó en el Colón la fantasía lírica argentina El Sueño de Alma de Carlos López Buchardo, en italiano, con Alessandro Bonci y Giuseppe de Luca.

Entre 1915 y 1919, cuando tenía contratos para cantar en el Teatro Real, en el Liceu y en el Principal de Valencia tuvo que interrumpir su carrera a causa de problemas vocales, aconsejada por Enrico Caruso se sometió a una operación con el mismo médico que había tratado a éste por problemas similares.

Reanudó su carrera en 1919 en Montecarlo (La Bohème) antes de regresar al Met, donde cantó sin interrupción hasta el 29 de marzo 1936, fecha de su gala de despedida (entonces la Bori cantó fragmentos de Manon y La Traviata y participaron Flagstad, Melchior, Rethberg, Pinza, Ponselle, Martinelli, Tibbett i Richard Crooks . En el Met cantó Così fan tutte (Despina) y el papel que da nombre a Snegurochka (1922), La Rondine (1928), Melisande, Violetta y otros papeles que se citan más abajo.

Tras su despedida como cantante fue la primera mujer que entró a formar parte de la dirección del Met, en el que inició un proceso de apertura a nuevos públicos: sesiones para niños y aficionados de bajo nivel adquisitivo.

Nunca cantó en Valencia, al menos en su etapa profesional, pero siempre la tuvo presente, en 1957, después de la riada que desoló la ciudad, organizó un festival en Nueva York para recaudar fondos para los damnificados aportando la nada desdeñable cifra de 50.000 dólares de la época. La ciudad, en cuyo cementerio reposan sus restos, tampoco la ha olvidado, una calle y una sala del Palau de la Música llevan su nombre.


Estos son los papeles que cantó en el Met ordenados por el año de su primera interpretación:

Manon – Manon Lescaut (1910)
Nedda – I Pagliacci (1912)
Gilda – Rigoletto (1912)
Mimì – La Bohème (1912)
Antonia – Los cuentos de Hoffmann (1913)
Norina – Don Pasquale (1913)
Fiora – L'amore dei tre re (1914) de Montemezzi (Estreno en USA)
Lucinda - L'amore medico de Wolf-Ferrari (1914) Estreno en USA
Micaela – Carmen (1914)
Ah-Joe – L'Oracolo de Leoni (1914)
Iris – Mascagni (1915)
Snow Maiden – Snegurochka de Rimsky-Korsakov (1922)
Despina – Così fan tutte (1922)
Violetta – La Traviata (1922)
Juliette – Romeo et Juliette (1922)
Manon – Massenet (1922)
Consuelo – Anima allegra – Vittadini (1923)
Suzel – L'Amico Fritz – con Fleta (1923)
Alice Ford – Falstaff (1925)
Melisande – Pélléas et Melissande (1925)
Conception – L'Heure Espagnole (1925)
Salud – La vida Breve (1926)
Mignon – Ambroise Thomas (1927)
Magda - La Rondine (1928)
Louise – Charpentier (1930)
Madelon – Le preziose ridicole de Felice Lattuada (1930)
Mary – Peter Ibbetson de Deems Taylor – (1931) estreno mundial

Era la Bori una soprano lírica con un buen registro agudo, su voz no era muy grande pero estaba bien proyectada, su timbre era puro y cristalino. Como podremos comprobar seguidamente era capaz de los más increíbles pianísimos, no era muy dada a los excesos dramáticos, de rostro no muy agraciado, muy expresivo y de impactante presencia escénica, casi todas las crónicas de la época hacen referencia a su encanto sobre el escenario. Ahora algunas arias que he seleccionado:

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Lucrecia Bori - Una valenciana en New York (I)

Las mujeres de El Anillo (2) - FREIA - Elisabeth Grümmer

Hoy nos toca Freia, la hermana de Fricka, Donner y Froh. Utilizada por Wotan como moneda de cambio para ver realizado su sueño del Walhalla, menuda imprudencia, los dioses se quedan sin las manzanas de oro, su fuente de subsistencia. Freia debe ser una mujer atractiva, encarna la abundancia, la juventud, la dulzura, no debe extrañar que sea deseada por Fasolt. Es un papel destinado a una soprano lírica con tan cortas como escasas intervenciones, sólo una gran cantante puede hacer que no pasen desapercibidas, sobre todo en audio.

El trozo que he seleccionado -qué difícil cortar aquí o allá- pertenece a la segunda escena de El Oro del Rhin: "Hilf mir Schwester". Fricka despierta a Wotan, está angustiada al haber visto el Walhalla terminado, le recuerda que había prometido entregar a Freia a cambio, entonces entra ésta pidiéndoles auxilio, poco después llegaran los gigantes Fasolt y Fafner, los constructores de la fortaleza, armados con estacas para reclamar el pago. La grabación es del Festival de Bayreuth de 1957, con Hans Hotter (Wotan), Georgine von Milinkovic (Fricka), Arnold van Mill (Fasolt) y Elisabeth Grümmer (Freia) dirigidos por Knappertsbusch.

FRICKA
So schirme sie jetzt:
in schutzloser Angst
läuft sie nach Hilfe dort her!

FREIA
(tritt, wie in hastiger Flucht, auf)
Hilf mir, Schwester!
Schütze mich, Schwäher!
Vom Felsen drüben
drohte mir Fasolt,
mich Holde käm' er zu holen.

WOTAN
Laß ihn droh'n!
Sahst du nicht Loge?

FRICKA
Daß am liebsten du immer
dem Listigen traust!
Viel Schlimmes schuf er uns schon,
doch stets bestrickt er dich wieder.

WOTAN
Wo freier Mut frommt,
allein frag' ich nach keinem.
Doch des Feindes Neid
zum Nutz sich fügen,
lehrt nur Schlauheit und List,
wie Loge verschlagen sie übt.
Der zum Vertrage mir riet,
versprach mir, Freia zu lösen:
auf ihn verlaß' ich mich nun.
FRICKA
Und er läßt dich allein!
Dort schreiten rasch
die Riesen heran:
wo harrt dein schlauer Gehilf'?

FREIA
Wo harren meine Brüder,
daß Hilfe sie brächten,
da mein Schwäher
die Schwache verschenkt?
Zu Hilfe, Donner!
Hieher, hieher!
Rette Freia, mein Froh!

FRICKA
Die in bösem Bund dich verrieten,
sie alle bergen sich nun!

FASOLT
Sanft schloß
Schlaf dein Aug';
wir beide bauten
Schlummers bar die Burg.
Mächt'ger Müh'
müde nie,
stauten starke
Stein' wir auf;
steiler Turm,
Tür und Tor,
deckt und schließt
im schlanken Schloß den Saal

FRICKA Entonces, protégela ahora: indefensa, viene corriendo hacia aquí en busca de ayuda.
FREIA (entra huyendo) ¡Ayúdame, hermana! ¡Protégeme, cuñado! Desde aquellas montañas Fasolt me amenaza con venir a buscarme.
WOTAN ¡Deja que amenace! ¡No has visto a Loge!
FRICKA ¡Siempre prefieres confiar en ese estafador! Muchas males nos ha hecho, y él te sigue cautivando.

WOTAN Cuando el simple valor es suficiente, nunca pido nada a nadie. Pero cuando hay que sacar provecho de los celos hostiles, sólo se puede recurrir a la astuta sutileza del hábil Loge. El me aconsejó el trato, y me prometió que libraría a Freia: ahora sólo puedo confiar en él.
FRICKA ¡Y él te ha dejado en la estacada! Los gigantes se acercan a grandes zancadas: ¿qué ha sido de tu astuto ayudante?
FREIA ¿Dónde están ahora mis hermanos cuando necesito su ayuda después de que mi cuñado, aprovechándose de mi debilidad, me ofreciera como recompensa? ¡Ayúdame, Donner! Aquí, ven aquí, ¡Salva a Freia, mi Froh!.
FRICKA ¡Te traicionaron con un pacto artero y ahora se esconden!
FASOLT Suavemente cerraste tus ojos soñolientos, mientras nosotros dos, sin dormir, construimos la fortaleza. Trabajando duro, pero sin cansarnos nunca, amontonamos una gran cantidad de piedras: una torre alta, una puerta y una verja cubren y enclaustran la entrada del esbelto castillo

Las mujeres de El Anillo (1) - FRICKA - Christa Ludwig

Me he propuesto ir repasando algunos momentos en los que intervienen las mujeres en El Anillo del Nibelungo, comenzaré por las diosas y la primera de la que voy a poner un fragmento es de Fricka, la esposa de Wotan, Wagner nos la muestra como un ser conservador, vindicativo y dominador, su hipocresia le lleva a pasar por alto el verdadero amor y a defender la moral pequeño-burguesa, la institución del matrimonio y el resto de pactos como salvaguarda de la sociedad establecida, le dirá al esposo: "para qué clamo yo por el matrimonio y el juramento, pues primeramente lo vulneras tú mismo", precisamente por eso no dudará en tomar partido por Hunding frente a Siegmund, pues éste y su hermana no sólo son infieles a Hunding sino que son fruto de la infidelidad de Wotan.

El fragmento que propongo está en la primera escena del acto II de La Walkyria: "So ist es denn aus mit den ewigen Göttern". Menuda reprimenda se lleva Wotan, Thomas Stewart en este caso, de su despechada esposa, Christa Ludwig, pronto comenzará el dios a asumir que ha comenzado el principio del fin. La grabación está hecha el 19 de marzo de 1967 en el Festival de Salzburgo, la dirección musical es de Karajan.

Heynis - Provengo de Dios y volveré a Dios

El otro día tuve la sensación de que Aafje Heynis gustó bastante así que hoy repetimos con Ulrich de la Sinfonía N.º 2, Resurrección, de Mahler y dirección de Haitink. Para mi gusto está mucho mejor en este tipo de repertorio que en el "italiano", lo digo por el Orfeo ed Euridice de Gluck en el que la pronunciación deja mucho que desear.

Lucia Popp canta "Genoveva" de Schumann

El aria “O Du, der über alle wacht” pertenece a la única ópera de Robert Schumann, Genoveva, esta ópera fue compuesta entre 1847 y 1848, con libreto de Robert Reinick y el propio compositor, está basado en la obra homónima de Ludwig Tieck and Friedrich Hebbel, no fue estrenada hasta el 25 de junio de 1850 - dos meses después que Lohengrin - en el Stadtheater de Leipzig, el retraso se debió a problemas psiquiátricos: Schumann sufría alucinaciones auditivas y una profunda depresión causada por la muerte de Mendelshon. El tema central de la obra, como en Fidelio, es la fidelidad conyugal. Cuenta la famosa historia, de origen medieval, de Genoveva de Brabante: Un caballero, Siegfried, marcha a las cruzadas y deja a su esposa, Genoveva, al cuidado de un amigo que ya es demasiado viejo para luchar contra los sarracenos, Golo. Y claro... ¿Qué iba a pasar?... Golo está enamorado de Genoveva, ésta lo rechaza, entonces Golo, para vengarse y en connivencia con la bruja Margaretha, idean un plan para acusarla de adulterio. El resultado es que Genoveva es condenada a muerte, ésta pide ayuda al cielo y le viene dada en forma de la aparición del fantasma del hombre con el que se dijo que había cometido adulterio, éste revela al marido la falsedad de las acusaciones. La fidelidad de la esposa obtiene finalmente su recompensa. Casi es un Lohengrin pero al revés, resulta curioso.

En el segundo acto, Genoveva entona una plegaria en la que reafirma su fe en Dios y su amor por Siegfried, su esposo. El fragmento corresponde a una grabación efectuada en Múnich en 1975, Genoveva es Lucia Popp y dirige Giuseppe Patané. El sonido no es muy bueno pero merece la pena por la calidad de la intérprete.

Renée Fleming. ¿A la segunda va la vencida?

Hace años, no recuerdo cuantos, pero por lo menos seis, Renée Fleming fue abucheada en La Scala con Lucrezia Borgia, al día siguiente fue sustituida por Darina Takova, yo pude escuchar "Era desso il figlio mio", la verdad es que no me pareció que fuera para tanto, cometió un error y parte del público comenzó a murmurar, algún espectador le increpó, eso pone nervioso a cualquier cantante, y a partir de ahí todo empezó a ir de mal en peor - Golaud creo que recordará esa grabación, con un poco de suerte quizás la conserve-, entonces su voz estaba más fresca y exhibía una bella línea de canto, en la vida de los cantantes hay momentos en los que no se puede estar al 100% y que falle un agudo, que circunstancialmente no dosifiques bien el aire o que te atragantes es lo más normal del mundo, yo a eso lo llamo accidente, y lo que escuchaba en aquella grabación de La Scala no eran más que accidentes, el caso es que toda la prensa especializada y los foros de internet se hicieron eco de la noticia, fueron durísimos, y Fleming, a pesar de que comenzó a ser famosa cantando Rossini, que ha cantado Imogene de Il Pirata en el Chatelet y en el Met, La Straniera en versión concierto, que ha grabado para el sello Opera Rara Rosmonda d’Inghilterra de Donizetti y que ha grabado un recital dedicado al bel canto parece que no termina de cuajar en este estilo. No tiene sentido compararla con otras ilustres antecesoras: Callas, Sutherland, Gencer, Caballé, el panorama actual es otro y en éste creo que Fleming sí tiene algo que decir.

Se ve que ahora está dispuesta a quitarse la espinita de La Scala (ya lo intentó en versión concierto en el Canegie Hall, esta vez jugaba en casa, con Queler, Blythe y Giordani, el mismo tenor que en Milán) así que en la temporada 2008-2009 la cantará en la Ópera de Washington. Alternará el papel con la que fuera Roxana en el pasado Cyrano de Les Arts, Sondra Radvanovsky, para quien tampoco es nuevo el papel pues encarnó a la hija de Rodrigo Borgia en Las Palmas .

Durante este mes Fleming está cantando La Traviata en Chicago y en febrero cantará Desdemona en el Met, Decca ha sacado hace poco el DVD de La Traviata en la Ópera de Los Ángeles con Villazon y Bruson y dirección escénica de Marta Domingo, su última ópera completa aparecida ha sido Daphne de R. Strauss, también en Decca, un fragmento que contiene el Brindisi lo podéis ver aquí.

Seguidamente se puede escuchar a Fleming interpretando dos fragmentos de bel canto: Primero el dúo entre Maria y su hermana Inés "Padre mio, sei vindicato già... A figlia incauta di reo trascorso" del segundo acto de Maria Padilla de Donizetti -yo creo que tiene influencias españolas-, grabado en Omaha en 1990 acompañada de la mezzo Stella Zambalis, dirige John de Main, después "Ah non credea mirarti... Ah non giunge" de La Sonnambula de Bellini, grabado en el mismo concierto.

Lo prometido: Alfred Deller - El Agnus Dei

Había dicho que iba a subir el Agnus Dei cantado por Deller en 1954, además de la voz del contratenor tiene el alicente de que es la primera grabación con instrumentos antiguos realizada por Gustav Leonhardt y Nikolaus Harnoncourt, éste declaraba años después: "Deller estuvo soberbio, nosotros terribles".

Fernando Sor y Berganza - Un poco de humor

Hoy vamos a ver si os hago sonreír con el barcelonés Fernando (o Ferran) Sor y la madrileña Teresa Berganza acompañada a la guitarra por José Miguel Moreno. Dos seguidillas: "Muchacha y la vergüenza" y "Los canónigos madre".

Hoy haré una excepción. Alfred Deller

Hoy voy a hacer una excepción y dedicaré la entrada a un señor como la copa de un pino, Alfred Deller, que nació en Margate (Kent, Inglaterra) en 1912 y falleció estando de vacaciones en Bolonia en 1979. Gracias a él la interpretación de la música medieval, renacentista y barroca sufrió un vuelco total a finales del siglo pasado. Deller, que cantaba en un coro, descubrió cuando todavía era un adolescente que podía cantar las partes de alto, tenía una voz incatalogable y nadie podía ayudarle a formarse, su curiosidad le llevó a investigar y a descubrir que en la música inglesa existía una tradición de hombres que cantaban las partes de alto, a partir de ahí desarrolló una técnica de canto paticular, cantó en los coros de la catedral de Canterbury hasta 1947, año en el que se incorporó al coro de la catedral de San Pablo, en Londres. Michael Tippet, que lo había escuchado en el coro de la catedral de Canterbury le invitó a dar su primer concierto como solista, en 1948 formó su propia agrupación, Deller Consort, de la que fue director y cantante. Resucitó a compositores como Byrd, Morley, Tallis, músicas tradicionales inglesas, el canto gregoriano -del que fue profesor- y también autores barrocos. Colaboró con prestigiosos músicólogos y músicos historicistas en los años sesenta y setenta: Leonhardt, Harnoncourt, Brüggen, Dart, Lewis, compositores contemporáneos suyos escribieron para él, es el caso de Britten con el personaje de Oberon en El sueño de una noche de verano (1960). Fue tan revolucionaria su aportación que incorporó un nuevo tipo de voz al repertorio, la de contratenor. Han sido discípulos suyos James Bowman, René Jacobs, Gerard Lesne... Alain Pâris define su voz como "sin vibración, sin pesadez, luminosa y suave, como viniendo de lejos, es la expresión de la inteligencia, sencilla y elegante", pero al margen de que su voz nos pueda parecer más o menos bella, para mí sin duda lo es -sobre todo en sus inicios-, estamos ante un intérprete excepcional, Deller, de una musicalidad exquisita, canta desde el corazón, con naturalidad, es sincero, y esa sinceridad nos llega desde el primer momento, creo que ahí reside su secreto. Hay una famosa anécdota sobre Deller que contó el también contratenor Michael Chance en una entrevista: en una rueda de prensa después de un concierto en Francia una señora le preguntó a Deller: "¿Es usted eunuco (eunuque)?", a lo que él contestó: "Yo creo que lo que soy es único (unique)".

Seguidamente se pueden escuchar un fragmento de su disco "Western Wind an other English folk songs", grabado en Londres en 1958 junto a Desmond Dupré (laúd y guitarra) y John Stohcott (flauta) para Vanguard Classics. Se trata de "Annie Laurie", una canción popular escocesa del siglo XVII-XVIII.

(Antes escucharéis el Agnus Dei de la Misa en si menor de Bach)

Maxwelton's braes are bonnie,
Where early fa's the dew,
'Twas there that Annie Laurie
Gi'ed me her promise true.
Gi'ed me her promise true -
Which ne'er forgot will be,
And for bonnie Annie Laurie
I'd lay me down and dee.

Her brow is like the snaw-drift,
Her neck is like the swan,
Her face it is the fairest,
That 'er the sun shone on.
That 'er the sun shone on -
And dark blue is her e'e,
And for bonnie Annie Laurie
I'd lay me down and dee.

Like dew on gowans lying,
Is the fa' o' her fairy feet,
And like winds, in simmer sighing,
Her voice is low and sweet.
Her voice is low and sweet -
And she's a' the world to me;
And for bonnie Annie Laurie
I'd lay me down and dee.

Grümmer - Die Schöpfung (Haydn)

Hoy he estado dudando entre escapar de las voces líricas y dedicar la entrada a Laurie Anderson o a Luz Casal, que volvió ayer a los escenarios tras una operación de cáncer, o continuar con Elisabeth Grümmer, al final me he decantado por seguir con la soprano. Los tres oratorios que compuso Haydn - exceptuando El retorno de Tobias (1774), Las Siete últimas palabras de Cristo en la Cruz (1796), La Creación (1798) y Las Estaciones (1801) - son obras tardías, dicen que lo que le impulsó a componerlos fue la escucha en Londres de oratorios haendelianos como El Mesías e Israel en Egipto. El libreto del que partió en Die Schöpfung (La Creación) fue una adaptación al alemán de un texto que antes había estado destinado a Haendel, se inspiraba en La Biblia (El Génesis y Los Salmos). Haydn tardó dos años en componer el oratorio, seguramente sería una de las obras de la que se sentía más orgulloso, estando ya muy enfermo en Viena no dudó en acercarse al teatro en el que se le hacía un homenaje y presenciar su ejecución, entre el público estaba Beethoven, su más aventajado alumno, dirigió la obra Salieri.

Aquí tenemos a Grümmer llenando de luz el aria de Gabriel "Nun beut die Flur das frische Grün", corresponde al Tercer Día de La Creación del Universo, comienza con el recitativo bíblico exponiendo los hechos por el arcángel ("Y dijo Dios:¡Que la tierra produzca hierbas, plantas con semillas y árboles que según su especie, den frutos que contengan sus propias simientes!; y así se hizo") y sigue con el comentario e ilustración sobre lo creado en forma de aria. El fragmento propuesto es del aria sin el recitativo previo.

Nun beut die Flur das frische Grün
dem Auge zur Ergötzung dar,
den anmutsvollen Blick
erhöht der Blumen sanfter Schmuck.
Hier duften Kräuter Balsam aus;
hier sproßt den Wunden Heil.
Die Zweige krümmt der goldnen Früchte Last;
hier wölbt der Hain zum kühlen Schirme sich;
den steilen Berg bekrönt ein dichter Wald.

Ahora los campos presentan un fresco manto verde que recrea la mirada. La vista amena se deleita con el vivo color de las flores. Aquí la planta exhala su fragancia al aire. Aquí brota la planta que cura las heridas. La rama se vence bajo sus dorados frutos. Aquí el bosque ofrece un fresco cobijo. Cerradas selvas coronan las altas laderas.

Elisabeth Grümmer - Sobran las palabras

Algunos lo recordaréis, otros sois todavía muy jóvenes, en 1976 un cantante llamado Braulio se presentó en el Festival de Eurovisión cantando "Sobran las palabras", menuda patata, no me extraña que quedara el puesto 16 de 18 canciones que se presentaron, no soy un friki de Eurovisión, con la ópera voy sobrado, pero os dejo el tema por si os va el sadomasoquismo:

Pero algo que dice la canción es cierto: a veces sobran las palabras. Y aquí hay un ejemplo:

Inge Borkh - Canto e interpretación.

Los que vieron actuar a Inge Borkh en directo nos hablan de una voz inmensa y maleable, de eso y de que era una intérprete muy comunicativa es algo de lo que ya nos hacemos una idea al escuchar su legado discográfico, pero también nos dicen que fue una gran actriz en el escenario, que sus interpretaciones eran de un dramatismo y una expresividad sin tacha. Borkh es una de esas cantantes a las que me hubiera gustado ver en vivo pues en ella se conjugaban los dos requisitos principales que exige cualquier ópera a un intérprete: canto e interpretación.

Inge Borkh nació en Manheim en 1917, debutó y finalizó su carrera artística en el mundo del teatro, es lógico entonces que hoy esté considerada no sólo como una gran cantante sino también como una de las actrices-cantantes. Su madre era judía, así que tuvo que abandonar Alemanía en 1935 nacionalizándose suiza. Primero estuvo en Ginebra y después en Viena, estudió para ser actriz en la escuela de Max Reinhardt. Dos años antes de comenzar a estudiar canto en Milán y en el Mozarteum de Salzburgo ya estaba pisando los escenarios como intérprete de teatro, primero en Linz (Austria) y más tarde en Basilea, comenzó a cantar en el cabaret y después debutó en la ópera con Aghate de Freischütz en Lucerna en 1941. Durante la guerra, además de en Lucerna actúa en Basilea y Zúrich. Al terminar la Segunda Guerra Mundial cantó en el Festival de Bayreuth (Freia y Sieglinde), en el Mayo Florentino (Eglantine de Euryante), Barcelona, Lisboa, Nápoles, La Scala, Covent Garden y, por supuesto, en todos los grandes teatros alemanes y austriacos.
Lo que le hizo famosa mundialmente fue el papel de Magda Soreil en el Consul de Menotti. A partir de entonces cantaría Salome y la tintorera en el Convent Garden; Salome, Elektra y Lady Macbeth en Berlín y Salomé en el Met. Según George Hall se apropió completamente del rol de la hechicera Silvana en La fiamma de Rephigi (La Scala y Ópera de Roma) y estrenó el de Cathleen (Irische Legende -La leyenda irlandesa- de Egk, inspirada en W.B Yeats) en el Festival de Salzburgo de 1955. También cantó Gloriana de Britten y Antigona de Orff. Terminada su carrera operística volvió a la interpretación en Hamburgo. Su grabación de estudio más famosa es Turandot para DECCA.

Vamos a ver un vídeo de un fragmento de Macbeth (1910) de Ernest Bloch (1880-1959). Es un compositor que se nacionalizó estadounidense, había nacido en Ginebra, de formación europea a partir de 1916 se marchó a Estados Unidos, allí residió salvo un pequeño paréntesis en los años treinta. Su música instrumental tiene muchas influencias judías, si bien con el tiempo y tras la Segunda Guerra Mundial fue evolucionando hacia el neoclasicismo y rozando, al final, lo atonal.

Después se puede escuchar el monólogo de Elektra: "Allein! Weh, ganz allein!" y la escena final de Salome: "Ah! Du wolltest mich nicht deinen mund küssen lassen, Jokanaan!", la cantante está acompañada en la batuta por Fritz Reiner, grabaciones de 1956 y 1955 respectivamente. Reiner, que falleció a principios de los sesenta, fue un director húngaro que tuvo como profesor de piano en Budapest a Bela Bartok, estuvo trabajando en sus inicios en la capital húngara y después en Dresde (1914-1921), fue nombrado director de la ópera de esta ciudad en 1914, allí trabajó durante siete años en los que colaboró con Richard Strauss, dirigió la primera ejecución alemana de Die Frau ohne Schatten, terminó marchándose a los Estados Unidos a principios de los años veinte, fue director de la orquesta de Cincinnati (1922-1933), de la Sinfónica de Pittsburgh (1938-1948), del Met, en el que debutó en 1949 con Ljuba Welitsch como Salome y de la Sinfónica de Chicago (1953-1963), tuvo como alumno a Leonard Bernstein.

(Como siempre, se puede seleccionar el tema poniendo el puntero del ratón sobre la imagen y seleccionando "channel guide")

Mojca Erdmann, te seguiremos la pista

Mojca Erdmann es una soprano lírico-ligera con facilidad en el agudo, un hermoso timbre y una técnica depurada, es ideal para el barroco y el clasicismo como se puede comprobar en los ejemplos que propongo, ambos grabados en el Festival de Salzburgo 2007, pertenecen a Armida de Haydn en la que Erdmann cantó el papel de Zelmira, habrá que seguirle la pista (para seleccionar el tema ya sabéis que hay que pulsar con el puntero del ratón sobre "channel guide"). Por problemas con Splashcast he tenido que sustituir la presentación por un Youtube en el que canta el aria "Ruhe Sanft" de Zaide.

Comienza estudiando violín a los seis años, después ingresa en el coro de niños de la Ópera de Hamburgo, a los catorce años estudia con Evelyn Herlitzius y Hans Sotin, sin abandonar sus estudios de violín, entre 1997 y 2005 forma parte de la estable de la Ópera Cómica de Berlín, allí canta Susanna, Blonde, Zerlina, Marzelline, Ännchen, Morgana de Alcina, Nannetta y Mrs. Words worth de Albert Herring, en otros teatros como la Deutsche Oper de Berlín, el de Basel o Mannheim también ha cantado Oscar, Norina y Gretel, debuta en la Berliner Staasoper Unter den Linden con el estreno de Takemitsu bajo la dirección de Nagano. En el Festival de Salzburgo debuta en 2006 con Zaide y en 2007 vuelve con Zelmira de Armida (Haydn), en febrero tiene previsto cantar en la Ópera de Amsterdam Blonde en Die Entfühtrung aus dem Serail y después, en Bruselas, Escenas del Fausto de Goethe de Schumann.

Nadja Michael - Salome en el Covent Garden

La soprano alemana Nadja Michael, fue testigo de una tragedia horrible: el 21 de abril de 2001 durante una representación de Aida en la Deutsche Oper de Berlin, vio como Giuseppe Sinopoli se desplomaba desde el podio víctima de un ataque al corazón, estaba sobre el escenario interpretando Amneris, y es que Michael inició su carrera como mezzosoprano (cantó Eboli, Kundry, Amneris, Dalila, Venus, Brangäne y Carmen) , sin embargo, en el año 2005 se pasó a la cuerda de soprano (Marie/Marietta, Tosca, Fidelio/Leonora, Santuzza, Lady Macbeth and Salome).

Quizá la hayáis escuchado en directo, ya que en el año 2006 fue Giulietta en Les contes d'Hoffmann del Real. El próximo 21 de febrero se presentará en el Covent Garden como Salome en una nueva producción de David McVicar bajo la dirección de Philippe Jordan, hace un año cantó esta opera en La Scala con mucho éxito, también la ha cantado en Atenas, en Estrasburgo y en Berlín.

Los próximos roles que incorporará a su repertorio serán Medea de Cherubini en Bruselas y el papel de Elisabeth y el de Venus de Tannhäuser en la misma representación en la Deutsche Oper de Berlin, y en un futuro, según dice en su página web, tiene previsto incorporar los papeles de Norma y Aida.

Nadja Michael - Salome - Escena final - La Scala, marzo de 2007:

El canto francés (4) - Ninon Vallin - Faure - Una "cinefonía"

Algunos consideran la cinefonía (cinéphonie) un antecedente del video-clip, en ella se mezcla la actuación de determinados intérpretes con una ficción cinematográfica que tiene algún tipo de relación narrativa con la música. "Les Berceaux", op. 23 N°1, es una "cinéphonie" sobre una mélodie de Fauré cantada por Ninon Vallin y dirección cinematográfica de Emile Vuillermoz realizada en 1936. La mélodie está basada en un poema, "Le long du quai", del que fuera primer Premio Nobel de Literatura en 1901, Sully Prudhomme (París 1839 - Châtenay-Malabry 1907). Es una nana y también una barcarola que juega con el balanceo de la cuna, las olas y los barcos en el puerto, al tiempo que contrapone la añoranza del hogar con el viaje y la atracción por la aventura.

Le long du quai, les grands vaisseaux
Que la houle incline en silence
Ne prennent pas garde aux berceaux
Que la main des femmes balance.

Mais viendra le jour des adieux,
Car il faut que les femmes pleurent,
Et que les hommes curieux
Tentent les horizons qui leurrent.

Et ce jour-là, les grands vaisseaux
Fuyant le port qui diminue,
Sentent leur masse retenue
Par l'âme des lointains berceaux.

Ninon Vallin (Montalieu-Vercieu, 1886 - Lyon 1961) fue una soprano lírica francesa de entreguerras, estudió en un internado, allí destacó por su facilidad para el aprendizaje musical y pronto fue la solista del coro del colegio, sus padres al ver la pasión que sentía la niña por la música la matricularon en el Conservatorio de Lyon, terminó sus estudios con un premio especial, después se dedicó a ofrecer conciertos en Lyon y en los salones de la burguesía de la ciudad hasta que Vicent d'Indy, prendado de su voz, le sugirió que marchara a Paris para seguir estudiando y lanzar su carrera profesional. En París, con 21 años, consiguió un contrato con los conciertos Colonne de Gabriel Pierné. Claude Debussy la eligió para cantar La Demoiselle élue (2 de abril de 1911). Poco después la contrató el Chätelet como suplente para el estreno de Le Martyre de Saint Sébatien, el día del estreno tuvo que salir para sustituir a la cantante principal. El director de la Opéra comique de Paris se había fijado en la soprano y la contrató, debutando el 14 de octubre 1912 como Micaëla (Carmen), le siguieron Mignon, Mimi, Louise, Manon y Mélisande. Tras declararse la I Guerra Mundial se cerró la Opéra Comique y marchó a España y América latina. En 1917 cantó en La Scala en el estreno de Marouf de Henri Rabaud, consiguió un contrato con el teatro. Terminada la guerra realizó una giras internacionales, cantó en Oslo, Budapest, Viena, Ankara, El Cairo, Nueva York y Montevideo. En 1920 volvió a París y fue aclamada como Thaïs en el Palais Garnier, no actuó mucho en este teatro. Una nueva gira por Buenos Aires, Nueva York, San Francisco, Chicago, Milán, Roma, Londres y Viena. Fue entonces cuando conoció a Manuel de Falla y el español encontró en ella una estupenda intérprete para La Vida Breve y El amor brujo. En 1921 cantó en Rumanía, Moscu, Kiev y Leningrado. A partir de 1925 abandonó sus compromisos con la Opéra Comique por discrepancias con su nuevo director. Hasta mediados de los años treinta cantó en America del Sur (Buenos Aires, Río de Janeiro, Montevideo) coincidiendo con Caruso, Schipa, Pertile y Muzio. Vuelve a Francia, allí estrenó Les cadeaux de Noël de Xavier Leroux, Maria Egipciaca de Respighi y La hechicera de Camille Erlange, además cantó Manon, Werther, Le nozze, Le roi d'Ys, Pagliacci y La vida breve. Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial interrumpió sus giras, retomándolas a partir de 1945. De vuelta a América participó en la creación del Conservatorio de Montevideo (1953), allí ejerció como profesora de canto, su actividad como cantante se redujo considerablemente (Río, Buenos Aires, Montevideo). Volvió a Francia terminando su carrera profesonal en agosto de 1957 , dedicándose a la enseñanza en el Conservatorio de Lyon.

Von Otter - Wings in the Night

Conocí un cocinero noruego y acabe harto de comer salmón, hace dos años le perdí la pista, se marchó a su país y nunca más supe, pues bien, este cocinero no dominaba muy bien el castellano y el 80% de las veces que alguien le decía algo en este idioma él no entendía nada, o porque no podía o porque no le interesaba, entonces yo decía la parida de turno: "Es noruego, pero se hace el sueco". A él la broma le hacía mucha gracia y un día me explicó que era porque Noruega había pertenecido a Suecia entre 1814 y 1905 y había conseguido separarse de ella tras una larga lucha por su independencia.

En septiembre de 1995, Anne Sofie von Otter, acompañada al piano por Bengt Forsberg, grababa un disco para DG dedicado a canciones de compositores suecos compuestas en los veinte o veinticinco años anteriores y posteriores al penúltimo cambio de siglo, "Wings in the Night". Contiene temas de compositores que entonces eran, y también hoy lo son, prácticamente desconocidos:Emil Sjögren, Helm Peterson-Berger, Wilhelm Stenhammar, Hugo Alfven, Sigurd von Koch, Ture Rangstöm. En este disco aparecía una canción muy muy cortita que daba título al recital, Wings in the Night (Vingar i natten), compuesta por Ture Rangström en 1917 sobre un poema de Bo Bergman. Cuando la escuché por primera vez, su ímpetu y el misterio de su letra causó en mí un fuerte impacto y con el paso de los años la pasión que siento por esta canción no ha descendido ni un ápice.

Ture Rangström fue estudiante de canto y profesor después. Estudió en Berlín con Pfitzner, compuso varias óperas, la más famosas es Kronbruden, 1915 (La corona de la novia) basada en una obra de Strindberg, y unas 250 canciones, además de cuatro sinfonías y música de cámara. Según el librito que acompaña al disco "sus estudios en Alemania le permitieron asimilar numerosas influencias extranjeras, desarrollando a partir de ellas un lenguaje musical muy personal, no académico y de gran libertad armónica... su escritura, a menudo, da la impresión de que es casi improvisada... las cancionesde Ragnström... adoptan frecuentemente un estilo declamatorio: la música sigue de cerca y secunda las intflexiones y el ritmo del texto y su carácter iconoclasta recuerda a Musorgsky y Janacek." (Bengt Forsberg y Anne Sofie von Otter en colaboración con Sven Kruckenberg).



Vingar i natten
Det flyger en fågel svart och stum.
Vem binder hans öde? Ingen.
Han flyger i världens vida rum
med ångestens vind i vingen.

Har ej rede att värma sig i.
Har ej värn eller viloställen.
Min längtan susar skugglikt förbi
din brinnande ruta i kvällen.

Så blek i månskenets bleka ljus
du stryker en dröm från din panna.
Nu sover ditt stora tysta hus.
Mitt öde kan icke stanna.

Det är skyar som fara och flarn
på flykt över dunkla vatten
- vi längtans fåglar, vi orons barn,
vi susande vingar i natten!

La traducción es bastante patatera, se hace lo que se puede, así que ruego me disculpéis por los errores que haya podido cometer:

Hay un pájaro que vuela, negro y silencioso. ¿Quién ata su destino? Nadie. Vuela por los vastos espacios del mundo con el viento de la incertidumbre bajo sus alas.
No tiene nido en el que calentarse. Ni tiene refugio ni lugar de descanso. Mi deseo pasa como una sombra ante la luz de tu ventana en la noche.
Pálido en la luz, pálido en un claro de luna ahuyentas un sueño de tu frente. Ahora tu casa, grande y silenciosa, duerme. Mi destino no puede detenerse.
Como nubes que acechan y hojas que flotan en oscuras aguas... Nosotros, pájaros anhelantes, nosotros, niños inquietos, nosotros, murmullos de alas en la noche.

Quién me lo iba a decir...

Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, Richard Strauss marchó a Suiza, allí descubrió un poema de Joseph von Eichendorff, Im Abendrot, basándose en él compuso una pieza para soprano y orquesta. Al principio era una pieza aislada y no formaba parte de los Cuatro últimos lieder, la terminó en mayo de 1948, después compuso tres lieder más sobre textos de Herman Hesse, también para soprano y orquesta, que junto con el primero forman los Vier Letzte Lieder (por voluntad de un editor londinense). Meses después de su composición moriría, nunca escuchó la interpretación de estas piezas. Su estreno tuvo lugar el 22 de mayo de 1950 con Kirsten Flagstad, la Orquesta Philharmonia y dirección de Wilhelm Furtwängler.

Quién me iba a decir que terminaría rindiéndome ante la versión de los Vier letzte Lieder -y más concretamente la de Im Abendrot- que Böhm grabara en 1953 con la Filarmónica de Viena y Lisa Della Casa para Decca. No era por la soprano, straussiana de primera fila, maravillosa Zdenka, Arabella, Ariadne, Condesa Madeleine, Mariscala, Chysothemis, ni por su timbre argénteo y resplandeciente, no era porque prefiriera a Schwarzkopf, no lo era porque fuera incondicional de Szell, sino por la misma dirección de Böhm, que se me antojaba demasiado intrascendente, demasiado veloz, pensaba que pasaba por encima del lied como elefante por cacharrería. Qué equivocado estaba, ahora es Szell el que casi se me antoja demasiado lánguido. Esta noche se me ha ocurrido comprobar las duraciones y me he sorprendido, y eso que ya me esperaba que la de Szell fuera más larga (8'18'') que la de Böhm (6'03''), pero no que hubiera tanta diferencia de tiempo entre ambas. Pero qué maravillosa es Schwarzkopf, y eso que está grabado en 1966, cómo mantiene el tipo ante tanta lentitud, no es fácil, qué melancolía, qué matices. Böhm-Della Casa, Szell-Schwarzkopf, la cara y la cruz de la misma moneda, unos maravillosos y los otros también. Yo no sé vosotros, yo, no pienso elegir. Van las dos grabaciones seguidas, se puede seleccionar la que se quiera pulsando con el puntero del ratón sobre el botón que pone "channel guide":

IM ABENDROT (Joseph von Eichendorff)

Wir sind durch Not und Freude
gegangen Hand in Hand,
vom Wandern ruhen wir (beide)
nun überm stillen Land.

Rings sich die Täler neigen,
es dunkelt schon die Luft,
Zwei Lerchen nur noch steigen
nachträumend in den Duft.

Tritt her und lass sie schwirren,
bald ist es Schlafenszeit,
dass wir uns nicht verirren
In dieser Einsamkeit.

O weiter, stiller Friede!
So tief im Abendrot,
wie sind wir wandermüde-
ist dies etwa der Tod?


EN LA PUESTA DE SOL


Con penas y alegrías,
mano a mano, hemos caminado.
Reposemos ahora de nuestros viajes,
en la tranquila campiña.

A nuestro alrededor se inclinan los valles,
ya el cielo se oscurece.
Sólo dos alondras alzan todavía el vuelo
soñando de nuevo en el perfumado aire.

Ven y déjalas trinar,
pronto será hora de dormir,
Ven, para que no podamos perdernos
en esta soledad.

Oh, inmensa y dulce paz,
tan profunda en la puesta de sol,
qué cansados estamos de caminar.
¿Quizás sea esto la muerte?

Lucrezia Bori - Una valenciana en New York (I)

Esta es la primera de una serie de entradas que quiero dedicar a Lucrezia Bori, una soprano valenciana que triunfó en el Met, teatro en el que cantó desde 1912 hasta 1936, veinticuatro años, si bien con la compañía del Met debutó en 1910 en un Tour en París, se representó Manon Lescaut y estuvo acompañada ni más ni menos que por Enrico Caruso y Pascuale Amato bajo dirección de Toscanini, terminada su carrera como cantante no se rompió su vinculación con el Met, ya que pasó a desempeñar un cargo directivo en este teatro.

En 1981 Juan Gil-Albert, el escritor alcoyano que hoy es considerado de la generación del 27, la recordaba en una entrevista: “el año 1915, mis padres me trasladaron a la calle del Grabador Esteve (...) El espejo grande del zaguán había reflejado también otra silueta, la de Lucrecia Bori, que vivía en el piso superior al nuestro. La veo ahora de visita en el salón de mi casa vestida de luto, con sombrero, con un manguito de nutria negro en el que llevaba prendido un bouquet de violetas. Aquella famosa cantante de ópera fue muy amiga de mi familia, me ha marcado la juventud, yo la oía hacer gorgoritos por el patio de luces y de repente un día callaba, no se oía ya, había desaparecido, estaba actuando en Nueva York, en Londres, en París, pero de pronto otro día sonaban los gorgoritos por el patio de luces. Lucrecia Bori había vuelto. Cuarenta años sin saber de ella, no hace mucho, poco, antes de morir, la encontré por la calle frente al palacio de Dos Aguas. No me atreví a saludarla, pero supe que estaba en el hotel Inglés y le mandé una tarjeta. Al día siguiente me llamó por teléfono. Me preguntó qué hacía. Le dije que era escritor. Me contestó: pero, además, ¿a qué se dedica? No sé qué le pude responder, tal vez le dije que acudía a dos consejos de administración, pero en este terreno me siento tan desplazado como un cristiano en una pagoda. En los últimos años la vimos con frecuencia. Vivía en el Royal y nosotros ya estábamos en la casa de Colón, 35. Lucrecia Bori deambulaba por la noche para hacer ejercicio y nos dijo una vez que había contado nuestros balcones, ¡doce balcones! Tenía ochenta años pasados y con mi madre hablaba ya de un mundo de fantasmas”. (Entrevista de Manuel Vicent a Juan Gil Albert. El País. 05/09/1981).

Como audio propongo la escucha de la gavota "C'est moi... Me voici dans son boudoir" de Mignon de Ambroise Thomas. Mignon se estrenó en la Opéra Comique de Paris en 1866 y es, junto a Hamlet, la ópera más famosa de Thomas. Hoy no es muy habitual en el repertorio pero a finales del siglo XIX llevaba más de mil representaciones en París.

El libreto es de Jules Barber y Michel Carré y está basado en Los años de aprendizaje de Wilhelm Meister, de Goethe. La acción tiene lugar en Alemania e Italia a finales del silgo XVIII.

La graciosa e intrascendente gavota "Me voici dans son boudoir" la canta Frédéric, personaje que es normalmente interpretado por una contralto o un tenor ligero. En ella Frédéric canta el amor que siente por Philine, una actriz que, para variar, está enamorada de otro: el estudiante Wilhelm Meister. Mientras Frédéric canta en el tocador de la actriz, Mignon (que se ha puesto uno de los trajes de Philine y también está enamorada del estudiante) está escondida en un ropero. El muchacho, que me recuerda bastante a Cherubino, está emocionado al verse entre los objetos que pertenecen a Philine y manifiesta su esperanza de que su amor sea algún día correspondido. La pieza no ofrece muchas dificultades pero yo encuentro aquí a la Bori encantadora y con una pronunciación francesa estupenda:

Frédéric: C’est moi, j’ai tout brise! N’importe! M’y Voici! Quoi, mon oncle a loge Philine chez ma tante! Me voici dans son boudoir et je sens mon Coeur, Je sens mon Coeur battre d’espoir. Ah, je guette l’instant de la revoir. Oui je sens mon Coeur, je sens mon Coeur battre d’espoir! Coquette, je guette l’instant de te revoir! Il faut enfin vaincre la cruelle. Il faut toucher, toucher le Coeur de l’infidèle! Je suis dans son boudoir, et je sens mon Coeur, je Sens mon Coeur battre d’espoir. Moi, je veux qu’on m’aime, et j’espère, oui, j’espère a mon tour Etre heureux; tant pis, ma foi! Pour tous ses amoureux, Tant pis pour tous ses amoureux! Je suis dans son budoir.

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Hace dos días escuchábamos la Manon de Victoria de los Ángeles, pues bien, Bori cantó la Manon de Massenet en el Met más de cuarenta veces y fueron escenas de esta ópera y de La Traviata las que escogió para despedirse del teatro el 29 de marzo de 1936, podéis escuchar la Gavota y Adieu notre petite table pinchando en los siguientes enlaces:

- Gavota: Obeissons quand leur voix -

- Adieu, notre petite table -